MysteryComics

Critique 312 : DAREDEVIL, VOL. 1, de Mark Waid, Paolo Rivera et Marcos Martin

2012-02-29T16:16:00.000+01:00

Daredevil, Volume 1 rassemble les épisodes 1 à 6 de la nouvelle série écrite par Mark Waid et dessinée par Paolo Rivera (#1-3) et Marcos Martin (#4-6 + la back-up du #1), publiée en 2011 par Marvel Comics.

Rappel des faits : Devenu maître de l'organisation criminelle de la Main, Matt Murdock a, en nettoyant son quartier natal de Hell's Kitchen avec son armée de ninjas, affronté certains de ennemis (tuant même Bullseye) et quelques héros. Mais il était alors sous l'emprise d'un démon et, revenu à lui, a choisi de prendre le large (confiant son territoire à Black Panther).

De retour à New York après un passage au Nouveau-Mexique, il convainc son ami Foggy Nelson de rouvrir un cabinet d'avocats. L'objectif pour Murdock est double : renouer avec son métier de conseil juridique et restaurer son image de justicier...

Fred Van Lente (texte) et Marcos Martin (dessin)

résument les origines de Daredevil.

- Épisodes 1 à 3. Dessinés par Paolo Rivera. Daredevil surgit lors d'une cérémonie de mariage dont les époux font partie de deux familles mafieuses de New York et empêche l'enlèvement d'un des invités en affrontant the Spot, un mercenaire.

En tant que Matt Murdock, il accepte ensuite de plaider la cause d'un certain M. Jobrani dans une affaire de violence policière et d'expropriation. La séance au tribunal se passe mal car l'avocat de la partie adverse insiste sur la partialité de Murdock et sa double vie de justicier. Foggy Nelson finit par lâcher le dossier mais Murdock sous le masque de Daredevil mène l'enquête et découvre que l'épicerie de son client abrite les machinations d'un super-vilain...

Entretemps, DD doit également faire face à Captain America, bien résolu à lui réclamer des comptes à propos de ses agissements passés.

4 planches de Daredevil # 1 dessinées par Paolo Rivera.

- Épisodes 4 à 6. Dessinés par Marcos Martin. Matt Murdock et Foggy Nelson se reconvertissent en conseillers juridiques pour coacher leur clients afin qu'ils puissent se défendre seuls, et donc éviter à la partie adverse de mentionner Daredevil. Plusieurs clients se succèdent, jusqu'à ce qu' Austin Cao, un jeune interprète aveugle, brutalement renvoyé de son entreprise après avoir surpris accidentellement une conversation entre clients, retienne l'attention de Murdock.

En investigant, Daredevil découvre que plusieurs organisations terroristes sont en affaire avec l'ex-employeur de son client. Surpris, il doit affronter the Bruiser, mais il va mettre la main sur un précieux document...

2 planches de la back-up de Daredevil # 1

dessinées par Marcos Martin.

Après le départ d'Ed Brubaker et Michael Lark et le run controversé d'Andy Diggle et Roberto de la Torre, Marvel choisit de suspendre la publication de Daredevil. Il ne s'agit pas seulement de préparer un relaunch (qui s'inscrira dans le cadre de l'opération "Big Shots" avec les relances de Moon Knight, par Brian Bendis et Alex Maleev, et du Punisher, par Greg Rucka et Marco Checchetto) mais aussi d'un aboutissement logique, qui a vu la série sombrer dans des lignes narratives de plus en plus sombres et extravagantes (surtout avec Diggle et son crossover Shadowland).

Parti de chez DC, Mark Waid accepte de reprendre les commandes du titre mais en lui insufflant un nouveau souffle, une direction inattendue : il faut sortir Daredevil de cette spirale infernale et en (re)faire une bande dessinée d'action, bref rompre avec "l'école" Frank Miller (perpétuée avec Bendis et Brubaker) et renouer d'une certaine façon avec l'époque Ann Nocenti. Plus encore, c'est aux origines historiques de la série que Waid veut faire référence, à l'époque où Stan Lee avec Bill Everett et Wallace Wood pilotaient l'Homme sans peur.

Il ne s'agit pas de transformer Daredevil en comédie super-héroïque ou en pseudo-Spider-Man, mais d'y réinjecter de la légèreté. Ainsi, après tous les coups durs qu'il a endurés, Matt Murdock change d'état d'esprit : plutôt que subir, il redevient pro-actif et optimiste (quand bien même il accepte que Foggy Nelson considère cette attitude comme du déni), et il se sert de Daredevil pour mener l'enquête sur les clients de Murdock, qui décide de devenir un conseiller juridique parce qu'il ne peut plus plaider sereinement. C'est très habile. Mais ce n'est pas tout.

En effet, Waid n'a pas effacé les évènements relatés par Bendis, Brubaker et Diggle : il y fait des allusions discrètes mais claires, comme lorsque Daredevil est appréhendé par Captain America - leur face-à-face laisse la situation en suspens, l'avenir nous dira si Waid y reviendra (Bendis a, lui, déjà décidé d'intégrer DD aux Nouveaux Vengeurs, dans la tourmente de Fear Itself - Waid avait d'ailleurs exprimé que si son héros devenait un Vengeur, sa réhabilitation serait plus rapide).

Ensuite, le scénariste renouvelle la galerie des ennemis de l'homme sans peur : il a décidé d'écarter (pour longtemps à l'en croire) les ninjas et le Caïd. Dans la première histoire, c'est Klaw, le maître du son, qui est opposé à DD ; dans la seconde, c'est un catcheur colossal à la solde de plusieurs organisations criminelles : dans les deux cas, ces adversaires permettent à Waid d'exploiter les super-sens de son héros, en particulier son radar (très ingénieusement quand il est jeté dans l'eau, par exemple, ou face à the Spot). En tout cas, on a affaire à des ennemis atypiques mais retors, qui démontrent que, même si la série est plus bondissante, elle ne ménage pas sa vedette.

Waid insiste beaucoup, mais toujours intelligemment, sur le fonctionnement des pouvoirs de Daredevil et ses relations avec son entourage "normal", introduisant même un nouveau personnage avec l'assistante Kirsten McDuffie et sa colocataire (dont on devine qu'elles vont accompagner sentimentalement Murdock et Nelson). Ces directions trouvent un écho remarquable dans leur représentation visuelle, mais ont d'abord pour qualités de redonner de l'air frais à la série, où alternent, à parts égales, les combats traditionnels et les rapports humains (sans qu'ils soient forcèment dramatiques).

L'auteur prouve que, lorsqu'il est vraiment inspiré, il n'a guère de rivaux pour régénèrer un titre, comme à la glorieuse époque où (avec Mike Wieringo) il avait écrit Fantastic Four.

Visuellement donc, cette nouvelle version est un régal, même si elle tranche radicalement avec ce à quoi Maleev ou Lark nous avaient habitués.

Paolo Rivera et Marcos Martin ont des styles distincts, mais complémentaires (hélas ! Martin a quitté la série après ses trois épisodes). Paolo Rivera (qui est encré par son père, Joe) a un trait appliqué, à la ligne claire, où on retrouve son souci du détail, de la justesse et de la lisibilité : à la fin du recueil, une interview de l'artiste et une de ses planches permet d'apprécier la méticulosité dont il fait preuve (et par conséquent pourquoi il ne peut pas enchaîner plus de trois épisodes d'affilée). On pense à Everett et Wood, et ce n'est pas un petit compliment.

Marcos Martin se montre peut-être moins étincelant que dans ses épisodes de Spider-Man, même s'il propose quelques trouvailles épatantes. Néanmoins, l'expressivité de ses personnages, la souplesse de ses découpages et l'élégance de son trait font merveille. Plus encore, il joue énormèment sur la représentation du son et parvient ainsi à traduire avec force le script de Waid.

Les couleurs de Javier Rodriguez et Muntsa Vicente sont très vives, confirmant la luminosité nouvelle, l'entrain et le plaisir contagieux du héros. C'est audacieux mais parfaitement accompli.

Le pari de Mark Waid était risqué, sa réussite n'en est que plus éclatante. A la fin de ces six premières issues, la situation de Daredevil est redéfinie et promet des développements accrocheurs. Par conséquent, ne manquez pas ce relaunch qui s'impose déjà comme une des meilleures productions Marvel du moment.

Critique 311 : THE MOTH, de Gary Martin et Steve Rude

2012-02-25T15:20:00.001+01:00

The Moth rassemble les épisodes 1 à 4, la "Special Issue" et l'extrait de Dark Horse Presents n° 138, de la série créée et dessinée par Steve Rude et écrite et encrée par Gary Martin, publiée en 2004 par Dark Horse Comics.

Comme The Silencer, un autre personnage créé par Steve Rude, The Moth a été imaginé initialement pour une collection de cartes. Puis avec son encreur Gary Martin, le dessinateur a entrepris de développer une série avec ce héros costumé en 2004. Tous les épisodes ont été collectés dans ce recueil paru en 2005 chez Dark Horse Comics : les 42 pages de The Moth Double-Sized Special, les 8 pages de l'histoire publiée dans l'anthologie Dark Horse Presents (# 138), et les quatre épisodes de de 22 pages de la mini-série The Moth. Malheureusement, depuis, le titre n'a pas connu de suite.

The Moth est, dans le civil, Jack Mahoney, un jeune et vigoureux arobate qui hérite du Vansant Circus. Il veille sur son frère jumeau, Tad, et sur les membres de la troupe. A l'occasion, il se déguise et loue ses services pour financer le cirque.

Jack est un athlète qui possède un solide physique après avoir été séparé, alors qu'ils étaient encore bébés, de Tad (qui, lui, souffre depuis de nanisme), et son costume de justicier est doté de plusieurs gadgets (comme des ailes qui lui permettent de voler, des fumigènes dans ses gants...). Mais il n'a aucun super-pouvoir.

Néanmoins, il ne manque pas d'adversaires entre un gang de bikers, des gangsters, des mercenaires, ou un homme-lion, incarnation d'un démon africain.

Détails du costume de The Moth, par Steve Rude.

The Moth compte également quelques alliés. D'abord parce que sa double vie est connue de tous les membres de sa troupe, qui le soutiennent sans réserve (même si les clowns le charrient volontiers), comme l'haltérophile Melvin ou la femme à barbe Sophia. Ensuite il fait la connaissance, lors d'une de ses missions en ville, d'American Liberty, une autre justicière, très médiatisée depuis qu'elle a succédé à son père, et qui collabore en secret avec le F.B.I. - qui connaît tout du passé de Jack...

La couverture et deux planches de The Moth Special Issue,

par Steve Rude.

Le plus frustrant avec cette série est qu'elle s'achève sur un cliffhanger et une affaire irrésolue (contre un trio de "ninjettes" voleuses). Il semble que de faibles ventes aient conduit Dark Horse Comics à annuler le titre, bien que Steve Rude et Gary Martin avaient de grands plans pour leur héros comme en témoignent les annonces à la dernière page du recueil.

Rude et sa femme ont co-fondé "Rude Dude Productions" pour auto-éditer les oeuvres de l'artiste, mais sans grand résultat, et The Moth est resté dans les lîmbes depuis 2004 et son 4ème épisode. Dommage, car le matériel avait un potentiel très prometteur, celui d'une production atypique à contre-courant de beaucoup de comics super-héroïques.

(Pour l'anecdote, Steve Rude avait initialement proposé The Moth à Image Comics mais l'éditeur, gêné par le logo du héros - une tête de mort ressemblant à celle qui orne le costume du Punisher - avait préféré refuser par crainte d'une action en justice de Marvel.)

3 planches de The Moth #1 (avevc la 1ère apparition

d'American Liberty) par Steve Rude.

La prépondérance des anti-héros dans les comics fait de The Moth une série rafraîchissante : c'est en effet un héros qui va à l'encontre de la mode des justiciers cyniques et évoque plutôt les personnages des âges d'or et d'argent (des années 40 à 60 donc). Les aventures de Jack Mahoney ont un aspect intemporel et léger, très divertissant et premier degré, avec des braves d'un côté et de grosses crapules de l'autre, de vrais bons et de vrais méchants à l'ancienne, avec leur lot de clichés.

Par ailleurs, The Moth se pose comme l'opposé de Nexus, l'autre héros emblématique de la carrière de Rude, évoluant non plus dans l'espace, avec des aliens, mais dans un environnement urbain et le milieu folklorique du cirque, avec sa cohorte de "freaks" (la référence au chef-d'oeuvre de Tod Browning est évidente, sans le côté tragique).

3 planches de The Moth #2 par Steve Rude.

Mais, soyons honnête, plus que ses qualités scénaristiques (modestes au demeurant, avec des intrigues assez sommaires et quelques blagues scatologiques dispensables), ce qui rend The Moth vraiment attrayant, c'est sa partie graphique.

Steve Rude est un immense artiste, qui synthétise tout ce qu'on peut aimer chez Jack Kirby (pour l'intensité), John Romita Sr (pour la finesse) et Alex Toth (quand bien même ce dernier ne fut pas tendre avec lui quand il critiqua, à la demande du "Dude", des planches de Jonny Quest : tapez "Alex Toth Steve Rude"sur Google et vous trouverez facilement les détails de cette échange). The Moth est une création qui lui tenait visiblement à coeur et, comme il se doit, il l'a particulièrement gâté. Ses planches sont des modèles du genre, avec des compositions élégantes et fortes, un découpage à la fois simple mais inventif, une fluiditié exceptionnelle.

Et l'encrage, d'une finesse pafaite, de Gary Martin sert à merveille ce trait précis et puissant, tout comme le font les couleurs de Glenn Whitmore (sans oublier le lettrage manuel - Rude insiste sur ce point - de Patrick Owsley).

Ci-dessus, quand on examine ces quatre planches du 4ème épisode, on ne peut que regretter et que la série n'ait pas été prolongée, mais plus encore que Rude ne produise pas davantage (certes son caractère difficile lui a joué des tours, mais quel gâchis de la part des grands éditeurs que de se priver d'un tel talent !).

L'album se conclut sur une douzaine de pages de bonus : une postface de Rude, des photos de l'artiste lors de signatures (avec ses enfants mais aussi aux côtés du légendaire John Romita Sr !), une histoire originale illustrée de trois pages (The Honeypot of Doom), un poster d'American Liberty (dessiné, encré et colorisé par Gary Martin) et des lettres de fans (dont Joe Casey avec lequel le "Dude" collabora sur la mini-série X-Men : Children of Atom).

Comme je le disais au début de cette critique, la série s'achève en plein vol et des questions restent sans réponses (quelles sont les origines exactes du héros ? Pourquoi ce surnom ? Quid du partenariat d'American Liberty avec le FBI ? Et des trois cambrioleuses ? Etc). Il est très improbable qu'on retrouve The Moth un jour (Rude travaille actuellement au retour de Nexus), mais quoi qu'il en soit, ce recueil est une bien belle bande dessinée signée par un des tout meilleurs artistes modernes.

Critique 310 : PLANETE ROUGE, de Ray Bradbury et Al Feldstein

2012-02-22T18:44:00.000+01:00

Planète Rouge est un recueil de douze nouvelles écrites par Ray Bradbury adaptées par Al Feldstein et mises en images par un collectif d'artistes, publiées à l'origine par EC (Entertainment Comics) dans les années 50.

L'histoire de ces comics est amusante : Al Feldstein était le rédacteur en chef d'EC, maison d'édition spécialisée dans les bandes dessinées de genre (western, horreur, fantastique, romance, guerre), qui a souvent affronté la censure de l'époque.

Toujours à l'affut de talent, scénaristes comme dessinateurs, il découvre les écrits de Ray Bradbury dans un recueil de nouvelles. Il décide alors de les adapter mais en modifiant les noms et les personnages, puis les confie à quelques-uns de ses dessinateurs.

Bradbury, fan de comics depuis l'enfance (il raconte dans la préface de l'ouvrage comment il suivait les aventures de Flash Gordon, Mandrake le magicien, Jungle Jim ou Buck Rogers, constituant de 1928 à 1938 une impressionnante collection), écrit quelque temps après à Feldstein en s'étonnant gentiment qu'il n'ait pas reçu de royalties pour ces adaptations.

Feldstein rencontre alors le romancier et c'est ainsi que démarra une longue et fructueuse collaboration entre l'auteur, l'éditeur et ses artistes.

Cet album compte douze histoires fortement marquées par leur époque : nous sommes dans les années 50, l'Europe panse les plaies de la seconde guerre mondiale, le rock'n'roll apparaît, l'aérospatiale commence à se développer, et l'Amérique du Nord entretient des relations tendues avec l'Union Soviétique.

Durant cette période, les comics sont en pleine mutation : les super-héros sont au creux de la vague tandis que les récits de genre (western, romance, guerre, science-fiction, épouvante) garnissent les stands des kiosques. Ces bandes dessinées, d'une dizaine de pages par histoire, sont souvent lourdement métaphoriques pour traiter de la guerre froide mais aussi de l'évolution de la cellule familiale ou de la vie citadine et rurale.

Ce sont les années du mobilier "atome", que Franquin mettra en images dans Modeste et Pompon, du lancement de Spoutnik, d'Elvis, du maccarthysme... On rêve de Mars et de ses habitants, les extraterrestres figurant les envahisseurs d'Europe de l'Est et de la Chine, cristalisant le choc des cultures capitaliste et communiste. Des temps troubles donc.

Mais des temps propices à l'émergence de formidables talents : EC va abriter une pépinière d'artistes exceptionnels, comme Reed Crandall, Frank Frazetta, Al Williamson, Wallace Wood et John Severin (qui vient de disparaître à l'âge de 91 ans, en n'ayant jamais arrêté de dessiner !), qu'on trouve tous dans cet album.

- L'ouvrage s'ouvre par une fascinante et glaçante histoire post-fin du monde où l'humanité à disparu, laissant leurs maisons au mobilier électronique continuer à vivre comme si de rien n'était... Jusqu'à ce qu'un grain de sable ne dérègle tout. Il s'agit d'Il viendra des pluies douces, magnifiquement servi par le graphisme de Wallace Wood, un des artistes les plus inventifs (et méconnus) de la seconde moitié du XXème siècle (comme Alex Toth, Wood a souffert de ne jamais avoir lié son nom à un héros connu, produisant toutes sortes de comics, de l'horreur à l'érotisme).

- Puis Les Villes muettes prolonge cette thématique de la fin du monde, avec le récit d'un homme seul sur Mars... A moins qu'il reste encore une dernière femme. D'un humour sarcastique, cette nouvelle bénéficie des illustrations d'une autre pointure mésestimé, Reed Crandall (qui oeuvra sur le titre Blackhawks, des héros pilotes de chasse, chez DC).

La 1ère planche des Villes muettes par Reed Crandall.

- Le niveau du contenu reste somptueux avec Moi, Fusée : la narration est très originale (comme l'indique le titre, il s'agit d'un récit exprimé du point de vue d'un vaisseau de guerre), avec une voix off étonnamment suggestive. Mais encore une fois, c'est la partie graphique qui impressionne, et pour cause, on a affaire à deux des meilleurs dessinateurs d'EC réunis : Frank Frazetta encré par Al Williamson. Les planches sont splendides, dignes du meilleur travail d'Alex Raymond (l'influence majeure des deux partenaires et le mentor du second), avec des effets de trame admirables.

- Châtiment sans crime explore le registre "crime story" en l'agrémentant de fantastique et d'humour noir puisqu'un mari tue sa femme qui est en vérité une marionnette (comprenez un robot). Visuellement, Jack Kamen n'a pas le niveau de ses prédécesseurs, mais son trait noir et épais convient bien à cette ambiance.

- Paria des étoiles parle d'un père de famille de condition trop modeste pour s'offrir un voyage dans l'espace, et qui conçoit alors un plan ruineux mais ingénieux pour exaucer son rêve et le partager avec les siens. C'est assez anecdotique et les dessins de Joe Orlando, comme ceux de Kamen avant, sont inférieurs en qualité.

- Le Roi des espaces gris est une belle fable sur l'amitié mise à l'épreuve par l'élection d'un des protagonistes pour participer à des voyages spatiaux. C'est l'occasion de découvrir les images de John Severin, encrées par Will Elder : cet artiste élégant, à la productivité ahurissante, fut un maître du noir et blanc classique.

- On en a encore la preuve dans le récit suivant : Le Pique-Nique d'un million d'années, où toute une famille part en randonnée sur Mars, dont ils sont quelques-uns des derniers résidents. Le climat à la fois mélancolique et angoissant est une réussite.

La 1ère planche du Pique-Nique d'un million d'années

par John Severin et Will Elder.

- Paquet-surprise peut être considéré comme le complèment de Châtiment sans crime puisqu'il s'agit d'un récit criminel teinté de fantastique, mais où les rôles sont inversés - cette fois, c'est une femme qui tue son conjoint, remplacé par une réplique robotique. Le dénouement est aussi inattendu que brutal (un suicide). Tout cela aurait mérité mieux que Jack Kamen au dessin, dont le style a mal vieilli.

- Mais cette déception est vite balayée par ce qui constitue l'indiscutable chef-d'oeuvre de ce recueil : Celui qui attend est une variation saisissante sur le thème de la possession, avec Mars une nouvelle fois comme décor. La voix-off, comme dans Moi, Fusée, est remarquablement utilisée. Et l'immense Al Williamson illustre ce récit avec une virtuosité bluffante.

La 1ère planche de Celui qui attend par Al Williamson.

- Les Longues années est une vraie curiosité avec ses personnages au look moyen-âgeux évoluant là encore sur Mars, dans une histoire de famille et d'abandon troublante. Le "twist" final est imprévisible. Dommage cependant là encore que ce soit Joe Orlando qui ait mis cela en images.

- L'Heure Zéro souffre du même défaut : Jack Kamen, encore lui, peine à traduire visuellement avec efficacité une histoire d'enfants ayant rencontré des aliens sur le point d'envahir la Terre. Le scénario traîne par ailleurs un peu et la chute est trop abrupte pour être aussi frappante qu'elle le devrait.

- Enfin, Pour de bon est la seconde contribution de Wallace Wood à cet album : il illustre magnifiquement cette nouvelle sur un astronaute préférant l'espace à la vie de famille. Le script est, là, à la hauteur de l'artiste avec un dénouement cruel et ironique.

Une planche de Pour de bon par Wallace Wood.

Un album rare, acquis pour un Euro il y a deux ans lors d'une vente de la bibliothèque municipale de ma ville et dont j'avais presqu'oublié l'existence !

Critique 309 : FABLES 16 - SUPER TEAM, de Bill Willingham, Mark Buckingham, Eric Shanower et Terry Moore

2012-02-15T15:55:00.001+01:00

Fables : Super Team est le 16ème tome de la série, rassemblant les épisodes 101 à 107, écrits par Bill Willingham et dessinés par Eric Shanower (#101), Mark Buckingham (#102-106) et Terry Moore (#107), publiés en 2011 par DC Comics dans la collection Vertigo.

- The Ascent (# 101). Dessiné par Eric Shanower. Dans l'ancien bureau du maire de Fabletown, le singe Bufkin (qui a terrassé Baba Yaga) questionne le miroir magique pour connaître son avenir. Il lui prédit qu'il lui faudra accomplir treize nouveaux exploits avant de se proclamer roi. Il part donc explorer les limites du bureau tandis que Frankie (la tête du monstre de Frankenstein) émet des doutes sur les dires du miroir et la capacité de Bufkin à réussir ses travaux.

Bill Willingham a développé au sein de Fables plusieurs univers depuis le cataclysme provoqué par Mr Dark. Exilé on-ne-sait-où, avec les rebuts du bureau du maire, Bufkin a désormais droit à ses propres aventures, qui sont également mouvementées puisqu'on l'a vu affronter (et vaincre) Baba Yaga. Désormais, il aspire à de hautes fonctions, légitimé par son exploit, mais peut-il faire confiance à ceux avec qui il cohabite ? A l'évidence, le scénariste va développer la trajectoire de ce singe en l'entraînant dans une quête au long cours, à la découverte de nouveaux territoires. Et c'est, contre toute attente, passionnant de suivre ce qui se joue chez ces outsiders de la série.

Cet épisode, qui n'a donc rien d'un bouche-trou, est dessiné par Eric Shanower, familier de ces univers loufoques puisqu'il a signé Adventures of Oz (pour les enfants).

C'est presqu'un spin-off mais qui continue à s'animer au sein de la série-mère et on se demande bien où tout ça va aboutir.

- Super Team (# 102-106). Dessiné par Mark Buckingham. Désormais réfugiés au royaume de Haven, sous la protection de Flycatcher, les Fables savent que Mr Dark va resurgir et ils se préparent donc à le combattre. Pinocchio a persuadé Ozma qu'une équipe bien entraînée pourrait défaire leur ennemi et, s'inspirant des comics de super-héros, il recrute quelques membres qu'ils affublent de costumes bariolés et de surnoms évocateurs. Mais entre les exigences d'Ozma, les souhaits de Pinocchio, l'utilité des recrues, la nécessité de faire appel à des soldats sans peur, et l'arrivée de Mr North, le père de Bigby, qui a découvert l'existence de son 7ème petit-fils (Ghost), la situation se complique rapidement. De son côté, Mr Dark achève de préparer la Nurse Spratt pour un futur et mystérieux projet...

La faculté de renouvellement de Bill Willingham est la clé de la qualité de Fables, et ce nouvel arc prouve qu'il n'est pas à court d'idées après plus de cent épisodes. Ayant également écrit des comics super-héroïques, on se demandait si (et quand) il mixerait le folklore de sa série avec les codes des récits de justiciers costumés. Super Team réunit donc ces deux courants, mais avec malice puisque le scénariste se joue de nos attentes.

En effet, sans dévoiler l'issue de l'histoire, on devine rapidement que cette équipe de super-Fables, vêtus et rebaptisés pour l'occasion, n'aura pas le dernier mot et que le duel contre Mr Dark (comme celui qui l'a précédé avec Frau Totenkinder/Bellflower dans Fables 15 : Rose Red) se décidera avec un autre challenger.

Entretemps, Willingham s'est (et nous a) amusé(s) en détournant les figures traditionnels des histoires de super-héros : il convoque des Fables emblématiques, ressemblant à des héros connus ailleurs (Bigby-Wolverine, the Green Witch-Scarlet Witch, the Golden Knight-Iron Man, Grinder-Hulk, Thumbelina-Wasp, Rapunzel-Medusa, Pinocchio-Pr Xavier), met en scène de façon drôlatique leur engagement, leur entraînement...

Gepetto complote aussi dans son coin, mais Willingham garde cette piste narrative au chaud pour plus tard...

Le scénario réussit de manière miraculeuse à entretenir toutes ses intrigues et subplots, à caractériser ses personnages sans les figer (la Belle commence à se douter que quelque chose cloche avec son bébé et doute que les Fables cessent de fuir un jour, la Bête ne peut plus se transformer, Mr North hésite en se sacrifier et sacrifier sa descendance - ce qui aura là encore des conséquences importantes...). Willingham réussit à éviter les conventions et s'engage dans des circuits très prometteurs.

Mark Buckingham a la possibilité de rendre hommage à son idole, Jack Kirby (qu'il remercie d'ailleurs), avec cette histoire. Ses planches sont énergiques et son découpage toujours fluide, utilisant le gaufrier en quatre ou six cases et le ponctuant avec des splash ou des doubles pages superbes. Les encrages de Steve Leialoha et Andrew Pepoy se relaient sans rupture de style, ce qui est toujours aussi agréable

- Waking Beauty (# 107). Dessiné par Terry Moore. Dans l'ancienne capitale de l'Adversaire, une armée a découvert la Belle au Bois Dormant et un nouveau prétendant empereur, Jubilee Mirant, s'emploie à la réveiller pour asseoir son autorité.

En dehors des Fables réfugiés à Haven et de Bufkin dans le bureau de la mairie de Fabletown, Bill Willingham n'oublie pas le sort des anciens royaumes de l'Adversaire, livrés à eux-mêmes. Dans ces territoires, de nouveaux aspirants régents apparaissent et découvrent ce qui a été abandonné sur place, après la guerre. Parmi les éléments ayant participé à la défaite de l'Adversaire et négligés par les Fables se trouve la Belle au Bois Dormant.

A priori, le scénariste semble proposer un récit déconnecté du reste, mais en vérité il prépare de nouveaux rebondissements. Il est évident que, comme avec Bufkin, la situation de la Belle au Bois Dormant va alimenter de prochaines intrigues et rattraper le destin des personnages principaux.

Pour l'occasion, la série acceuille un invité prestigieux puisque Terry Moore, créateur de Strangers In Paradise et de Echo, illustre cet épisode. Il a soigné son ouvrage et le résultat est magnifique, avec des décors incroyablement riches, un découpage merveilleusement conçu, et une galerie de personnages instantanèment mémorables. C'est à la fois très drôle et plein de suspense.

Aucun souci à se faire, la série continue de surprendre positivement et ona déjà hâte de lire le 17ème tome prévu pour Juillet !

Critiques 308 : REVUES VF FEVRIER 2012

2012-02-07T14:13:00.005+01:00

Avengers 2 :

- Thor 2 : Le germe cosmique (2). Tandis que Thor, dont la blessure (reçue en explorant les racines de l'arbre-monde) continue de le faire souffrir, et Sif entraînent des asgardiens à devenir la brigade de royaumes, Odin est questionné par Heimdall sur la nature de l'oeuf d'Yggdrasil. Cependant, le Surfeur d'Argent arrive dans les ruines d'Agard, réclamant ledît oeuf pour Galactus...

Les cachotteries d'Odin sont au coeur de cet épisode : le régent asgardien a donc menti (et n'hésite pas à manipuler Heimdall pour qu'il garde le silence sur ses manigances) pour récupérer le mystérieux oeuf d'Yggdrasil. Le lien avec Galactus, annoncé par l'arrivée du Silver Surfer, est donc établi et va fournir l'occasion d'une bataille entre Thor et le héraut du dévoreur de mondes. Tout cela s'annonce alléchant, mais Matt Fraction avance ses pions lentement et il faut prendre son mal en patience.

Il est manifeste que la décompression narrative du scénariste (se) repose beaucoup sur le talent d'Oliver Coipel qui enchaîne les doubles pages, au demeurant superbes, mais dont la puissance visuelle ne dissimule pas la progression frustrante de l'intrigue. Il faut espérer que cet arc ne se contente pas d'être un beau livre d'images mais délivre un récit à la (dé)mesure de son artiste.

- Thor 620.1 : Fruit défendu. Situé avant Fear Itself et donc avant la série Thor actuelle (critiquée ci-dessus), cet épisode fait partie de l'opération ".1", devant permettre à de nouveaux lecteurs de découvrir les titres Marvel. La Gargouille Grise s'invite à une fête donnée en l'honneur de Thor pour dérober la pomme d'Idunn, conférant l'immortalité à qui la mange...

Ecrit par le tandem Dan Abnett-Andy Lanning, ce chapitre originellement publié à la fin du précédent run de Matt Fraction sur Thor (en Mai 2011) ne mange pas de pain mais est loin d'être désagrèable. Le dieu du tonnerre n'y apparaît que secondairement et le combat contre la Gargouille Grise est un peu frustrant, mais c'est effectivement une bonne porte d'entrée pour de nouveaux fans.

Mark Brooks illustre ceci avec bonheur, imitant de façon concluante Coipel (le dynamisme en moins), ses planches sont soignées, riches en détail tout en étant pas surchargées.

Pour une fois que Panini offre un bouche-trou de qualité, on ne va pas bouder.

- Captain America 2 : Rêveurs américains (2). Après l'enlèvement de Jimmy "Jupiter"Jancovicz, Cap', Sharon Carter, Nick Fury et Dum Dum Dugan localisent et attaquent une nouvelle base de cette branche surarmée de l'Hydra qui les a agressés à Paris (lors de l'enterrement de Peggy Carter). La dimension parallèle des rêves de Jimmy Jupiter a permis à Bravo et ses acolytes de revenir de nos jours avec un équipement adéquat pour neutraliser les héros...

Ed Brubaker entraîne une histoire a priori classique, avec un adversaire revanchard issu du passé, dans une direction inattendue, adressant un clin d'oeil appuyé au Little Nemo de Winsor McCay avec le personnage de Jimmy Jupiter. Le contraste entre la tournure plutôt délirante de l'intrigue et la lassitude dépressive de Cap' donne à l'ensemble un ton original qui donne envie de lire la suite.

Steve McNiven (encré par Jay Leisten et Dexter Vines) rend une copie un peu moins percutante que sur l'épisode précédent, mais s'appuie sur un découpage classique aux vignettes très élaborées quand même. Le trait reste un peu raide et déroûtant par rapport à la charte graphique de la série, mais ça reste très beau.

- Les Jeunes Vengeurs 2 : La croisade des enfants (2). Wiccan et Speed entraînent toute leur bande en Transie, dans la région des monts de Wundagore, à la suite de Magneto qui est (peut-être) leur grand-père. Ils sont attendus par Vif-Argent en froid avec le maître du magnétisme et toujours à la recherche comme lui de la Sorcière Rouge. Mais celle que tout le monde prend pour une fugitive (depuis House of M) ne serait-elle pas plutôt prisonnière d'un certain latvérien ?...

Allan Heinberg ne serait pas si bavard (avec des dialogues dont la jeunesse sonne terriblement faux), son récit avancerait bien plus vite, à l'image de Vif-Argent. Son art du cliffhanger reste efficace (quoique répétitif - le coup de l'invité surprise à chaque fois risque de faire long feu), mais pour l'instant on perçoit mal comment cette saga va résoudre et même relancer les évènements de House of M.

Jim Cheung a mis deux mois pour produire ces 23 pages (une série déjà en retard au n°2, c'est quand même fort) sans qu'on s'explique pourquoi vu qu'on y retrouve les mêmes défauts (personnages se ressemblant tous, plans larges encombrés, découpage sommaire, décors inégaux). Tout confirme la surestimation de cet artiste.

Bilan : la revue reste d'excellente facture, même si toutes les séries au sommaire avancent lentement. Sans compter qu'il faudra composer le mois prochain avec un nouvel épisode bouche-trou (qui risque de ne pas être aussi bon que celui de ce n°...).

Marvel Heroes 13 :

- Les Vengeurs 15 : Fear Itself (3). Hulk est devenu un des Dignesau service du Serpent alors qu'il se trouvait au Brésil en compagnie de Red She-Hulk. Steve Rogers envoie Ms Marvel, le Protecteur, Oeil-de-faucon et Spider-Woman protéger les civils sur place. Pour cette dernière, c'est l'occasion d'enfin prouver qu'elle mérite sa place de Vengeur, même si ses camarades lui font déjà confiance...

Brian Bendis alterne à nouveau les témoignages "face caméra" de divers Vengeurs (dont Spider-Woman au centre de l'histoire du mois) et séquences d'action spectaculaires (quatre héros contre Hulk transformé en Digne). Cette astuce narrative s'avère toujours aussi efficace, permettant à la fois d'affiner le profil d'un personnage en lui donnant la parole mais aussi en considérant ce que ses acolytes pensent d'elle, tout en ménageant de l'espace pour une bagarre qui est, pour le coup, vraiment dantesque. Spider-Woman contre Hulk possédé par le Serpent : le match est déséquilibré mais palpitant !

Chris Bachalo (épaulé par pas moins de cinq encreurs !) livre des planches inégales, surtout parce qu'il en a assuré la colorisation (pas toujours heureuse, manquant de lisibilité). Lors qu'il aligne sur des pages une douzaine de gros plans (pour les témoignages), son art pour croquer des trognes expressives, dans un style caricatural mais plaisant, fait merveille. En revanche, quand il représente les combats, son découpage est parfois brouillon, noyé sous des masses noires mal réparties, et parfois percutant, quand il se concentre sur la dévastation que provoque l'affrontement. Il est dommage que cet artiste ne soit pas plus rigoureux et ne freine pas ses délires visuels, ses planches y gagneraient une force et une clareté fabuleuses...

- Loki (Journey into mystery) 624-625 : Voyage vers l'inconnu (3-4). Loki poursuit ses manoeuvres en coulisses tandis qu'Odin et les asgardiens se préparent à contrer le Serpent sur Terre. Accompagné du corbeau Ikol et du Loup de Hel, il part à la rencontre de deux personnages également habitués aux manigances mais que les plans du Serpent pourraient contrarier : Méphisto et Héla, tous deux maîtres des Enfers...

Kieron Gillen continue de développer le plus passionnant des tie-in à Fear Itself en suivant les pas du jeune Loki : le récit est avare en action spectaculaire, mais d'une rare richesse en matière de caractérisation, d'intrigues. Aux jeux de la guerre brutale qui se déploient dans la saga (et ses séries annexes), Journey into mystery préfère les jeux d'échecs où la manipulation, la ruse, les petits arrangements entre ennemis sont maîtres. Et c'est passionnant, avec une ambiance prenante, des rebondissements en cascade !

Doug Braithwaite et le coloriste Ulises Arreola produisent encore de magnifiques planches qui respectent tout en le sublimant ce théâtre étrange et mythologique, sans oublier d'être narrativement intelligent. En effet, malgré son esthétisme, peu d'excentricités dans le découpage qui rest lisible et sobre.

- L'Académie des Vengeurs 12 : La fin de l'innocence. Comme Iron Man dans "Marvel Icons", cette série est le point noir de la revue : je commence à la lire mais elle me tombe des mains. Elle est, qui plus est, mochement dessinée. Bref, je zappe.

Bilan : très positif - les Vengeurs forment un complèment malin à Fear Itself, et les deux épisodes de Loki sont un pur bonheur.

Marvel Icons 13 :

- Les Nouveaux Vengeurs (vol. 2) 14 : Fear Itself (1). Miraculée, Mockingbird veut à présent savoir dans quelles mesures le sérum qu'on lui a injectée pour la sauver l'a affectée. Elle (et le reste de l'équipe) va avoir l'occasion de le savoir rapidement puisque New York est attaqué par les force de Sin et du Serpent...

Brian Bendis a trouvé un angle original pour traiter des annexes de la saga Fear Itself (qu'il n'écrit pas) : dans Avengers comme New Avengers, il aborde le sujet en s'appuyant sur un ou plusieurs témoignages de héros indirectement liés aux évènements. Ici, la parole est donnée à Mockingbird, dont la guérison au terme de l'arc précédent (Infinité) est donc rapidement exploitée : à l'insouciance, voire la griserie, succède vite la gravité quand l'héroïne ("la bassiste des super-héros" comme elle se définit elle-même : un bon mot "bendisien" bien trouvé) assiste à la chute de la Tour des Vengeurs. C'est très bien vu, amené et admirablement dialogué.

Mike Deodato s'adapte étonnamment bien au script de Bendis, avec un découpage très quadrillé (dans les scènes de confession - 10 cases par page) et plus éclaté (dans l'action). Son style évoque un mix entre Gene Colan et Joe Kubert, efficace mais un peu différent de ce qu'il a pu faire par le passé (sur Thunderbolts ou Dark Avengers).

- Iron Man 506 : Fear Itself (3). Après la séquence parisienne qui laissait espérer un sursaut de la série vers plus d'action, de rythme et moins de bla-bla, Matt Fraction renoue avec ses mauvaises habitudes dans cet épisode annexe à Fear Itself laborieux (Tony Stark y sollicite l'aide des forgerons asgardiens qui l'accueille froidement, agrémentant leurs échanges d'insultes cryptées lourdingues).

Les dessins de Salvador Larroca sont presque supportables, mais enfin, restons calmes, c'est loin d'être beau et bon.

- La Fondation du Futur 2-3 : Le pacte de Fatalis - Que sont devenus tous les Red ? L'arrivée de Fatalis, voulue par Valeria Richards et son grand-père, Nathaniel, suscite l'incompréhension et la méfiance dans les rangs de la Fondation, qui se résout quand même à le soigner (le régent latvérien ne peut plus invoquer la magie et ses capacités intellectuelles ont été réduites). L'invitation d'autres anciens adversaires des FF à se joindre à l'aventure se poursuit tandis que les Red Richards des dimensions parallèles, ayant survécu à l'attaque des Célestes, élaborent un plan radical pour retrouver leurs mondes...

Jonathan Hickman dispose de manière (beaucoup plus) fluide (que dans Fantastic Four) ses pions en introduisant des éléments vraiment surprenants dans l'équation : lorsqu'il pose comme enjeu d'éliminer Red, on comprend ensuite que le héros que nous connaissons n'est pas directement visé et l'intrigue rebondit efficacement. C'est assez déroutant de voir le scénariste si décevant d'hier redistribuer si habilement les cartes mais sa Fondation du Futur est infiniment plus séduisante (au moins pour l'instant)...

La présence de Steve Epting au dessin n'est évidemment pas étrangère à la nouvelle attractivité du titre auquel il donne une superbe allure : voilà un artiste qui soigne vraiment ses effets, son découpage, ses personnages. Ses planches sont à la fois élégantes et dôtées d'une belle ambiance.

Bilan : un très bon mois - New Avengers retrouvent des couleurs, FF est prenant. La rechute d'Iron Man est vite oubliée.

Ultimate Spider-Man 12 :

- Ultimate Spider-Man 158-159-160 : La mort de Spider-Man (3-4-5). Blessé après avoir reçu une balle tirée par le Punisher et destinée à Captain America, alors que les Ultimates affrontaient les Vengeurs de Nick Fury, Spider-Man est mal en point mais doit regagner le domicile de sa tante May vers lequel il a vu Norman Osborn, Electro, Kraven, le Vautour, l'Homme-Sable se diriger. Sur place, les cinq criminels trouvent la Torche Humaine et Iceberg avant que le Tisseur n'arrive. C'est l'heure de vérité pour Peter Parker...

Vendu dans un sachet plastique noir, ce numéro conclut la série de Brian Bendis après 160 épisodes (... Avant son relaunch, en vf dès Mai prochain). Le titre de l'histoire ne fait guère mystère de son issue, mais la question était de savoir si le dénouement serait à la hauteur de l'annonce (et de run homérique).

Parlons peu, parlons bien : ces trois derniers chapitres ne se lisent pas comme un comic ordinaire, ils se dévorent. Bendis imprime un rythme échevelé à son récit, qui est en fait une longue bagarre d'une extraordinaire intensité. Rarement on a aussi bien senti les coups de boutoir frappant un héros, ce sentiment de lutte ultime, de baroud d'honneur. Ceux qui considèrent Bendis comme un auteur bavard, incapable d'écrire un comic-book d'action en seront pour leurs frais, tout comme ceux qui pensaient à une énième ruse commerciale promettant une mort spectaculaire amenée à être annulée dans quelques mois. Il n'y a aucun doute sur le sort de Peter Parker, d'autant plus que dans l'univers Ultimate, les morts ne se relèvent pas.

Décoiffant. Et poignant aussi. Et passionnant pour la suite car comment ne pas être impatient de découvrir la manière dont Bendis va rebondir ?

Mark Bagley a bouclé ses derniers épisodes avec une explosivité rageuse : frustré par son expérience chez DC, son retour chez Marvel, sur la série qui l'a consacré, était attendu au tournant, mais il ne déçoit pas. Bagley ne produit pas toujours un beau dessin, mais l'énergie qu'il lui transmet est indéniable et irrésistible. Il transforme cette longue bataille en un morceau de bravoure et Panini, en oubliant de reproduire les couvertures entre chaque volet, permet de la savourer sans interruption (bon, l'éditeur français aurait quand pu faire l'effort de placer les covers à la fin de la revue, cela dit).

Bilan : la fin d'une époque (la série va donc être relancée, après un n° hors-série qui sortira le mois prochain, mais sera en plus intégrée en vf dans un bimestriel avec deux autres titres Ultimate - je vais donc certainement poursuivre en vo et en tpb), mais quelle fin !

Spider-Man 145 :

- Fear Itself : Spider-Man 2. Aux prises avec Vermine, Spider-Man se démène comme il peut alors que la panique envahit New York, suite aux évènements de Fear Itself. Dans Yancy Street, la Fondation du Futur découvre un des marteaux magiques invoqué par le Serpent et qui va être récupéré par la Chose...

Ce tie-in à Fear Itself, sans être mauvais, est très anecdotique : écrit par Chris Yost et dessiné par Mike McKone, tout ça traîne en longueur et souligne bien à quel point les épisodes annexes d'une saga ne sont pas toujours un cadeau pour toutes les séries (a fortiori quand le héros est peu impliqué dans l'histoire).

- Spider-Man 655-656 : Personne ne mourra (1 et 2/2). A l'heure où se déroulent les obséques de la femme de J. Jonah Jameson (l'ex-rédacteur en chef du "Daily Bugle" et désormais maire de New York), Peter Parker, qui n'a pu éviter cette mort (dûe à Alistair Smythe alias l'Anti-Araignée), est tourmenté dans son sommeil par le souvenir de tous ceux qu'il n'a pu sauver.

Lorsqu'un ancien trader, devenu insensible et fou après le meurtre de sa compagne, opère des prises d'otages virant au massacre, Spidey a fort à faire avec lui (surtout qu'il a perdu son sens d'araignée), mais décide que désormais il empêchera quiconque de mourir...

Ces deux épisodes ont justifié l'achat de la revue (que je ne suis plus) car ils bénéficient des illustrations une nouvelle fois exceptionnelles de Marcos Martin. Plus long qu'à l'accoutumée (32 et 30 pages), ces chapitres permettent à l'artiste espagnol de livrer des planches tout simplement ahurissantes, dont le découpage à la fois fluide et éclaté est souligné par des planches aux compositions virtuoses (notamment une double-planche littéralement renversante ou une splash en forme de jeu de l'oie).

Comme galvanisé par ce partenaire, le scénariste Dan Slott se déchaîne entre onirisme et action pure. Spidey a toujours été un héros fondé sur la culpabilité et ce nouveau deuil souligne cet aspect en dirigeant le personnage dans une quête délirante. On peut rêver à l'exploitation qui sera fait de cette direction, mais si Slott a de l'énergie à revendre, pas sûr en revanche qu'il ait le génie (et la lattitude) pour faire de la série du Tisseur un projet si ambitieux.

Néanmoins, si vous voulez lire un script transcendé par un graphisme hors normes, alors ne passez pas à côté de ces épisodes !

- Spider-Man : A bras le corps. Pas grand'chose à sauver de ce bouche-trou, écrit par le vétéran Roger Stern, qui réactualise les origines de Dr Octopus, mais desservi par le dessin médiocre du français Phil Briones.

Bilan : les deux épisodes "king-size" dessinés par Marcos Martin justifient amplement l'achat et s'imposent même au-delà comme le top du top de ce mois.

Critique 307 : SETTING THE STANDARD - COMICS BY ALEX TOTH 1952-1954

2012-02-07T14:11:00.002+01:00

"Ne jamais juger un livre à sa couverture" : c'est en ayant ce principe bien en tête qu'il faut acquérir et lire ce volumineux ouvrage de plus de 400 pages qui rassemble l'intégralité de la production d'Alex Toth pour la maison d'éditon Standard Comics, de Février 1952 à Mars 1954.

Commençons par situer ces oeuvres dans la carrière de l'artiste : chez DC Comics, Alex Toth a appris les bases de son métier et fondé sa philosophie, inspirée par les éditeurs Shelly Mayer et Sol Harrison (ses fameux mantras :"tell the story" et "simplify !"). Cette éducation à la dure (ses mentors n'hésitaient pas à déchirer ses planches pour les lui faire redessiner) l'a dirigé sa vie durant, Toth sera logiquement son critique le plus intransigeant et un observateur exigeant pour ses confrères. Mais lorsque Julius Schwartz prend les commandes de la firme de Broadway, les relations entre l'artiste et l'éditeur se tendent. Toth s'engage donc avec Ned Pines, le patron de Standard Comics. Ce dernier a démarré ses activités en 1928, et en 1940, son succès en affaires lui permet d'être à la tête de trois collections (Better, Nedor et Standard). Puis en 1949, pour consolider ses entreprises, il les rassemble en une seule entité, Standard Comics.

L'arrivée de Toth en 1952 coïncide avec l'émergence de plusieurs titres en tous genres - polar, horreur, romance, science-fiction, récits de guerre - et Standard Comics devient après EC Comics une maison d'édition phare sur le marché. Le directeur artistique Mike Peppe (qui officie également comme encreur) a dans son équipe des noms tels que Mike Sekowsky, Frank Giacoia, George Tuska, Mike Celardo, Ross Andru, Mike Esposito, Sy Barry. Mais c'est Alex Toth qui va le plus frapper les esprits, à tel point que son style deviendra la charte graphique de Standard - non sans raison, en deux ans, il va illustrer plus de 60 histoires (et quelques couvertures), assurant occasionnellement les fonctions de dessinateur, encreur, et lettreur !

Toth collaborera souvent avec le scénariste Kim Aamodt, spécialiste des romances, à l'écriture à la fois simple et évocatrice, qu'il appréciait particulièrement pour sa subtilité. Mais la plupart des autres auteurs de scripts ne sont pas mentionnés.

Fin 1953, Ned Pines met fin à la ligne Standard. Quelques mois après, Toth rejoint l'armée : il a 26 ans. Il réalise encore trois comics pour Atlas Comics, puis signe, seul, le strip Jon Fury durant son service. Après quoi, il faudra attendre 1957 pour qu'il renoue avec la bande dessinée, chez Dell Comics. Puis il participe à l'adaptation du Zorro de Disney (rééditée, telle qu'il l'avait conçue, chez Image Comics en 2001), une de ses plus belles réussites. Dans les années 60, il s'investit dans l'animation, principalement comme designer et storyboarder (chez Hanna-Barbera). Son chant du cygne sera Bravo for adventures, où s'exprimera sa passion pour l'aviation et les récits d'aventures.

Le présent ouvrage débute par une longue interview que Toth accorda au Graphic Story Magazine, répondant avec une éloquence remarquable aux questions de Vincent Davis, Richard Kyle et Bill Spicer, en 1968. C'est un document passionnant et dense, presqu'un manifeste de la part de l'artiste qui parle avec intelligence de son travail, de ses contraintes, de ses possibilités. Toth n'est pas langue de bois : il aborde tous les aspects de son métier, parfois en étant cassant, mais d'abord dur avec lui-même, d'une lucidité implacable, d'une exigeance exemplaire. Son rigorisme n'a d'égal que son enthousiasme et devrait être pris pour modèle aussi bien par les auteurs/artistes actuels que par les fans de comics.

Puis Greg Sadowski propose donc de découvrir les publications restaurées, dans un généreux format (24 x 19 cm), de Toth chez Standard.

Tout commence par un mélodrame saisissant (My Stolen Kisses ; issu de Best Romance #5, Février 1952), suivi par l'amusant Black Market Mary (issu de Joe Yank #5, Mars 1952). Déjà, on est épaté par la variété du matériel et la maîtrise qu'affiche Toth.

Dans New Romances #10 et #11 (Mars 1952), l'artiste fait encore merveilles avec le touchant Be Mine Alone ou le métaphorique My Empty Promise.
Dans le drôlissime Bacon and Bullets (Joe Yank #6, Mai 1952), c'est un autre genre de romance (avec une truie nommée Clementine) que Toth s'amuse, avant d'enchaîner avec le superbe Appointment with Love (Today’s Romance #6) et le percutant Terror of the Tank Men (Battlefront #5, Juin 1952), abordant la guerre de Corée.

Shattered Dream! (My Real Love #5, Juin 1952) précéde l'excellent The Blood Money of Galloping Chad Burgess (The Unseen #5) et The Shoremouth Horror (Out of the Shadows #5), où Toth prouve qu'il est aussi irréprochable dans le registre horrifique.

Show Them How to Die (This is War #5, Juillet 52) renoue avec le brio de Toth dans les récits de guerre, tandis que Murder Mansion and The Phantom Hounds of Castle Eyne (issus de Adventures into Darkness #5, Août 52) démontre son génie de la mise en scène (l'artiste était un grand admirateur du maître du suspense, Alfred Hitchcock).

Plus anecdotique est Peg Powler (une page de The Unseen #6, Septembre 52). Mais par contre, les expérimentations à l'oeuvre sur Five State Police Alarm (Crime Files #5) souligne l'aisance avec laquelle Toth utilisait la technique du duo-tone. I Married in Haste (Intimate Love #19, Septembre) offre une remarquable vision des relations amoureuses, échappant à toute niaiserie.

La science-fiction est à l'honneur dans Fantastic Worlds #5 (Septembre 52) où furent publiés Triumph over Terror et The Invaders, deux grandes réussites, avant Routine Patrol et Too Many Cooks (issus de This is War #6, Octobre 52).

The Phantom Ship est un autre sommet (issu de Out of the Shadows #6 en Octobre), suivi du chef-d'oeuvre Alice in Terrorland (dans Lost Worlds #5).

Toth n'a signé que quatre couvertures pour Standard, et les deux premières pour Joe Yank #8 et Fantastic Worlds #6 précédent la fabuleuse nouvelle The Boy who Saved the World (Novembre 1952), avant un autre récit de guerre (The Egg-Beater, issu de Jet Fighters #5).

La couverture de Lost Worlds #6 (Décembre 52) prépare parfaitement aux deux autres réussites que sont Outlaws of Space après l'intermède en une page de Smart Talk (New Romance #14), qui clôt cette première année et annonce les productions de 1953 comme l'efficace Blinded by Love (Popular Romance #22, Janvier) sur le thème du triangle amoureux.

1953 permet à Toth de dessiner, encrer et lettrer un chef-d'oeuvre, The Crushed Gardenia (Who is Next? #5) : la qualité de l'histoire est réhaussée par un traitement graphique extraordinaire de finesse et d'inventivité. Undecided Heart (Intimate Love #21, Février 53) est une délicieuse comédie là où l'angoisse et la tension sont parfaitement traduites en images dans The House That Jackdaw Built et The Twisted Hands (issus de Adventures into Darkness #8).

La couverture de Joe Yank #10 est suivi par de splendides séquences d'aviation dans Seeley’s Saucer (Jet Fighters #7, Mars 53) et le subtil Free My Heart (Popular Romance #23, Avril). Mais encore meilleur est le terrible The Hands of Don José (Adventures into Darkness #9), d'un sadisme absolu, servi par un dessin redoutable de puissance.

No Retreat (This is War #9, Mai 53) s'inscrit dans la veine patriotique classique, mais I Want Him Back (Intimate Love #22) est plus intéressant, tout comme Geronimo Joe (Exciting War #8) qui prouve qu'il n'y a pas de place pour la rivalité entre soldats sur le terrain de guerre.

Toth atteint de nouveaux sommets avec Man of My Heart (New Romances #16, Juin 53), I Fooled My Heart (Popular Romance #24, Juillet, donc la somptueuse version originale en noir et blanc est reproduite dans la section des notes en fin d'ouvrage), Stars in my Eyes et Uncertain Heart (issus de New Romances #17, Août 53). Son vocabulaire visuel enrichit de manière conséquente n'importe quel script.

Durant cette période, Toth montre aussi qu'il a une préférence certaine pour des histoires romantiques, adultes et bien écrites, où il peut peaufiner les expressions, la gestuelle, les compositions, le découpage, tout en expérimentant (voir Heart Divided, issu de Thrilling Romances #22, et I Need You, issu de Popular Romances #25, Septembre 53).

The Corpse That Lived est un récit inspiré de faits authentiques (et terrifiants !), paru dans Out of the Shadows #10. Puis suivent des histoires sensibles, admirablement illustrées, comme Chance for Happiness (Thrilling Romances #23, Octobre 53), My Dream is You ! (New Romances #18), Grip on Life (The Unseen #12, Novembre 53), et Guilty Heart (Popular Romance #26).

Un autre page de Smart Talk conclut l'année 1953 tandis que Ring on Her Finger (Thrilling Romances #24) paraît en Janvier 1954. Frankly Speaking précéde ensuite le glaçant drame historique The Mask of Graffenwehr (Out of the Shadows #11).

Février 53 marque l'incursion de Toth dans le drame romantique sur fond médical avec Heartbreak Moon (Popular Romance #27), le retour au mystère fantastique avec The Hole of Hell (The Unseen #13), l'intermède en une page Long on Love (Popular Romance #27), la romance psychologique Lonesome for Kisses, et deux brefs récits mondains que sont If You’re New in Town et Those Drug Store Romeos (issus de Intimate Love #26).

Ces derniers épisodes sont publiés quelques mois après le départ de Toth qui les envoie depuis sa base militaire au Japon. De fait, le résultat est un peu plus brut, sans pourtant qu'il y ait une baisse notable de la qualité artistique.

En Mars 1954, un nouvelle page de Smart Talk (New Romances #20) précéde une série de morceaux de bravoure dans la veine de l'angoisse : dans Out of the Shadows #12, se trouvent The Man Who Was Always on Time (également reproduite en noir et blanc dans la section des notes) et l'envoûtant Images of Sand – derniers travaux qu'il signe avec Mike Peppe, crédité comme co-dessinateur.

Après ces 62 histoires, d'une diversité remarquable, aux dessins d'une fabuleuse régularité, 28 pages d'annotations, enrichies de réflexions d'Alex Toth (et parfois de Kim Aamodt), nous informent de manière passionnante sur les coulisses de leur réalisation, le contexte dans lequel elles ont été produites, l'ambition de l'artiste, ses règles esthétiques. C'est là encore un document inestimable sur un créateur pour qui chaque projet était un défi, un pari esthétique, une grille de questions à laquelle il lui fallait trouver des solutions sans jamais sacrifier l'efficacité, la lisibilité et la nature du propos.

C'est cela l'enseignement de Toth synthétisé par l'injonction de Shelly Mayer : raconter l'histoire, toujours privilégier l'histoire, et la narrer de la manière la plus simple car le plus simple est toujours le plus efficace, car le plus simple est le meilleur moyen que l'histoire touche tout le monde, soit comprise par tous les lecteurs, touche chacun.

Invariablement, Alex Toth ouvrait ses épisodes par une grande case surplombée par un texte résumant le noeud de l'intrigue. Cette première vignette - et la situation qu'elle présentait - était ensuite expliquée par un flashback où les protagonistes étaient introduits, leur relation nouée. Puis, enfin, une conclusion à la fois simple et logique, sur lequel planaît parfois une fatalité (dans les histoires fantastiques notamment), fournissait l'issue du récit.
Visuellement encore, Toth recourait volontiers aux silhouettes noires pour dramatiser les moments-clés et savait alterner des décors, aussi bien extérieurs qu'intérieurs, en les suggérant ou au contraire en les détaillant avec une minutie prodigieuse. La variété des physionomies de ses héros n'avait d'égale que son extraordinaire talent pour représenter n'importe quel endroit (qu'il s'agisse de domiciles bourgeois, de terrains de guerre, de sites exotiques, de lieux sinistres).

60 ans après, il est toujours aussi stupéfiant de lire ces nouvelles, au format variant entre une, trois jusqu'à douze pages maximum, avec des contraintes de découpage strictes (pas de splash-page ni de double-page ici), sans jamais que cela soit ennuyeux, répétitif... Au contraire, c'est comme si, galvanisé par ces limites, Toth s'employait à en déjouer les pièges et s'était fixé pour mission de respecter ce format tout en l'exploitant au maximum. Une sacrée claque pour tous les dessinateurs qui savent à peine ce que signifie le storytelling, le respect du script, et abusent de cadrages tarabiscotés ou de d'images simulant le cinémascope comme si le 9ème Art ne savait plus que singer le 7ème, comme des storyboards de luxe.

Alex Toth était un narrateur à part entière et un maître à la fois érudit et sobre, un sorte de missionnaire pour qui chaque trait était important et chaque page devait apprendre à rendre la prochaine meilleure. Son idéal était de produire des histoires au graphisme parfait, dans une quête perpétuelle - celle de "comment bien raconter une histoire, au-delà de toute autre considération”.

Cette collection exhaustive et exemplairement élaborée vient rappeler comment le talent, l'imagination et la conviction peut élever un genre d'histoires très codifiées en un authentique chef-d'oeuvre formel - la rencontre de l'art et du comic-book.

LUMIERE SUR... OLIVIER COIPEL

2012-02-01T18:56:00.004+01:00

Olivier Coipel.

7 pages de Thor #3

(scénario : J. Michael Straczynski)

Olivier Coipel est devenu le dessinateur français le plus connu dans le monde des comics de super-héros en un temps-record. Formé à l'animation à l'école de l'image des Gobelins, à Paris, où il termine ses études major de sa promotion, il est repéré par le studio Amblimation de Steven Spielberg. C'est ainsi qu'il participera au dessin animé Le Prince d'Egypte. Cette étape est importante pour apprécier et comprendre son style fondé sur le mouvement.

Il s'engage ensuite avec DC Comics et devient le dessinateur de La Légion des Super-Héros. Les fans sont divisés : il est vrai que son trait est encore brut, maladroit, mais déjà on devine une énergie qui ne demande qu'à être dirigée.

Au terme de son contrat, Coipel signe chez Marvel où tout va spectaculairement s'accélèrer. Il illustre deux arcs des Vengeurs (Red Zone, écrit par Geoff Johns, et Lionheart of Avalon, écrit par Chuck Austen), qui démontre que son dessin s'est incroyablement affiné tout en conservant son dynamisme. Il fait alors partie en 2004 des "Young Guns" promus par Marvel (avec Jim Cheung et David Finch).

Il collabore éphémèrement aux X-Men, le temps de deux épisodes écrits par Chris Claremont, mais son nom est associé aux Avengers et Marvel mise sur lui pour mettre en images la saga évènementielle House of M, développée par Brian Michael Bendis. C’est la consécration avec cet énorme succès commercial. Coipel prouve qu'il peut s'approprier n'importe quel personnage et les animer dans un récit ambitieux. Logiquement, il est à nouveau associé à Bendis pour le premier Annual des New Avengers.

Après ça, accaparé par de nombreuses conventions, il se fait plus rare. Mais son retour sera gagnant : en 2007, il collabore avec J. Michael Straczynski au relaunch de Thor, dont il redesigne le casting, les costumes et les décors. Il retrouve à cette occasion son encreur de New Avengers Annual #1, Mark Moralès, au contact duquel son trait s'est affirmé (digérant les influences de Marc Silvestri ou Travis Charest), avec des découpages à la fois subtils (se référant parfois à Chris Sprouse) et toniques (avec des décadrages soulignant l'explosivité des actions, comme en témoigne le combat entre le dieu du tonnerre et Iron Man ci-dessus). La colorisation de Laura Martin (son autre partenaire de prédilection) met en valeur son travail.

Son départ de la série coïncide avec celui de JMS, mais son impact sur Thor et son univers est tel qu'il refait équipe avec Bendis quand celui-ci conçoit la saga Siege. Sous pression, avec des deadlines serrées, Coipel cède parfois à la facilité (négligeant les arrière-plans par exemple), mais son efficacité visuelle en fait désormais l'homme des events Marvel.

Il accepte de renouer avec Thor, cette fois écrit par Matt Fraction, lors d'un nouveau relaunch (The Mighty Thor), pour six épisodes. Avant de participer (aux côtés de John Romita Jr, Andy Kubert et Frank Cho) au futur crossover Avengers vs X-Men...

Critique 306 : MESSIRE GUILLAUME, L'INTEGRALE - L'ESPRIT PERDU, de Gwen De Bonneval et Matthieu Bonhomme

2012-01-28T18:04:00.000+01:00

L'esprit Perdu rassemble en un seul volume l'intégralité de la série Messire Guillaume, initialement publiée en trois tomes. Le scénario est écrit par Gwen De Bonneval et les dessins sont signés Matthieu Bonhomme. L'ouvrage est édité par Dupuis.

Le jeune Guillaume vit avec sa soeur Helis depuis la mort, récente mais survenue dans d'étranges circonstances, de leur père. Sa mère se remarie avec un Seigneur peu aimable, Brifaut, qui oblige toute la famille à déménager. Hélis est convaincue que son père cherche à communiquer avec elle depuis l'au-delà, peut-être pour lui révèler comment il est mort, et décide de fuguer pour partir à sa recherche. Guillaume se lance, sans prévenir personne, à sa recherche. Il s'engage alors dans un long périple, croisant le chevalier Brabaçon, le troubador Courtepointe amoureux de la tante de Guilluame, la belle magicienne Ysane, et rencontrant, dans le monde médiéval et ailleurs, de multiples créatures et d’excentriques personnages.

Cette réédition/compilation est d'abord un beau livre : rebaptisé L'Esprit Perdu, l'Iintégrale de Messire Guillaume a fait l'objet d'un reformatage à l'italienne, avec des demi-planches en largeur, qui permet d'apprécier pleinement l'écriture de Gwen De Bonneval et le graphisme de Matthieu Bonhomme (en noir et blanc, débarrassé des couleurs quelconques de Walter).

Le casting de la série : (de gauche à droite) Brifaut, Brabaçon,

Hélys, Courtepointe, Guillaume, sa mère, et sa tante Anyse.

Le récit s'ouvre sur des planches muettes, dans un paysage sauvage saisi en pleine nuit puis à l'aube : on est tout de suite happé par cette introduction intriguante et visuellement superbe, qui possède une atmosphère mystérieuse. Gwen De Bonneval ne perd pas de temps pour nous entraîner dans son aventure en posant rapidement les enjeux de l'histoire : une soeur en fuite, une famille préparant son déménagement, une région menaçante, un beau-père inquiétant, un père décédé qui appelle ses enfants depuis l'autre monde, son plus jeune fils décidant de fuir à son tour et rencontrant très vite des embûches...

Alors que Guillaume progresse dans sa quête, il fait la connaissance d'un chevalier dans un village pillé et incendié, dont tous les habitants ont été tués. Ce n'est pourtant que le début d'une épopée qui va devenir de plus en plus étrange, glissant dans le fantastique, avec son lot de créatures étranges, de royaumes fantaisistes, de paysages hostiles.

Le scénario convoque des éléments mythologiques (comme le griffon), folkoriques (comme les territoires médiévaux, le troubadour, le chevalier) et fantasmagoriques (des humanoïdes sans tête mais avec le visage sur le torse, la cour d'un prêtre dont la vanité l'aveugle, des dauphins parlants, une version carcérale de l'enfer...).

En vérité, à mesure que l'on avance dans ce voyage, on comprend que le trajet est plus important que sa destination, que l'on assiste à un récit initiatique, où la résolution du mystère de la mort du père compte moins que la manière dont ce décés affecte ses enfants (Guillaume trouvant l'apaisement, contrairement à Hélys, Brabançon trouvant l'amour...).

Le livre est impressionnant par la représentation de son univers. Le périple est magnifié par le dessin splendide de Matthieu Bonhomme : son trait est à épuré, précis, expressif, contrasté (lumineux le plus souvent, mais aussi avec des jeux d'ombres nuancés), réhaussé par des coups de crayon, parfois estompés, qui donnent une texture, une matière magnifique à l'image.

L'imagination du dessinateur pour les paysages (la campagne entre l'automne et l'hiver, le désert, la mer, les châteaux), les créatures (aux physionomies très élaborées et variées), et la justesse de ses personnages humains, est mise valeur par un extraordinaire découpage, avec des effets de travellings d'une remarquable fluidité. Le résultat est si abouti que le reformatage à l'italienne semble révèler que l'histoire a été conçue pour lui.

On dévore les 290 pages de cet album en en percevant leur densité et leur rythme.

Un seul bémol peut être émis : bien qu'on s'attache sans difficulté aux protagonistes et à son héros en particulier, que l'enchaînement des péripéties ne faiblit jamais, sa quête suscite une attente dont on devine qu'elle ne sera pas tout à fait comblée. En effet, dans sa dernière partie, la vérité sur la mort du père et l'ultime hommage de ses enfants n'ont peut-être pas le relief escompté, ce dénouement n'a pas la magie des situations qui l'ont précédé, comme si De Bonneval avait voulu trop ostensiblement éviter le morceau de bravoure.

Mais cela ne suffit pas à gâcher le grand plaisir qu'on a eu à suivre cette aventure, à la fois sensible, épique et atypique, rédigée avec efficacité et illustrée avec maestria.

Critique 305 : CAPTAIN AMERICA 11 - PRISONER OF WAR, de Ed Brubaker, Mitch Breitweiser, Mike Deodato, Butch Guice, Chris Samnee et Ed McGuiness

2012-01-24T16:05:00.001+01:00

Captain America 11 : Prisoner Of War rassemble les épisodes 615.1 et 616 à 619 de la série, écrits par Ed Brubaker et dessinés par Mitch Breitweiser (# 615.1), Mike Deodato (# 616-1/2, 617-2/3), Butch Guice (# 617-1/3, 618-2/3, 619-2/3), Ed Mc Guiness (# 616-2/2) et Chris Samnee (# 617-3/3, 618-1/3 et 3/3, 619-1/3 et 3/3), publiés par Marvel Comics en 2011.

- # 615.1. Dessiné par Mitch Breitweiser. Dave Rickford reçoit un traitement, le costume et un bouclier pour incarner un nouveau Captain America, après que Bucky Barnes ait été renvoyé en Russie pour y purger sa peine de prison (il a été condamné pour meurtres et trahison par contumace). L'apparition de cet individu éveille aussitôt l'attention de Steve Rogers qui le tire d'un mauvais pas quand il est enlevé par des agents de l'A.I.M. . Sharon Carter découvre que Nick Fury est derrière cette mascarade avec pour objectif de précipiter le retour de Rogers comme Captain America.

- # 616 (1/2) : Gulag (1). Dessiné par Mike Deodato. Bucky Barnes purge sa peine de prison dans un goulag de Sibérie. L'endroit est peuplé de criminels avec lesquels l'ex-Soldat de l'Hiver a eu maille à partir dans le passé. Le directeur de l'établissement autorise même des combats entre prisonniers dans la cour et Bucky doit lutter pour y survivre.

- # 616 (2/2) : Must The Be a Captain America ? Dessiné par Ed Mc Guiness. Pendant ce temps, aux Etats-Unis, Steve Rogers s'interroge sur l'opportunité de revêtir les habits de Captain America, se souvenant qu'il l'est devenu accidentellement, mais songeant aussi que tout le monde le presse de reprendre ce rôle.

- # 617 (1/3) : Gulag (2). Dessiné par Butch Guice. Bucky est dans l'arêne et affronte Grande Ourse. Il n'a guère le temps de savourer sa victoire car déjà il découvre que son prochain adversaire sera un des anciens Titanium Men et que le gang des Pauki-Volki veut le recruter.

- # 617 (2/3) : Black Widow. Dessiné par Mike Deodato. La Veuve Noire et Sharon Carter enquêtent incognito en Russie sur les anciennes missions du Soldat de l'Hiver afin de savoir s'il a, comme l'affirment les autorités, agit de son propre chef dans certaines opérations.

- # 617 (3/3) : Super-Soldier. Dessiné par Chris Samnee. Steve Rogers a appris qu'Henry Gyrich du Département est le responsable de l'extradition de Bucky en Russie. Lorsque le fonctionnaire est la cible d'un attentat, il devient évident qu'un accord officieux a été passé avec les russes.

- # 618 (1/3) : Agent 13. Dessiné par Chris Samnee. Sharon Carter laisse la Veuve Noire aller libérer Bucky après qu'elles aient découvert qu'un certain colonel Rostov cherche à faire disparaître les documents le liant au Soldat de l'Hiver.

- # 618 (2/3) : Gulag (3). Dessiné par Butch Guice. Bucky vainc Bullski, l'ex-Titanium Man, sans se douter que le directeur est complice de l'ancien colonel Rostov pour essayer de le briser moralement. Lorsqu'un autre détenu (l'ex-Dynamo Pourpre) veut l'entraîner dans une évasion après avoir déclenché une émeute, Bucky refuse. Il a raison car c'est un piège, mais il s'y fait prendre quand même. A son réveil, il est aux mains de Rostov.

- # 618 (3/3) : Super-Soldier. Dessiné par Chris Samnee. Steve Rogers interroge Gyrich quand Nick Fury l'appelle sur une scène de crime. Les deux victimes sont le contact de Gyrich à l'ambassade de Russie et un ancien espion sous couverture aux Etats-Unis depuis 1978. Autant de nouveaux éléments accréditant la thèse d'une machination patiemment élaborée contre Bucky et l'Amérique.

- # 619 (1/3) : Black Widow. Dessiné par Chris Samnee. La Veuve Noire se rend en Sibérie avec le projet de libérer Bucky du goulag. Mais, surprise, à son arrivée sur place, l'endroit est en flammes !

- # 619 (2/3) : Gulag (4). Dessiné par Butch Guice. Bucky, torturé par Rostov, comprend que l'ancien colonel a placé aux Etats-Unis des agents dormants que le Soldat de l'Hiver a formé et qui attendent d'être activés. Puis, profitant d'un nouveau combat, contre la la Licorne, Bucky en profite pour s'évader. Il retrouve la Veuve Noire avec laquelle il peut quitter la Russie.

- # 619 (3/3) : Super-Soldier. Dessiné par Chris Samnee. Après avoir neutralisé les agents dormants soviétiques avec Nick Fury et appris que Bucky s'était évadé, Steve Rogers s'explique avec le président qui lui fait comprendre que Barnes ne pourra de toute façon plus redevenir Captain America...

Ces épisodes concluent, de manière officieuse, la série Captain America avant sa redistribution : deux titres vont lui succéder, avec d'un côté un relaunch (par Ed Brubaker et Steve McNiven) et de l'autre une suite (conservant la numérotation actuelle) intitulée Captain America and Bucky (par Ed Brubaker, Marc Andreyko et Chris Samnee).

Le programme de cet album est riche, comme en témoignent les résumés ci-dessus.

D'abord, Brubaker se penche sur la situation de Steve Rogers : à présent que Bucky ne peut plus incarner Captain America (à cause de son emprisonnement en Russie et de ses antécédents comme Soldat de l'Hiver rendus publics lors de son procés), tout le monde le pousse à reprendre le rôle. Nick Fury complote en coulisses, le gouvernement américain le presse de ressuciter le symbole. Le scénariste se montre très à l'aise dans cette partie psychologique.

Ensuite, nous assistons à l'incarcération de Bucky dans un goulag où il est cerné par d'anciennes victimes du Soldat de l'Hiver. Le directeur de l'endroit, complice de l'ex-"programmateur" du prisonnier, autorise des combats de gladiateurs, moins pour tuer Barnes que pour lui saper le moral. Le héros doit affronter des adversaires de plus en plus dangereux et composer avec des détenus qui lui offrent leur protection. L'action domine dans cette partie, menée sur un rythme tendu.

Enfin, nous suivons les investigations de Sharon Carter et la Veuve Noire en Russie, qui mettent progressivement à jour (avec Steve Rogers en Amérique) la machination contre Bucky et une entreprise terroriste aux Etats-Unis. Cette dernière section est passionnante, dans le registre des récits d'espionnage où excelle Brubaker.

Si les derniers arcs de la série, depuis que Bucky était devenu Captain America, étaient inégaux, alternant le bon et le moyen (parfois à l'intérieur d'une même histoire), cette plongée dans une Russie conspirationniste comme aux heures les plus sombres de la guerre froide, avec son héros constamment en danger et ses amis investigant sur les coulisses de l'affaire, est une grande réussite qui compte parmi les meilleurs moments du titre depuis le début de l'ére Brubaker.

Assez curieusement, l'auteur, qui a été si emprunté avec Secret Avengers, au casting trop fourni et aux intrigues peu inspirées, réussit, sans être aussi formel, à écrire un vrai team-book dans ces chapitres de Captain America, en convoquant Steve Rogers, Sharon Carter, la Veuve Noire, Nick Fury (et avant cela le Faucon). Que n'a-t-il pas employé cette équipe pour Secret Avengers ?

En tout cas, après avoir lu cela, et en enchaînant sur Fear Itself # 3, le sort de Bucky prend une toute autre envergure, et on comprend bien la façon dont Brubaker a laissé Matt Fraction utiliser ce personnage.

La partie graphique, malgré le défilé et la rotation des artistes pour une seule histoire, est fabuleuse. Il faut dire que le casting est de grande classe.

Mitch Breitweiser signe le prologue avec ce trait nerveux et élégant parfait pour ce titre. Ce dessinateur mériterait de travailler sur un arc entier.

Mike Deodato assure des planches pleine de puissance, où son art expressionniste est idéalement exploité.

Chris Samnee illustre des back-ups jubilatoires, aussi à l'aise quand il anime Steve Rogers que Sharon Carter et (surtout) la Veuve Noire.

Butch Guice, encré par Stefano Gaudiano, est lui aussi dans une très grande forme : sa représentation du goulag et des combats est d'une entensité extraordinaire.

Seule la présence d'Ed McGuiness fait un peu tâche, même s'il rend une coipe honnête.

A n'en pas douter, un des meilleurs recueils d'épisodes de la série pour son époque Brubaker.

LUMIERE SUR... DAVE GIBBONS

2012-01-22T18:42:00.003+01:00

Dave Gibbons.

Les personnages emblématiques

de la carrière de Gibbons

(Martha Washington - Liberty - , deux des Gardiens,

un des Originals, Superman, Green Lantern).

Les héros de Charlton Comics,

qui auraient dû être ceux de Watchmen.

Les Watchmen.

Dr Manhattan.

Nite Owl (Le Hibou).

Ozymandias.

Rorschach.

Laurie/ Silk Spectre II (Le Spectre Soyeux).

The Comedian (Le Comédien).

Les Minutemen (inspirateurs des Watchmen).

Le casting du film Watchmen.

Les T.H.U.N.D.E.R. Agents de Wallace Wood.

Le nom de Dave Gibbons est pour l'éternité attaché à la série qui révolutionna les comics de super-héros, Watchmen, écrite par Alan Moore. Même si l'Histoire a parfois négligé l'importance du dessinateur dans cette exceptionnelle réussite, il en est pourtant l'autre artisan : son trait précis, clair, ses découpages méticuleux, ses personnages bien campés, le détail épatant de ses décors et de ses designs, font également partie des éléments qui, depuis plus d'un quart de siècle, rendent Les Gardiens toujours aussi fascinants. Le scénario sophistiqué de Moore a été parfaitement servi par le graphisme sobre et soigné de Gibbons.

Mais cet artiste a vu aussi sa carrière transformé en destin parce qu'il a collaboré avec l'autre auteur le plus important de son époque, Frank Miller, pour la série Liberty : ensemble ils ont narré la vie entière de l'héroïne Martha Washington sur plus de vingt ans.

Ce n'est pas rien d'avoir sur son cv et Moore et Miller, mais Gibbons ne s'est pas arrêté là : il est lui-même devenu un scénariste prolifique (pour Superman, Green Lantern, entre autres), se mettant au service d'excellents dessinateurs (comme Steve Rude ou Patrick Gleason).

Auteur complet donc, il a réalisé un roman graphique inspiré par sa jeunesse et le mouvement des Mods : The Originals, récit violent et esthétique, vraiment singulier.

Au faîte de sa gloire, Gibbons recevra une lettre d'un fan qui lui propose de travailler ensemble. Le projet verra le jour en 2012 sous la forme d'une série intitulée The Secret Service. Qui était ce fan, à la fois pugnace et chanceux ? Mark Millar, le scénariste de Ultimates et Wanted, qui avait écrit à son idole à l'âge de 16 ans !

Une autre anecdote à ajouter à la légende de Dave Gibbons.

Critique 304 : RED HULK - PLANET RED HULK, de Jeff Parker, Gabriel Hardman, Carlo Pagulayan et Patrick Zircher

2012-01-22T17:31:00.003+01:00

Red Hulk : Planet Red Hulk rassemble les épisodes 30.1 et 31 à 36 de la série, écrits par Jeff Parker et dessinés par Gabriel Hardman (#30.1, 30-33), Carlo Pagulayan (#34-35) et Patrick Zircher (#36), publiés en 2011 par Marvel Comics.

Désormais aux ordres de Steve Rogers pour lequel il accepte des missions spéciales, le général Thaddeus "Thunderbolt" Ross alias le Hulk rouge (ou Rulk) est traqué par deux nouveaux ennemis. Le premier est son ancien bras droit, le général Reginald Fortean, qui tient Rulk pour responsable de la disparition de Ross et veut le venger. Pour semer ce poursuivant, le colosse ne peut compter que sur trois "Life Model Decoys", Annie, Gus et Chuck, qui l'accompagnent sur le terrain et tentent de déconnecter les bombes miniatures implantées dans son crâne, prêtes à exploser dès qu'il reprend forme humaine.

L'autre adversaire aux trousses de Rulk est Zero/One, alias le Dr Parul Kurinji, une scientifique qui travaillait pour Omnisapient (dont les labos ont été détruits par le colosse rouge dans l'épisode 25), et qui est devenue une créature technomorphe. Avec Jacob Feinman (un ancien collègue, grand brûlé), elle retrouve le serial killer, Black Fog, qu'elle envoie tuer Rulk.

Après ces aventures mouvementées (et dont l'issue reste à venir), Ross est envoyé en mission dans l'espace. Il atterrit sur une planète où deux tribus sont en guerre et qu'il va pacifier de façon musclée.

Enfin, de retour sur Terre, Rulk doit affronter le géant électrique Zzzax (que Ross avait manipulé pour tuer Bruce Banner/Hulk) et le nouveau M.O.D.O.K.

Depuis qu'il a repris le personnage créé par Jeph Loeb, Jeff Parker a redéfini le ton de sa série en conservant la prime à l'action tout en la mixant à une certaine mélancolie, fondée sur la situation même du héros. En effet, en devenant Rulk, le général Ross, qui a échoué à supprimer Bruce Banner et s'est résolu, après avoir été trahi par ceux qui l'ont transformé, à être un soldat de Steve Rogers, est devenu à son tour la cible de divers individus qui le jugent responsables de méfaits les ayant personnellement atteints. Bref, Ross vit à présent le même chemin de croix que Banner.

Après cinq premiers épisodes (on oubliera le sixième, dessiné par Ed McGuiness, qui retombait dans la farce navrante de l'époque Loeb) où il a envoyés le Hulk rouge en mission avec un chaperon (Iron Man, Thor, Namor, Rick Jones), Parker adjoint à son héros trois androïdes (les LMD Annie, Chuck et Gus) et lui inflige de nouveaux tourments, plus existentiels (les bombes dans sa tête l'obligeant à garder son apparence monstrueuse et le condamnant à être traqué par Fortean et Zero/One). Si ces nouveaux chapitres offrent encore leur lot de bagarres homériques (contre des géants de pierre, un tueur insaisissable, des aliens belliqueux, Zzzaxx et le nouveau MODOK), l'impossibilité de Rulk de se reposer (et même quand il le peut, il est assailli par des cauchemars) le mine moralement.

Cette direction narrative est très bien vue car elle donne une humanité au personnage, de la maturité au récit, et Parker réussit parfaitement à transcrire à la fois la tension, l'énergie des combats, et la lassitude qui gagne le militaire que reste Ross. La relation qui se noue et est développée par petites touches entre Annie et Rulk nuance également de manière trouble le scénario, le héros semblant vouloir protéger l'androïde comme il n'a pas pu le faire avec sa fille Betty.

Il y a donc plein de bonnes idées dans les manoeuvres de Parker, même si l'intermède Planet Red Hulk (en forme de clin d'oeil à la saga Planet Hulk de Greg Pak) est beaucoup moins réussie. En revanche, l'introduction d'Omegex (un chasseur cosmique, évoquant beaucoup le Destroyer de Thor) promet beaucoup pour la suite.

La partie graphique n'est pas en reste puisque quatre des sept épisodes du receuil sont dessinés par l'excellent Gabriel Hardman. Son style à la fois élégant et dynamique, au découpage magistral (qu'il s'agisse de scènes calmes, où l'émotion, le suspense comme l'humour sont très bien traduits visuellement, ou d'action, avec des compositions explosives) contribue énormèment au plaisir de lire les aventures de Rulk.

Carlo Pagulayan illustre le dyptique Planet Red Hulk, avec un certain souffle, même si l'encrage de Danny Miki reste toujours aussi pénible et surchargé.

Enfin, Patrick Zircher (qui deviendra l'artiste régulier du titre, avec Elena Casagrande, après le départ d'Hardman au #42) réalise une prestation très efficace et prometteuse.

Une nouvelle collection d'épisodes accrocheuse, qui confirme l'impression positive de la reprise de cette série par Jeff Parker.

LUMIERE SUR... STEVE RUDE

2012-01-21T19:16:00.001+01:00

Steve Rude.

Batman et Black Canary

Black Canary

Black Cat

Death

Emma Frost

The Escapist

Fantastic Four

Gwen Stacy et Spider-Man

Gwen Stacy

The Moth

Batman et Superman

Nexus

Steve Rude se fait connaître en 1981 quand, avec son partenaire, le scénariste Mike Baron, il crée la série Nexus, un comic-book cosmique dont le héros est un exécuteur. Malgré la noirceur apparente du personnage et de sa fonction, cette bande dessinée est pourtant davantage aux standards des années 50, avec une tonalité sf métaphorique (où est dénoncé le régime soviétique stalinien) et des auteurs comme Russ Manning (Magnus the robot fighter).

Le titre est auto-édité, puis publié par Dark Horse, et affiche quasiment une centaine d'épisodes (même si Rude ne les dessine pas tous). Les couvertures permettent également d'admirer le talent de peintre du "Dude", comme on le surnomme.

Le dessinateur collabore aussi avec Dave Gibbons comme scénariste sur World's Finest, série mettant en scène le duo Superman-Batman : là encore, le graphisme vintage et très élégant, porté par un art du découpage très maîtrisé, de Rude fait merveille.

Avec son encreur Gary Martin, qui signe les histoires, il invente un nouveau personnage : The Moth. Celui-ci connaîtra une carrière météorique, mais révèlera Alex Toth (époque Hanna-Barbera) comme une autre influence majeure de Rude. Pourtant c'est surtout Jack Kirby qui l'inspire : Rude imite son style à la perfection en réalisant de superbes "commissions" où il reprend les personnages du "King" (des New Gods aux Fantastic Four).

Artiste rare, d'autant plus qu'il s'est brouillé avec de nombreux éditeurs (sans parler d'une récente affaire où il en est venu aux mains avec un voisin : il a dû vendre certains de ses dessins pour payer sa caution et être libéré de prison !), Steve Rude a annoncé le retour en 2012 de Nexus et offert ses services à DC. Souhaitons que ce soit un come-back gagnant !

Le site de l'artiste : www.steverude.com

LUMIERE SUR... DAVID MAZZUCCHELLI (2)

2012-01-16T22:39:00.009+01:00

David Mazzucchelli.

Matt Seneca a publié dans la rubrique "Your wednesday sequence" sur le site http://www.comicbookresources/ un article sur le storytelling de David Mazzucchelli dans Batman : Year One (Batman #404-407, 1986-1987). Sans en être une traduction littérale, en voici mon adaptation, avec quelques notes personnelles :

Bien qu'il ait dessiné deux des plus mémorables comics de super-héros modernes (Daredevil : Born Again et Batman Year One), la caractéristique la plus notable de l'approche artistique de David Mazzucchelli est sa grande subtilité.
Sa décision de quitter le monde des super-héros pour la liberté des comics alternatifs a pu surprendre à l'époque, mais rétrospectivement, c'est parfaitement sensé car Mazzucchelli n'a en vérité jmais intéressé par la représentation des "morceaux de bravoure" abondant dans les comics d'action. Au contraire, il s'est toujours davantage illustré dans le dessin de scènes plus intimistes. Une fois qu'on a compris cela, on comprend pourquoi il a délaissé l'univers de héros costumés pour explorer des récits plus complexes.
Mais lors de sa collaboration avec Frank Miller pour Batman : Year One, Mazzucchelli avait mixé idéalement l'agitation et le calme, l'action et l'inertie : les comics super-héroïques ont été créés en somme pour produire des éléments kitsch, mélodramatiques, outranciers et colorés, mais dans cette mini-série, les deux auteurs ont su produire un sentiment de réalisme atypique."

Mazzucchelli a accompli cette prouesse en abordant de manière détourné les grands moments convenus du genre, en les présentant d'une façon différente que ce dont on a l'habitude. Jusqu'au dénouement de l'histoire, il privilégie des planches avec quatre bandes, au lieu des trois les plus fréquentes - et quand il n'en utilise que trois, il s'arrange pour scinder ses planches en quatre parts (deux bandes d'égale valeur dans la partie supérieure de la page, une bande équivalente à la surface de deux dans la partie inférieure - voir la page ci-dessus).
Cela ne paraît pas incroyablement important, pourtant c'est un changement fondamental pour le flux de lecture : Year One est illustré d'une manière plus sophistiquée qu'un simple "page-turner comic". Contrairement à la majorité des bandes dessinées de super-héros, conçue à la manière de Jack Kirby, où chaque information visuelle est appréciable immédiatement, les planches de Year One exigent une lecture plus vigilante, méticuleuse, à cause de l'interaction plus précise de l'image avec le texte."

Ce découpage en quatre bandes rompt le rythme naturel de la lecture d'un comic-book de super-héros comme nous le voyons encore ci-dessus. le moment-clé de cette page se situe dans la deuxième vignette, lorsque Batman porte un coup qui casse en deux une colonne. Tout de suite après, l'image dominante de la page, la plus grande des quatre qu'elle compte, est la troisième vignette, lorsque le plafond s'effondre sur le groupe de policiers et permet au héros de s'en éloigner.
Cette narration résume entièrement l'approche de Mazzucchelli dans ces épisodes : au lieu de faire le point sur l'action la plus cinétique (le coup de pied), il choisit d'en valoriser la conséquence (l'effondrement du plafond et la séparation des personnages).
Pourquoi ? Parce que le coup porté par Batman est une action rapide, mais ce qu'il provoque est plus important, donc Mazzucchelli lui accorde une case plus grande et donc plus marquante pour le lecteur. Cette fois (et encore par la suite), dans Year One, Mazzucchelli refuse l'emphase, s'en écarte, et déplace notre regard : plutôt que de souligner l'action du héros, il met l'accent sur ce qui lui succède, plutôt que de privilégier l'impact de l'action plutôt que l'action elle-même."

Mazzucchelli décide encore, avec ce dernier exemple ci-dessus, de favoriser la troisième bande de la planche qui devient le centre de notre attention immédiate. La conclusion de la page est illustrée de manière beaucoup plus sobre, avec deux vignettes plus petites qui font écho à celles de la deuxième bande. Un examen de cette planche révèle qu'elle est en fait construite comme un gag en quatre cases ponctué par une introduction (les deux premières cases de la première bande) et une image sur laquelle notre attention se focalise (la vignette de la bande 3 donc).

Ce découpage donne un rythme musical à la planche, un tempo régulier, avec un "break" au milieu : c'est du jazz appliqué à l'art séquentiel.

Aujourd'hui, les planches sont le plus souvent disposées de manière plus musclée, avec une succession de plans plus percutante, tandis que dans Year One, nous avons affaire à un travail plus subtil qui fait appel à une structure symétrique. Cette finesse rappelle à point que l'agencement des cases sur une page peut produire un effet plus fort quand les images sont disposées de manière élaborée que comme une suite de vignettes tape-à-l'oeil mais qui aboutit à une lecture plus hâchée. C'est tout l'art, ainsi résumé, d'un des meilleurs dessinateurs américains modernes.

Critique 303 : HUMAN TARGET 1 - CHANCE MEETINGS, de Peter Milligan, Edvin Biukovic et Javier Pulido

2012-01-13T17:30:00.003+01:00

Human Target 1 : Chance Meetings rassemble les 4 épisodes de la minisérie publiée en 1999 par DC Comics dans la collection Vertigo et le récit complet Final cut de 2002, écrits par Peter Milligan et respectivement dessinés par Edvin Biukovic et Javier Pulido.

Human Target 2 : Second Chances rassemble 6 histoires - To Be Frank ; The Unshredded Man ; Take Me Out to the Ball Game ; dessinées par Javier Pulido ; et For I Have Sinned ; Living in Amerika ; Five Days Grace ; dessinées par Cliff Chiang - , écrites par Peter Milligan et publiées en 2003-2004 par DC Comics dans la collection Vertigo.

- Human Target (#1-4). Dessiné par Edvin Biukovic. Christopher Chance est un caméléon qui loue ses services pour assurer la protection d'un particulier en prenant sa place, son identité et son apprence (grâce à des maquillages et prothèses). Il refuse pourtant au début l'offre que lui soumet un individu masqué, défiguré par un tueur à gâges. Par contre, Chance accepte de se glisser dans la peau du révérend Earl James dont le quartier est devenu le terrain de chasse des gangs et du trafic de drogues. La "cible humaine" est alors dans la ligne de mire de D-Noyz, le caïd local, et d'une tueuse, Emerald, qui semble tout savoir de lui. Et comme si ça ne suffisait pas, Chance doit composer avec la disparition de son adjoint, Tom McFadden, qui semble avoir perdu la raison à force d'endosser la vie des autres...

- Final Cut. Dessiné par Javier Pulido. À Hollywood, plusieurs personnes sont victimes d'un maître-chanteur qui les abat si elles ne lui paient pas un million de dollars. Chance vend son aide à l'une des victimes dont le fils a été kidnappé. Mais il tombe amoureux de la femme de son client, puis prouver qu'il n'a pas tuer le supposé maître-chanteur. Jusqu'à ce qu'il comprenne que toute l'affaire n'est qu'une énorme arnaque et que son partenaire, Bruno, l'a trahi...

- To Be Frank. Dessiné par Javier Pulido. Chris Chance a désormais le visage et la place de Frank White (le producteur rencontré dans Final Cut) dont il aime la femme. Mais lorsqu'un détraqué désapprouve la violence des films qu'il finance, la situation de l'usurpateur vacille...

- The Unshredded Man (#1-2). Dessiné par Javier Pulido. John Matthews a vu sa vie basculer le 11 Septembre 2001 avec les attentats du World Trade Center. Il se fait passer pour mort auprès de sa femme et son fils et devient Jack Martin car il a été complice des escroqueries de Ken Foley. Aujourd'hui, il espère se venger de son ancien patron et récupérer son existence en lui extorquant une rançon. Chris Chance lui accorde son aide...

- Take Me Out to the Ball Game (#1-2). Dessiné par Javier Pulido. Pourquoi Ruben Valdez, prometteur joueur de base-ball, s'est-il suicidé ? En acceptant de prendre la place de son co-équipier sur le retour, Larry McGee, Chris Chance découvre que les sportifs sont les cibles (mais pas forcèment innocentes) d'un chantage sur fond de dopage...

- For I Have Sinned. Dessiné par Cliff Chiang. Alors qu'il a pris la place de Carlo, l'oncle de son ancien secrétaire Bruno, Chris Chance assiste à une tentative d'assassinat contre le Père Mike. En enquêtant sur le tueur, il va découvrir une sale histoire de pédophilie impliquant le prêtre...

- Living in Amerika (#1-3). Dessiné par Cliff Chiang. Il y a trente ans, le groupuscule révolutionnaire, the Weathermen, disparaissait dans l'explosion accidentelle de leur Q.G. Aujourd'hui, les survivants sont victimes d'un tueur qui selon John Charles (anciennement Charles Rivers) ne peut être que James Malloy, recherché par l'agent du FBI, William Williamson. Quand Chris Chance arrive à Middle Rock où vit Charles, il ne se doute pas que ce dernier et l'agent fédéral le prennent pour Malloy...

- Five Days Grace. Dessiné par Cliff Chiang. James Grace s'évade de prison alors qu'il devait témoigner contre un gangster. Il demande à son ami Chris Chance d'attirer l'attention de la police pendant une semaine, durant laquelle il va visiter ses maîtresses. Mais des mercenaires traquent à leur tour le fugitif en ignorant qu'il s'agit de son double...

Peter Milligan s'est littéralement emparé du héros créé en 1972 par Len Wein et Carmine Infantino pour en faire sa créature et produire une série policière qui, peut-être mieux que n'importe quel autre titre de la collection Vertigo, symbolise le vertige et interroge les notions d'identité et d'héroïsme. Souligner en couverture que ce sont ses épisodes qui ont inspiré la piteuse adaptation télé de la Fox ne rend pas justice au travail du scénariste de X-Statix (avec Mike Allred) et Hellblazer tant la bande dessinée est bien supérieure.
Dans les deux histoires que contient ce volume (la seconde ayant déjà été critiqué ici : http://mysterycomics-rdb.blogspot.com/2009/08/critique-94-human-target-2-de-peter.html - à l'époque, je m'étais procuré la vf de Final Cut/La dernière bobine, sans avoir lu les 4 épisodes précédents), Milligan met d'entrée de jeu la barre très haut et nous entraîne dans des parties de cache-cache sophistiquées, au suspense relevé et aux développements aussi méandreux que palpitants.
Sa description d'un quartier gangréné par les gangs et la drogue, de la banlieue chic d'Hollywood avec une famille dégénérée, de New York un an après le 11-Septembre, des coulisses du base-ball, des turpitudes des hommes d'église, d'une cellule anarchiste décomposée, ou de la folle cavale d'un irrésistible voyou, est saisissante : les personnages qu'on y croise sont d'une grande force, l'atmosphère est à la fois violente et vénéneuse, et tout y est masques, secrets, tactiques - à tel point qu'on s'y perd mais avec délice.
A la réflexion qu'impose la lecture répond les réflexions de Christopher Chance comme dans de subtils et brutaux jeux de miroirs : Human Target ressemble parfois à une version de Monsieur Ripley de Patricia Highsmith revisité par David Lynch et Michael Mann.

Christopher Chance est un personnage fascinant qui peut non seulement, comme Frégoli, ressembler physiquement à son client, mais qui comme un acteur adepte de la Méthode de Stanislavski se fond dans le rôle qu'il interpréte en devinant de façon quasi-surnaturelle la psychologie de celui qu'il remplace. Cette immersion a cependant un coût terrible, qui le ronge progressivement, sournoisement (quand il ne s'y abandonne pas avec un plaisir trouble) : il lui arrive alors de ne plus savoir qui il est, de croire qu'il est réellement celui qu'il joue, et ainsi découvre-t-il la clé de l'énigme en atteignant les secrets les plus crapoteux de son double.
Ce mariage d'action percutante et de cérébralité dérangeante (et dérangée) confère à cette production un cachet unique, redoutable, admirablement dosé et ponctué de dialogues bien senties.

Ces histoires valent également pour leur qualité graphique.
Prématurèment décédé à 37 ans, Edvin Biukovic aura eu le temps de marquer ce comic-book de son empreinte avec un style très élaboré : découpage savant, personnages expressifs à la gestuelle bien pensée et aux physionomies étudiés, son trait est réaliste, avec des lignes souples et des à-plats noirs magnifiquement placés, adoucissant les formes.

Javier Pulido s'exprime dans un registre différent, plus dépouillé, dans la veine de l'école "mazzuchellienne", flirtant avec l'abstraction : son stylet s'appuie sur une économie de traits, un découpage simple et agencé comme les génériques de Saül Bass.

Cliff Chiang produit des planches à la fois dynamiques et d'une folle élégance, avec ce trait magnifiquement dépouillé et évocateur qui ont fait merveille partout où il l'a exercé (Green Arrow and Black Canary ; Greendale) : ses personnages sont à la fois expressifs et plein d'allure, ses décors suggestifs sans esbrouffe.

Dans tous les cas, ces artistes ont compris qu'il fallit soigner les détails, la scénographie et l'aspect des protagonistes, toutes choses essentielles pour des histoires reposant sur les faux-semblants, les apparences.

Ce volume constitue une excellente surprise où l'intelligence du lecteur est mise à contribution sans oublier de le divertir ni de la gâter visuellement.
Dommage que DC n'ait jamais compilé la dizaine d'épisodes restants de ce run irréprochable...

Critique 302 : AMERICUS, de MK Reed et Jonathan Hill

2012-01-08T17:16:00.001+01:00

Americus est un roman graphique écrit par MK Reed et dessiné par Jonathan Hill, publié par First Second en 2011.

Neil Barton est un adolescent qui s'apprête à entrer au lycée. Il partage avec son meilleur ami, Danny Burns, une passion pour la série de romans fantastiques, Les Chroniques d'Apathea Ravenchilde. Mais la sitaution prend une tournure délirante lorsque la mère de Danny, une bigote ultra-conservatrice, découvre les lectures de son fils et se met en tête d'en interdire la présence à la bibliothèque municipale d'Americus. Danny est envoyé dans une école militaire pour être "rééduqué" tandis que Neil, tout en découvrant la vie au lycée, va devoir se battre pour que les aventures de son héroïne favorite restent disponibles...

Le résumé ci-dessus donnera l'impression que ce roman graphique propose une histoire simple, mais en vérité ce récit complet en neuf chapitres est un peu plus complexe qu'il n'en a l'air.
D'un côté, nous suivons Neil, un adolescent de 16 ans qui entre au lycée et tente de savoir qui il est et ce qu'il veut devenir. Il ne voit pas seulement son meilleur ami, Danny, partir dans une école militaire, mais il commence à apprendre à avoir des relations avec les filles, à être indépendant, et à cibler ses goûts musicaux.

De l'autre, nous assistons à la bataille de Neil, de la bibliothécaire et quelques autres pour éviter que les romans avec Apathea Ravenchilde ne soient pas bannis par les activistes chrétiens d'Americus.

MK Reed se sert de ce second aspect pour décrire les membres d'une communauté attachée à la liberté d'accès à la culture contre des intégristes religieux et évoquer, à travers elle, ce qu'une série romanesque signifie pour ses lecteurs.

L'auteur réussit à conjuguer ces deux pistes narratives pour livrer une histoire solide, à la fois dense et racontée de manière vivante.

MK Reed, dont c'est le premier scénario pour un éditeur indépendant, a un vrai don pour caractériser ses personnages, les rendre authentiques. La passion de Neil pour la lecture et son engagement pour sauver les romans qu'il aime, luttant pour cela contre sa timidité, toucheront n'importe quel amateur ayant trouvé dans les livres un moyen de mieux supporter sa vie et d'affirmer ses idées, ses convictions.

La description des activistes chrétiens fait froid dans le dos car elle renvoie à une réalité américaine qui trouve un écho politique avec le mouvement ultra-conservateur et puritain du "Tea Party". C'est actuellement devenu un puissant lobby qui influe sur le parti républicain, engageant les orientations d'une partie de l'Amérique du Nord.

Reed excelle dans la relation du combat que se livrent les défenseurs de la bibliothèque : ils doivent s'unir et collaborer avec la communauté pour expliquer la valeur des ouvrages, justifier le libre accès à toute forme de littérature - cela contre des individus qui, le plus souvent, n'ont jamais lu les livres qu'ils condamnent. La bataille de Neil et ses partisans fait évidemment écho à celle que mène Apathea dans ses aventures.

La référence à Harry Potter est sybilline et il est évident que les auteurs se sont inspirés du héros de J.K. Rowling pour créer leur propre sorcière.

Le graphisme de Jonathan Hill, qui n'appartient pas au registre réaliste, convient bien à l'histoire et rappelle le style de Bryan Lee O'Malley dans la série Scott Pilgrim.

Le trait est simple mais s'attache à rendre facilement indentifiable chaque protagoniste, soulignant leur expressivité. Il n'est jamais aisé de bien représenter les adolescents et Hill y parvient fort bien, sans sombrer dans la caricature.

Le découpage est lui-même très sobre, avec trois bandes et cinq à six cases par page, ce qui rend la lecture facile et fluide.

Même si le héros de cette histoire est un ado américain et que le récit est ancré dans un contexte bien précis, cette bande dessinée porte un message universel, capable de parler à n'importe qui : il s'agit du rapport que chacun entretient avec les livres et la lecture comme un accès à la culture, un moyen de s'évader, et de s'ouvrir au monde (réel et imaginaire). C'est également un bel hommage à ces sanctuaires si précieux que sont les bibliothèques et à l'attachement qu'il faut garder pour la matérialisation des objets culturels à une époque où la numérisation et l'obscurantisme les mettent en péril.

LUMIERE SUR... ALEX TOTH (3)

2012-01-04T14:16:00.006+01:00

Alex Toth.

The Stuff That Dreams Are Made Of

Cette courte histoire fantastique réunit le scénariste de New Teen Titans et Crisis On Infinite Earths, Marv Wolfman, et Alex Toth (qui, je crois, a assuré lui-même la colorisation en plus du dessin, de l'encrage et du lettrage).

Detective Comics 442 : Death Flies The Haunted Sky.

La dernière bande d'Alex Toth avec Batman ! Le scénario est écrit par Archie Goodwin pour lequel Toth illustra des récits de guerre (pour la collection Blazing Combat).

Né en 1928 (la même année que Frank Frazetta), Alex Toth débute sa carrière dans les comics à l'âge de 16 ans (!) avec une illustration pour une histoire de western et trois pages d'un récit de guerre dans "Heroic Comics" #32, de Septembre 1945. En 1947, après quelques autres petites commandes, il signe chez DC Comics où il dessine des couvertures et des épisodes mettant en scène des personnages comme Dr Mid-Nite, Flash ou Green Lantern. Pourtant, l'année suivante, il abandonnera définitivement le genre super-héroïque.

Sur les conseils de l'éditeur Shelly Mayer, Toth va apprendre les fondamentaux de son art, comme il le confia en 1969 à "Graphic Story Magazine" : celui-ci n'hésite pas à lui faire redessiner ses pages qu'il juge trop esthétisantes. "Arrête d'essayer d'être un autre Michel-Ange. Raconte juste l'histoire !" : ce conseil influencera pour toujours le dessinateur qui veillera à distinguer ce que l'oeil du lecteur veut lire en premier et ce que l'auteur veut que le lecteur voit en premier.

Quand Mayer quitte son poste et est remplacé par Sol Harrison, Toth apprend son autre mantra, tout aussi décisif : "simplifie, simplifie, simplifie." Shelly voulait qu'il apprenne à raconter une histoire, Harrsion insistera sur ce dont son dessin doit se débarrasser pour gagner en lisibilité et en efficacité.

Après avoir abondonné les supoer-héros, Toth se diversifie en abordant le western, le fantastique, la romance dans divers titres au fil des années suivantes (Streak the Wonder Dog ; Johnny Thunder ; Sierra Smith ; Rex the Wonder Dog...). Il apprend ainsi à tout dessiner, s'exerçant et s'améliorant donc sans cesse.

En quatre ans, Toth passe du statut de débutant prometteur à révèlation. Son style s'affirme rapidement en synthétisant les codes de chaque genre abordé, digérant les influences pour aboutir à un produit personnel, épurant sans relâche son trait comme le lui avait conseillé Harrison.

En 1950, on lui confie le strip d'aventures Casey Ruggles. Il déménage à san José, en Californie, où il voisine avec l'artiste Warren Tufts et épouse sa première femme. En 1952, Toth quitte DC et devient free-lance. Il produit massivement jusqu'en 1954 pour Standard comme cover-artist et pour des intérieurs dans tous les genres d'histoires (guerre, romance, science-fiction, polar) : cette période est considérée par les experts comme une de ses meilleures. Comme si ça ne suffisait pas, il accepte aussi des commandes pour d'autres éditeurs comme EC, Lev Gleason, St. John et d'autres : sa productivité et la qualité de son travail laissent pantois. Au sein de l'écurie Standard, son style devient la signature de la maison et des artistes comme Nick Cardy, Mike Sekowsky, Ross Andru, John Celardo doivent dessiner à la manière de Toth !

Toth est appelé sous les drapeaux en 1954 et stationne au Japon, où il crée un strip (qui sera plusieurs fois récompensé), Jon Fury. L'écriture semaine après semaine se révèle être un plaisir inattendu pour lui, tout comme le fait de dessiner pour un petit format. La raison est simple pour expliquer cette satisfaction : pour la première fois, il a le contrôle complet sur ce qu'il produit.

Son service dans l'armée terminée, Toth retourne à Hollywood en 1956. Il s'engage avec le label Dell qui abrite Western Publishing et livre des histoires courtes où il démontre son habileté à raconter une histoire en peu de temps et avec un dessin d'une qualité toujours régulière : il est aussi à l'aise dans la sf (The Land Unknown) que les productions familiales Disney (Clint and Mac ; The Lennon Sisters ; The Real McCoys...). Au total, il illustre une trentaine d'épisodes pour l'anthologie Four Color Series chez Dell.

Mais le meilleur de ses efforts reste incontestablement les aventures de Zorro qu'il signe entre 1957 et 1959. Adaptés de la série télé produite par Disney, Toth y accomplit un travail de réécriture bénéfique, éliminant les cartons descriptifs et les dialogues surabondants des scripts qu'on lui donne. L'éditeur du titre lui demandera ce qu'il peut connaître de l'écriture puisqu'il n'est "qu'un" artiste. Malgré cette collaboration houleuse, son Zorro demeure une spectaculaire réussite.

Cherchant à se diversifier, Toth accepte un nouveau contrat en 1960 des studios Cambria Spour devenir le directeur artistique du département animation. C'est ainsi qu'il va designer le dessin animé Space Angel en compagnie de Warren Tufts et Doug Wildey. Mais en 1962, il claque la porte pour "différents artistiques et revient aux comics.

Chez DC, il s'illustre dans des histoires fantastiques et avec des personnages comme Eclipso et Rip Hunter. Puis il passe fugacement chez Marvel (où il dessine un épisode de la première génération des X-Men, finalisant des esquisses de Jack Kirby avant d'être encré par Vince Coletta!).

En 1964, il revient à l'animation mais se garde de la place pour la bande dessinée, en collaborant avec des éditeurs sur la côte Ouest et Est. Toth illustre une dizaine d'histoires pour Warren Publishing, dans les titres Creepy, Blazing Combat, et Eerie. Il collabore alors avec le scénariste-éditeur Archie Goodwin, qu'il respecte et qui lui permet d'expérimenter en choisissant ses histoires. Sur la côte Ouest, il travaille pour les magazines de Pete Millar dans lesquelles, pour la première fois depuis Jon Fury, Toth écrit ses propres récits et les dessine tels qu'il en a envie.

En 1964, il rejoint Doug Wildey pour oeuvrer sur le dessin animé Jonny Quest produit par les studios Hanna-Barbera. Son expérience du "character design" à l'époque de Space Ghost lui est bien utile et il va se consacrer à cette activité durant les quatre années suivantes. En 1996, Darrell McNeil et Toth publieront un ouvrage intitulé Alex Toth : By Design rassemblant plus de 350 de ces études graphiques, mais hélas ! le livre doit être retiré de la vente car les images de plusieurs personnages (comme Superman, Wonder Woman, Sea Labs, Hot Wheels, Thunderbolts, The Herculoids, Lost in Space, The Fantastic Four, etc.) ont été reproduits sans l'autorisation des ayant-droits. De nouveaux "différends créatifs" vont mettre un terme au partenariat de Toth avec Hanna-Barbera. A la même époque, il se re-marie, avec Guyla.

De 1969 à 1973, Toth dessine à nouveau des comics, en particulier pour DC : il renoue avec les romances, les récits de guerre et de science-fiction (The Witching Hour, Weird War Tales, etc). Durant cette période, il signe au moins un nouveau chef-d'oeuvre avec les cinq épisodes de Hot Wheels, dont il écrit le n°5 justement (The Case of the Curious Classic). C'est alors qu'il entreprend de créer un nouveau personnage qu'il pourra animer en toute liberté : ce sera Jesse Bravo, le héros de Bravo for adventures, inspiré par Errol Flynn et sa passion pour l'aviation, dans le style des histoires qu'il lisait dans les années 30. Curieusement, cette série ne sera publié qu'au milieu des années 80 dans un magazine de Warren Publishing, The Rook, soit 25 ans après la création de Jon Fury.

Toujours pour Warren Publishing, il produit d'excellentes planches en noir et blanc, qu'il écrit aussi. Il fait aussi des piges chez Marvel et Red Circle (une des collections d'Archie Comics). De 1974 à 1984, Toth continue à expérimenter mais son travail devient plus sporadique. En 1985, Guyla meurt d'un cancer. Toth coupe progressivement les ponts avec l'industrie (après s'être déjà brouillé avec nombre d'éditeurs), un des derniers à lui confier du travail sera Mark Chiarello, éditeur et fan : ce sera pour une couverture de Batman Black and White (#4) en 1996.

Le monstre sacré est au crépuscule de savie et de sa longue carrière, le temps des hommages et de la reconnaissance via des ouvrages ou la création d'un site web (http://www.tothfans.com/.). Il meurt à sa table de dessin le 27 Mai 2006, célèbré par Wizard Magazine comme l'un des dix artistes de comics les plus importants de tous les temps.

Biographie extraite du site www.bpip.com.

Merci à www.superpouvoir.com (et à la rubrique "La galerie de tonton Alex", animé par un grand fan de Toth, Frank Biancarelli) pour m'avoir fait découvrir ces planches et de nombreux documents.

LUMIERE SUR... ALEX TOTH (2)

2012-01-03T18:57:00.000+01:00

Alex Toth.

Autoportrait.

The Shadow

Sandman (version Golden Age)

The Fox (personnage d'Archie Comics qui

synthétise les visions de The Shadow et de Sandman par Toth).

Couverture pour The Savage Sword of Conan.

Dr Jungle

Dr Jekyll & Mr Hyde

La Justice Society of America des origines.

Merlin

The Sorcerer's Apprentice.

Edna (commission art).

Couverture pour la revue Diva.

Quelques aperçus du talent d'Alex Toth, depuis les années 50 jusqu'aux années 90.

Critiques 301 : REVUES JANVIER 2012

2012-01-01T21:46:00.005+01:00

Avengers 1 :

- Thor 1 : Le germe cosmique (1). L'Arbre-Monde d'Asgard, Yggdrasil, a souffert de la chute de la cité des dieux nordiques et Odin envoie Thor et Sif explorer ses racines pour en ramener la graine capable de le soigner. Mais durant la mission, Thor est blessé...

Cependant, le Silver Surfer s'emploie à trouver de nouveaux mondes morts pour apaiser l'appétit de Galactus...

Matt Fraction relance la série Thor (rebaptisée pour l'occasion The Mighty Thor) et fait équipe avec Olivier Coipel, de retour sur le personnage qu'il a si brillamment servi durant le run de J. Michael Straczynski (en 2007).

Néanmoins, comme aux Etats-Unis, la publication démarre en France en plein milieu de la saga Fear Itself, puisant abondamment dans le folklore asgardien, alors même que l'histoire se déroule avant l'event !

Comme tout épisode introductif, qui plus est raconté par un auteur adepte de la narration décompressée, ce premier épisode est à la fois prometteur (les retrouvailles entre le Silver Surfer, Galactus, d'un côté, et Thor, de l'autre, sont évidentes) et frustrant (la situation est tout juste exposée). Fraction, fidèle à lui-même, avance lentement ses pions, mais soyons indulgents et attendons de voir comment cela va évoluer.

Coipel livre une copie honnête, mais sans plus. Se réserve-t-il lui aussi pour la suite ? Quoiqu'il en soit, le script ne lui donne pas non plus de quoi exprimer son formidable talent, avec une longue séquence dans les profondeurs de l'Arbre-Monde, sans décors. Thor, Sif et Loki sont camouflés dans des armures, ce qui ne permet pas non plus de jouer sur les expressions ou la gestuelle.

En revanche, lorsqu'il croque les habitants de Broxton, et notamment le prêtre qui réveille leurs craintes religieuses avec le voisinage d'Asgard, son art pour donner des trognes à ces petites gens reste savoureux.

- Captain America 1 : A l'origine + Rêveurs américains (1). Steve Rogers se rend en compagnie de Nick Fury, Dum Dum Dugan et Sharon Carter à l'enterrement de la tante de cette dernière. Mais la cérémonie est troublée par l'agression d'un ancien partenaire de Captain America durant la 2ème guerre mondiale...

Là encore, la série est relancée et renumérotée - mais cette fois, l'action se situe chronologiquement après Fear Itself (ce qui suffit amplement à indiquer ce qui va arriver à Bucky Barnes durant la saga) !

Ed Brubaker reste aux manettes et continue à écrire le titre dans la veine de ce qu'il fait depuis le début de son run, en explorant le passé de son héros. L'air est connu, rebattu même, mais il est si bien joué que cela reste agrèable. Qui plus est, cet arc démarre sur les chapeaux de roue, avec une intrigue accrocheuse et de l'action, donc difficile de se plaindre.

Steve McNiven, qui n'avait plus réalisé de planches pour Marvel depuis Wolverine : Old Man Logan, dessine pour la première fois Cap et, après un prologue d'une page signée Travis Charest (toujours aussi rare, mais toujours aussi beau), produit des intérieurs de toute beauté (en particulier quand il représente Sharon Carter).

Comme Coipel sur Thor (et Cheung sur Les Jeunes Vengeurs), l'encrage est assuré par Mark Moralés et les couleurs par Justin Ponsor, ce qui donne une agrèable cohérence esthétique à la revue.

- Les Jeunes Vengeurs 1 : Le retour + La croisade des enfants (1). Après être intervenus contre des terroristes, l'équipe doit faire bloc autour de Wiccan, son magicien, qui a utilisé ses pouvoirs d'une façon similaire à celui de la Sorcière Rouge. Or depuis les évènements d'House of M, Wanda Maximoff est introuvable et les Vengeurs sont sur les dents...

La nouvelle série des Jeunes Vengeurs est devenue un vrai serpent de mer depuis son démarrage : en effet, ce premier épisode date d'Octobre 2010 ! Sans compter que cette histoire, Children's Crusade, comptera 9 chapitres et le #8 sortira seulement ce mois-ci aux Etats-Unis !

Allan Heinberg embarque donc ses héros dans une intrigue articulée autour de Wiccan et Speed, qui sont peut-être les enfants de la Sorcière Rouge : l'épisode est dense, pose pas mal de questions (et promet des réponses), avec un invité de taille à la fin. Tout ça est très prometteur, même si, finalement, personne ne sait à quoi ça va aboutir.

Jim Cheung est lui aussi fidèle au poste : ses pages sont très belles, mais son trait (parfois comparé à celui de Coipel) est toujours aussi raide et ses personnages aussi mono-expressifs (sans parler du fait qu'ils se ressemblent tous, quels que soient leur âge ou leur sexe !). Ce n'est pas mauvais, mais c'est plus beau que dynamique.

Le retour est un sympathique prologue, écrit par Jim McCann et joliment dessiné par Chris Samnee. Le comble est que ces 12 pages sont plus animées que l'épisode de Heinberg et Cheung !

- La Chose : Tout va changer bientôt (au lit). Ce bouche-trou de neuf pages, écrit par Roberto Aguirre-Sacasa et illustré par Sara Pichelli (en petite forme), revient sur l'intégration de Ben Grimm dans l'équipe des Nouveaux Vengeurs et l'annonce aux trois autres Fantastiques. Tout ça ne mange pas de pain, mais reste dispensable.

Bilan : un bon premier numéro, avec trois séries de belle facture. Reste à savoir comment ce sommaire va tenir en attendant l'arrivée programmée de la série Avengers assemble (par Bendis et Bagley) au second trimestre 2012.

Marvel Heroes 12 :

- Les Vengeurs 14 : Fear Itself (2). Un des marteaux invoqués par le Serpent s'est écrasé dans Yancy Street, d'où est originaire la Chose qui, en s'en emparant, est devenu un des Dignes du dieu de la peur asgardien. Pour l'affronter, le Hulk Rouge est envoyé sur place : de quoi le tester pour savoir s'il mérite d'être un Vengeur...

Comme le mois dernier, pour cet épisode annexé à la saga Fear Itself, Brian Bendis articule son récit sur une série de témoignages où plusieurs personnages s'interrogent à la fois sur ce qui les effraie le plus dans leur mission de héros et sur le rôle que doit tenir le Hulk Rouge. Pour illustrer leurs points de vue, nous voyons ce dernier se battre, avec courage mais sans véritable espoir, contre la Chose devenu un des Dignes du Serpent.

Le procédé est malin et le combat qui ponctue les témoignages est véritablement un duel entre deux colosses, dont l'opposition crée des dégâts considérables (la tour des Vengeurs est ainsi détruite). Bendis fait preuve de son habituelle science du dialogue pour que jamais on ne s'ennuie et le dénouement donne la mesure de la menace.

John Romita Jr revient dessiner la série et donne à ses planches toute la puissance qu'on attend d'un artiste comme lui, expert dans ce genre d'exercice, digne héritier de Kirby. Qu'importe dès lors s'il est moins bon quand il aligne des portraits sans grande variété dans les expressions ou la morphologie, son choc des titans possède une vraie intensité.

- L'Académie des Vengeurs 10-11 : En quête de rédemption - En grandissant. Pas de critique pour ces deux épisodes qui me sont tombés des mains. Pourtant louée par de nombreux fans, cette série ne m'a jamais accroché, sans doute parce que ses héros n'ont pas d'intérêt pour moi et donc je me moque de ce qui peut leur arriver.

Et comme les dessins sont assurés par Sean Chen et Tom Raney, que je ne porte pas dans mon coeur, inutile d'insister.

- Loki (2) : Voyage vers l'inconnu (2). Les asgardiens, sur ordre d'Odin, ont déserté la Terre et s'échinent à construire des armes pour combattre le Serpent. Cependant, le jeune Loki cherche à en savoir plus sur le Serpent et, une fois informé, décide d'agir de son côté en domptant le loup de Hel...

Journey into Mystery continue de creuser de son côté les à-côtés de Fear Itself avec une réussite enthousiasmante : ce nouvel épisode est aussi réussi que le précédent et Kieron Gillen parvient à animer son Loki rajeuni avec brio. Il ne se passe pourtant pas grand'chose mais il se dégage de cette histoire une ambiance très intriguante.

Doug Braithwaite et Ulises Arreola (aux couleurs) signent des planches superbes qui ajoutent au bonheur de la lecture.

Bilan : partagé mais positif - Avengers et JiM sont suffisamment accomplis (en particulier le 2ème titre) pour faire passer le fait que le sommaire doit supporter deux épisodes d'Avengers Academy.

Marvel Icons 12 :

- Iron Man 504-505 : Fear Itself (1-2). Un des marteaux asgardiens invoqués par le Serpent tombe donc sur Paris et la Gargouille Grise s'en empare, devenant un des Dignes. Iron Man se rend sur place et affronte la créature qui pétrifie toute la population. La bataille est terrible et Detroit Steel qui s'en mêle va le payer cher...

Annexé à la saga Fear Itself, cet épisode est contre toute attente plutôt agrèable à lire, Matt Fraction ayant, une fois n'est pas coûtume, privilégié l'action en la délocalisant dans notre capitale.

Malheureusement, les efforts de Fraction sont ruinés par les dessins de Salvador Larroca qui échoue lamentablement à rendre l'effet de la pierre (ce qui est quand même gênant quand on anime un super-vilain comme la Gargouille Grise) et dont le découpage est calamiteux (rarement scènes d'action ont été aussi mollâssonnes, avec des enchaînements de vignettes affreusement mal conçus). C'est accablant : quand cette série commence à relever le nez, elle est plombée par une mise en images déplorable.

- Les Nouveaux Vengeurs 13 : Infinité (5). Grâce aux informations soutirées à un agent du HAMMER qu'ils ont capturés, les Nouveaux Vengeurs remontent la piste de Superia et espèrent en profiter pour découvrir la nature de ses travaux scientifiques... Dont l'origine remonte à l'opération menée par les Vengeurs réunis par Nick Fury en 1959.

Le fin mot de l'intrigue est enfin révèlé et on apprend donc que la formule soutirée à Crâne Rouge dans les années 50 par Nick Fury est aujourd'hui dans les mains de Superia. En la récupérant, les New Avengers ont un moyen de sauver Mockingbird, sans savoir s'il y aura des effets secondaires (autre que la longévité dont a profité Nick Fury).

Cet arc n'est cependant pas sauvé, lui, par ce dénouement et demeurera comme un des plus ratés du run de Brian Bendis, une histoire pour rien - ou pas grand'chose en tout cas. Maintenant la série va devoir composer avec Fear Itself, tout en annonçant un retour de Norman Osborn, mais il serait étonnant que son scénariste ne se resaisisse pas.

Howard Chaykin ne sagouine que quatre planches, et son passage sur le titre est terminé, à mon grand soulagement. Mike Deodato, sans être en grande forme, s'en tire bien et va désormais pleinement s'installer sur la série (jusqu'au départ - annoncé - de Bendis certainement).

- La Fondation du Futur 1 : Le Club. La mort de Johnny Storm a inspiré au reste du groupe une reformation complète et inattendue puisqu'il accueille désormais le père de Red Richards, les éléves de la Fondation du Futur, mais également Spider-Man... Et un invité spécial. Entretemps, le Sorcier est libéré par des agents de l'AIM.

Jonathan Hickman lance donc une nouvelle série après avoir conclu celle, historique, des 4 Fantastiques avec la mort de la Torche Humaine. Sa Fondation est donc plus qu'une simple équipe, une famille élargie, dont les vrais directeurs semblent davantage être Valeria et Nathaniel Richards. La dynamique du titre en est nettement altéré et ce premier épisode réserve au moins deux bonnes surprises, avec un peu d'action (pas trop non plus : Hickman étant dans ce domaine aussi inspiré que Fraction) et une recrue surprenante (non, ce n'est pas Spider-Man - dont la surexploitation devient franchement ridicule, même si sa présence ici n'est pas infondée au regard de ses antécédents avec les FF).

On va voir ce que ça donne, mais c'est plutôt alléchant.

Steve Epting, qui avait déjà illustré les derniers épisodes des 4F, devient donc l'artiste titulaire de cette nouvelle série et livre des planches magnifiques : ses compositions sont soignées, son trait élégant (co-encré par lui et Rick Magyar, colorisé par Paul Mounts), ses personnages déjà bien en main (Jane est superbe, la Chose excellement traitée, les enfants parfaitement maîtrisés).

Bilan : un numéro inégal mais honnête - dommage que graphiquement Iron Man reste à la ramasse, mais New Avengers va rebondir à faveur de Fear Itself le mois prochain, et la nouvelle série, FF, est accrocheuse.

Critique 300 : THE COMPLETE CLASSIC ADVENTURES OF ZORRO, d'Alex Toth

2012-01-01T21:41:00.002+01:00

The Complete Classic Adventures of Zorro rassemble 16 épisodes de l'adaptation de la série télévisée produite par Disney, écrits et dessinés par Alex Toth en 1959, réédités en 2001 par Image Comics.

La couverture (non colorisée) du volume 1

de l'édition Eclipse Comics.

Les quatre premières pages

du premier épisode :

Presenting Señor Zorro.

Né en 1929, Alex Toth reste encore aujourd'hui un génie méconnu, malgré une carrière d'une grande richesse, le respect de ses pairs et l'admiration de ses fans. Mort à 77 ans à sa table de dessin (!), son "tort" aura sûrement été de ne pas être associé à un personnage ou une série, qui lui aurait permis d'être identifié plus facilement. A cet égard, son run sur Zorro est une exception notable et c'est une des raisons qui font que l'acquisition de cet album est indispensable.

Dans la préface de cet ouvrage, Howard Chaykin résume parfaitement le "cas" Alex Toth : de la même génération que d'autres artistes mythiques, comme Joe Kubert, Carmine Infantino, ou Gil Kane, cet auteur complet était considéré comme le meilleur de tous, aussi bien loué par de fameux prédécesseurs comme Milton Caniff et Noel Sickles que copié par une foule de graphistes postérieurs (de David Mazzucchelli à Chris Samnee en passant par David Aja, Gabriel Hardman, Cliff Chiang, Michael Lark, Stuart Immonen, Darwyn Cooke et j'en oublie). "L'artiste des artistes" en somme, comme les experts le surnomment.

Toth s'est illustré dans tous les genres : il a dessiné des westerns, des récits de guerre, d'horreur, des histoires romantiques. Il n'appréciait guère les super-héros même s'il a touché à des icones DC (Flash, Green Lantern...) ou Marvel (X-Men, première génération), et il a dans les années 60-70 activement participé à leurs designs pour les studios d'animation Hanna-Barbera (avec des séries comme Super Friends, Space Ghost...). On lui doit d'ailleurs les graphismes du dessin animé Scooby-Doo.

Mais Alex Toth, quoiqu'ayant produit massivement, n'a pas la renommée de Jack Kirby (concepteur d'innombrables personnages, des Fantastic Four aux New Gods en passant par Captain America), Steve Ditko (Spider-Man), Bob Kane (Batman), Will Eisner (The Spirit), Alex Raymond (Flash Gordon), Milton Caniff (Terry et les Pirates), Joe Schuster (Superman)... En revanche, sa science du design et du storytelling en fait l'égal de toutes ces légendes. Et ses épisodes de Zorro en apportent la preuve.

Guy Williams, l'interprète de Zorro/Don Diego

De La Vega dans la série télé.

The Complete Classic Adventures of Zorro est l'adaptation en bande dessinée de la sére télévisée produite par Disney à la fin des années 50, avec Guy Williams dans le rôle du "Renard" et de son alter ego Don Diego De La Vega. Cet album rassemble 16 épisodes au format variable (entre une vingtaine et une dizaine de pages, dont une aventure en deux parties - The Ghost Of The Mission).

A l'époque, Alex Toth accepte ce travail alors qu'il s'est installé à Los Angeles : il a 30 ans et déjà de nombreuses contributions dans divers registres à son actif. Parfois, il réalise des planches sans même être crédité ! Mais déjà il s'est essayé à des adaptations en comics de productions cinéma et télé et son professionalisme est reconnu : sa technique est plus que parfaite, quand bien même il ne s'entend pas avec les coloristes qu'on lui impose (il préfère d'ailleurs le noir et blanc, et effectuera lui-même, quelquefois, ses colorisations), il est ponctuel et surtout il sait ce qui convient pour passer d'un média à l'autre - ainsi quand il recevra les premiers scripts de Zorro, il impose à l'éditeur des coupes importantes dans les descriptions et les dialogues, qu'il juge trop abondants. Résultat : une narration d'une redoutable efficacité avec un découpage sobre (avec un usage régulier du "gaufrier" - 6 cases d'égale valeur sur trois bandes par planche) mais où chaque plan est à la fois une véritable épure et un modèle de composition.

L'adaptation respecte la matériau d'origine : on y retrouve les standards hérités de l'oeuvre de Johnston McCulley, créée en 1919, avec un Zorro plus rusé que batailleur (peu de duels à l'épée en vérité, mais mis en scène avec swing), Don Diego faussement emprunté quand il est accusé par le Capitaine Monastario ou complice avec ce sympathique lourdaud de Sergent Garcia, des señoritas d'une classe folle, le tout situé dans la Californie de la première moitié du XIXème siècle quand les espagnols tenaient la province et que Los Angeles n'était encore qu'un pueblo sous la coupe de riches propriétaires terriens et de militaires.

C'est un régal à lire - que dis-je ? A dévorer tant on est pris par ces courts récits où le souffle de l'aventure se marie parfaitement avec l'humour bon enfant de Disney.

Le trait de Toth (dont Hugo Pratt s'est considérablement inspiré pour Corto Maltese, après avoir mûri dans l'ombre de Caniff) se distingue par son économie : jamais chez lui on ne trouve une ligne en trop mais ses personnages sont toujours expressifs, leur gestuelle toujours naturelle, les décors soignés.

Maître du clair-obscur, il tire les meilleurs effets d'à-plats d'un noir profond qui donnent des contrastes saisissants à ses images, valorisent les valeurs d'un plan aussi bien dans des cadres étroits que des plans larges, et suggèrent le mouvement admirablement (en jouant sur la poussière produite par une chevauchée par exemple ou par l'enchaînement subtil des vignettes avec des entrées et des sorties de personnages d'une fluidité si aboutie qu'elles sont quasiment imperceptibles).

Par ailleurs, la réédition par Image Comics bénéficie de l'addition des nuances de gris par Raymond Fehrenbach telles que les avaient indiquées Toth : ce bonus esthétique donne un cachet magnifique aux dessins sans les altérer.

Le storytelling selon Toth ressemble à la danse selon Fred Astaire : tout paraît étonnamement simple, évident, mais exprime une réflexion d'une intelligence infaillible sur la manière de raconter/chorégraphier des séquences. Toute sa vie, il ne cessera ainsi d'affuter cette méthode du "less is more", gommant de plus en plus tout ce qui freine la lisibilité et le rythme de la lecture.

Lire Alex Toth, c'est à la fois un plaisir car c'est immédiatement accessible, c'est beau et c'est instructif : on a souvent le sentiment en tournant les pages d'apprendre comment faire une bonne bande dessinée sans aucune esbrouffe, en restant dans un classicisme chic, intemporel, indémodable. Si Eisner a fait exploser les barrières de l'art séquentiel, alors Toth a certainement été celui qui a su le mieux en exploiter les contraintes académiques, en acceptant les limites pour mieux en exposer les charmes.

Un comic-book magique par un des plus grands artistes américains du XXème siècle !

BONNE ANNEE 2012 ! (guest-starring David Aja)

2012-01-01T14:52:00.000+01:00

Bonne année à tous - à ceux qui lisent mes articles, à ceux qui les liront, ceux qui sont abonnés, etc !
Lisez plein de bandes dessinées et profitez-en bien !

Critique 299 : SPIROU - LE JOURNAL D'UN INGENU, d'Emile Bravo

2011-12-31T22:50:00.002+01:00

Spirou, Journal d'un Ingénu est un récit complet écrit et dessiné par Emile Bravo, publié en 2008 par Dupuis dans la collection alternative "Une aventure de Spirou et Fantasio par...".

En 1939, à Bruxelles, le jeune Spirou est encore un adolescent. Pupille de l'Etat, il travaille comme groom au Moustic Hotel, où il subit les brimades du chef portier Entresol, et survit dans une chambre de bonne minable. Sur son temps libre, il arbitre les matchs de foot des gamins de son quartier.

Mais lorsqu'une jeune et jolie soubrette, aux convictions communistes prononcées, entre en scène, alors que dans une suite de l'hôtel un représentant allemand négocie avec les polonais leur reddition, et qu'un journaliste à sensations nommé Fantasio rôde, notre héros ne va plus savoir où donner de la tête.

La 2ème guerre mondiale va éclater et entraîner Spirou vers son destin, avec un chagrin d'amour et un nouvel ami au passage - sans compter son écureuil, Spip, dont on découvrira in fine le rôle déterminant...

Lorsqu'en 2008, Dupuis publie ce album, l'heure est aux festivités pour Spirou qui, mine de rien, célèbre son 70ème anniversaire. Une pièce de la Monnaie de Paris est même frappée à son effigie pour l'occasion !

Pourtant, à bien y regarder, la couverture de ce Journal d'un Ingénu nous indique d'entrée de jeu qu'on a entre les mains un récit complet singulier avec son héros, tenant dans ses bras son fidèle écureuil Spip (et rappelons que Spirou en wallon signifie justement écureuil), un oeil au beurre noir, encadré par des croix gammées et des marteaux croisant des faucilles...

Emile Bravo s'est montré très ambitieux en voulant resituer précisèment les origines du plus fameux groom de la bande dessinée franco-belge, n'hésitant pas à livrer un récit politisé, ironique et stylisé, même si l'album a été édité dans une collection alternative (donc se démarquant de la continuité).

L'auteur sait qu'il pénètre en territoire miné : Spirou est un héros qui a été marqué au fer rouge par Franquin, qui, s'il n'en a pas été le créateur, a animé et peuplé sa mythologie plus que n'importe qui. Le personnage de Rob-Vell a connu des versions inégales, de Jijé à Tome et Janry en passant par Nic et Cauvin, Fournier, jusqu'à Munuera et Morvan et aujourd'hui Velhmann et Yoann (qui en ont hérité après justement un passage par la case "Une aventure de Spirou et Fantasio par..."). Pourtant, malgré cette riche carrière, des béances dans sa chronologie attendaient qu'un artiste inspiré les comble et les transforme en une bande dessinée de qualité.

Emile Bravo nous raconte donc le Spirou d'avant Spirou et Fantasio en révèlant comment les deux amis se sont rencontrés, pourquoi le groom aventurier est resté fidèle à son costume et célibataire, méfiant avec la politique et farouchement attaché à la démocratie plus qu'à aucune autre idéologie... Sans savoir que son écureuil a bouleversé son destin.

Dans cette histoire, cependant, ce sont d'abord des tracas quotidiens que Spirou s'emploie à gérer : comment gagner l'amour de cette soubrette dont il apprendra trop tard qu'elle appartient au Komintern ? Comment se débarrasser de l'encombrant Fantasio qui traque un couple mondain et adultère au Moustic Hôtel ? Comment éviter le brutalité du portier Entresol ? Et, accessoirement, comment arbitrer des matchs de foot entre garnements ou raisonner un nazi voulant faire plier la Pologne ?

Le scénario accumule les scènes rapides et brêves et fait ainsi davantage penser à la chronique mélancolique d'un adolescent pris entre les feux de la grande et tragique Histoire qu'à un récit d'aventures comme il en vivra ensuite. Cette singularité rend l'ensemble très attachant, parfois mordant, souvent drôle (les clins d'oeil à Tintin sont savoureux), et pourtant cette originalité, loin de se contenter de faire de l'oeil à un lectorat plus élitiste, réconcilie les puristes et les amateurs.

Emile Bravo ne s'est pas seulement échiné à produire un script d'excellence, il a aussi soigné la forme. Son dessin ne cherche pas à imiter celui des autres, grands ou pas, qui ont animé le personnage avant lui. Il prend le parti d'un graphisme clair, simple, sobre, au découpage serré et au rythme soutenu.

Il utilise le pinceau pour épurer ses compositions et produire des effets subtils qui donne une fausse patine à son récit, comme s'il était vraiment d'époque, avec une colorisation magnifique de nuances de Delphine Chedru.

Plein de verve, illustré avec soin et personnalité, ce Journal d'un Ingénu s'achève avec un twist particulièrement jubilatoire. Une grande réussite, et assurèment un des meilleurs hommages à Spirou si bien conçu qu'il mériterait de figurer dans la collection régulière de la série.

Critique 298 : 5 RONIN, de Peter Milligan et Tomm Coker, Talibor Dalajic, Laurence Campbell, Goran Parlov, Leandro Fernandez

2011-12-31T22:38:00.003+01:00

La couverture du recueil

(illustration de John Cassaday et Laura Martin)

Les 5 Ronins - de gauche à droite : Deadpool, Wolverine,

Hulk, le Punisher, Psylocke (illustrations de David Aja).

5 Ronin est une mini-série de cinq épisodes publiée en 2011 par Marvel Comics. Le scénario est écrit par Peter Milligan et les dessins sont signés par Tomm Coker (Wolverine), Dalibor Talajic (Hulk), Laurence Campbell (Punisher), Goran Parlkov (Psylocke) et Leandro Fernandez (Deadpool).

5 Ronin est un projet atypique, un recueil d'histoires curieux et original. L'idée a été lancée par l'éditeur Sebastian Girner, passionné par le Japon, et mise en forme par le scénariste Peter Milligan, lui-même fan du cinéaste Akira Kurosawa et de son chef-d'oeuvre, Les 7 Samouraï.

Imaginer des versions de cinq personnages iconiques transposés dans le Japon féodal du XVIIème siècle permet de les revisiter, détachés du terreau fantastique propre aux comics super-héroïques tout en conservant ce qui fait l'essence de chaque héros : Wolverine le tueur, Hulk le monstre, le Punisher le vengeur, Psylocke la métisse, et Deadpool le fou.

En 1600, le Japon est également à la croisée des chemins : une ére est sur le point de se conclure (l'époque féodale), une autre va débuter : dans ce contexte incertain, lié par une cause commune, cinq personnages vont eux-mêmes être obligés de faire des choix existentiels déterminants.

Peter Milligan n'a pas choisi cette date par hasard, comme il l'a précisé en interview : en 1600 eût lieu une bataille sanglante et décisive à Sekigahara, entre clans de l'Ouest et de l'Est du Japon. Au terme de cet affrontement, la répartition des provinces fut établie. C'est donc un carrefour historique, une époque violente, qui sert au scénariste de métaphore pour parler de notre propre époque, également troublée par des guerres de civilisations, de cultures, de philosophie, de suprémacies.

Le choix des cinq personnages ne doit rien non plus au hasard : il s'agit évidemment de héros-phares dans l'univers Marvel, mais qui ont en commun un aspect "borderline", et dont l'auteur a respecté l'esprit tout en les privant de leurs caractéristiques paranormales habituelles.

Chaque épisode se concentre sur l'un des protagonistes, mais leurs histoires sont interconnectées : à chaque chapitre, le lecteur découvre des éléments supplémentaires sur l'origine de l'intrigue et la situation des 5 ronins. Ils ont tous des problèmes particuliers à résoudre mais ces problèmes puisent à la même source : Daimyo, un chef de guerre, a ruiné leurs vies, en les privant de leur maître, de leur humanité, de leur famille, de leur dignité, de leur raison, au cours de la bataille de Sekigahara.

Une planche de Wolverine par Tomm Coker.

Le premier épisode ouvre de manière percutante la série avec Wolverine, qui a perdu son maître dans la bataille. Milligan trouve une astuce très habile pour évoquer les pouvoirs du mutant griffu : ses griffes sont remplacées par des lames attachées à un bracelet, et son invulnérabilité par le fait qu'il a plusieurs frères jumeaux, laissant supposer à celui qui en croise un qu'il s'agit du même guerrier.

Wolverine retrouve l'un de ses frères ayant pris le parti du chef Daimyo au point de tuer un de ses jumeaux. L'atmosphère étrange et troublante du récit, soutenu (comme les autres épisodes) par une voix-off suggestive et sobre, est une réussite, les scènes d'action sont fulgurantes et sans complaisance. Milligan nous accroche immédiatement.

Les dessins de Tomm Coker contribuent remarquablement à l'intensité du récit dans un style photo-réaliste. L'effort apporté aussi bien aux designs des costumes qu'à la reproduction des décors est exemplaire.

Une planche de Hulk par Dalibor Talajic.

Le deuxième épisode est encore plus original, peut-être le plus déroutant de la série : en effet, la version que Milligan donne de Hulk est certainement la plus inattendue. Il en a fait un moine, retiré du monde sur une montagne, après avoir activement participé au massacre de la bataille de Sekigahara : la cruauté et la brutalité dont il fit preuve ce jour-là l'a horrifié au point qu'il se consacre désormais à une vie de méditation. Lorsque le village voisin sollicite ses services de guerrier pour repousser une nouvelle attaque des troupes de Daimyo, il hésite à accepter par crainte de réveiller la bête au fond de lui.

David Aja, qui a participé aux designs des personnages, avait, comme on peut le voir dans les bonus de l'album, d'abord imaginé donner à ce Hulk l'aspect d'un lutteur sumo (peut-être en souvenir de Fat Cobra, une des Armes Immortelles des 7 Capitales Célestes, qu'il avait dessiné durant son run sur Immortal Iron Fist). Finalement, Dalibor Talajic a imposé une silhouette d'ascète au personnage, totalement méconnaissable par rapport au Hulk classique ou même à son alter ego Bruce Banner.

Mais l'idée est séduisante et efficace, tout comme la traduction du dilemme moral qui se pose au personnage est très bien rédigée.

En outre, on voit à nouveau apparaître Deadpool, après le segment consacré à Wolverine, devenant le fil rouge de la saga tout en conservant son mystére.

Une planche du Punisher par Laurence Campbell.

Le Punisher devait faire partie de l'aventure 5 Ronin... Mais à la vérité, l'évidence de sa présence rend aussi son emploi trop conventionnel et il faut bien avouer que c'est le chapitre le moins intéressant de l'histoire. Milligan n'a rien à changer aux origines classiques du personnage pour l'intégrer dans le projet : ici comme ailleurs, le Punisher va régler ses comptes après que sa famille ait été massacré par, non plus des mafieux, mais des soldats de Daimyo.

Sa vengeance est implacable, son déroulement sans surprise.

Laurence Campbell opte pour un découpage à la fois radical et paresseux, uniquement composé de vignettes horizontales, cinq bandes par page en moyenne. Ce qui pourrait aboutir à un séquençage nerveux ne produit souvent que des plans trop sombres, sans décor, où les couleurs de Lee Loughridge (qui occupe ce poste sur tous les épisodes, sauf le premier où il est remplacé par Daniel Freedman), elles-même majoritairement sommaires, soulignent les défauts de ces partis-pris.

C'est la seule fausse note de l'entreprise - sans doute qu'un personnage moins prévisible aurait été préférable, ou alors avec un traitement plus étonnant.

Une planche de Psylocke par Goran Parlov.

Heureusement, avec l'épisode consacré à Psylocke, Milligan et son nouveau partenaire, Goran Parlov, rattrapent le coup. La cousine du Captain Britain classique est devenue une jeune femme prostituée après la mort de son père, tué par Daimyo, et s'emploie à devenir la fille de joie la plus convoîtée de Yoshiwara afin que son ennemi l'appelle chez lui. Ce projet de vengeance est pervers et déplace subtilement le récit en y introduisant de la sensualité.

C'est aussi le chapitre où deux personnages ont une relation plus rapprochée et consistante puisque Psylocke et Wolverine s'y rencontrent longuement - cette rencontre va d'ailleurs considérablement altérer la conviction de la jeune femme.

Parlov, disciple de l'école italienne des fumetti, donne à ses pages un dynamisme qui tranche avec les autres artistes, délaissant la stylisation au profit d'illustrations plus classiques. Mais sa Psylocke est dôtée d'une beauté à la hauteur de la magnifique couverture d'Aja.

Une planche de Deadpool par Leandro Fernandez.

Le dernier chapitre met en scène Deadpool, le mercenaire fou : il est apparu dans les segments précédents, tantôt simple figurant, tantôt acteur décisif, mais ici, on découvre qu'il a fait partie de l'armée de Daimyo. Abandonné et laissé pour mort par son maître sur le champ de bataille, il a perdu la raison - au point d'aller défier son ancien chef dans son domaine.

Au duel attendu proprement dit, Milligan n'accorde pas une importance démesurée : il le met en scène d'une façon expéditive, suggestive, en le dialoguant magistralement. Une fois ce face-à-face liquidé, comme il l'a déjà fait précédemment, le scénariste a recours à un flash-back pour resituer le personnage et son cheminement. Il traite avec subtilité la folie de son héros, et lui fait croiser Wolverine, tandis qu'auparavant Psylocke est apparue et que Hulk tente (en vain) de raisonner le Punisher. Si les 5 ronin ne se rencontrent pas tous, leur présence simultanée dans le même périmètre à la fin de l'aventure est amenée avec naturel, et la conclusion du récit est très bien rédigée.

Leandro Fernandez (l'autre designer le plus actif du projet, avec Aja) livre des planches à la fois épurées et soignées.

Recueillie dans un bel album hardcover, regorgeant de bonus (sketches, couvertures - somptueuses - de David Aja, variant covers...), cette mini-série est un de ces projets insolites que Marvel serait bien inspiré de produire plus souvent. A quand un "5 Cowboys", "5 Knights", ou "5 Soldiers" ?

Critique 297 : DOCTOR STRANGE - THE OATH, de Brian K. Vaughan et Marcos Martin

2011-12-27T18:02:00.002+01:00

Doctor Strange : The Oath rassemble les cinq épisodes du récit complet écrit par Brian K. Vaughan et dessiné par Marcos Martin, publié par Marvel en 2006-2007.

Apprenant que son fidèle serviteur Wong est atteint d'une tumeur au cerveau incurable, le Docteur Strange entreprend de se rendre dans une dimension parallèle pour subtiliser à un démon un remède. Avant de l'administrer à son ami, le sorcier suprême envoie à un de ses anciens collègues médecins l'antidote pour une analyse qui révèle qu'il s'agit en vérité d'un moyen pour guérir toutes les maladies. La nouvelle parvient jusqu'à Nicodemus West qui engage le Brigand pour récupérer le médicament. Le Docteur Strange s'interpose et est gravement blessé. Le maître et son valet, bien mal en point, emploient leurs dernières forces pour démasquer leur ennemi, connaître ses mobiles et soigner l'humanité. Heureusement, ils peuvent compter sur l'Infirmière de Nuit pour les aider...

Alors qu'en 2012, Brian K. Vaughan et Marcos Martin vont se retrouver pour un projet en creator-owned chez Image Comics, revenons sur le fruit de leur première collaboration.

Le Dr Strange a connu une carrière secondaire parmi la flopée de héros Marvel, où la magie n'a pas toujours eu les faveurs des scénaristes. Longtemps membre des Defenders (qu'il réintègre dans la nouvelle série lancée par Matt Fraction et Terry Dodson à la suite de Fear Itself et qui sera traduite en France en 2012), le sorcier suprême peut remercier Brian Michael Bendis qui en a fait un des New Avengers emblématiques.

J. Michael Straczynski et Brandon Peterson avaient tenté de rafraîchir le personnage dans une première mini-série, mais l'accueil fut désastreux. Brian K. Vaughan gagna le droit de s'y coller et rédigea l'intrigue du Serment pour un résultat bien meilleur.

Le scénariste des Runaways et Y The Last Man adresse d'entrée de jeu une dédicace à Stan Lee et Steve Ditko, et effectivement on retrouve la simplicité et le sens du rythme du créateur du personnage dans cette histoire riche en rebondissements, ne manquant pas d'humour (l'échange entre Araña et Iron Fist dans la salle d'attente au début, les dialogues dignes des "screwballcomedies" entre Strange et l'Infirmière de Nuit, les références à Timely - premier nom de Marvel...) et dont l'apparente légèreté dissimule une fable avec des questions morales étonnament profondes (le choix final de Strange concernant l'emploi de la panacée).

Lorsque Vaughan s'appuie sur le passé du héros, il sait le faire de manière immédiatement accessible et pertinente : comme tous les grandes figures du Marvelverse, Strange est devenu un justicier après avoir connu une épreuve personnelle et s'être réinventé tout en continuant à être hanté par ses fautes et ses faiblesses. L'exploitation de la magie est complètement fantaisiste mais ne s'égare jamais dans des invocations ridicules ou une représentation trop baroque : en vérité, rarement un comic-book avec un sorcier aura gardé cette fraîcheur, et il fallait bien un auteur comme BKV pour réussir à accomplir ce petit miracle.

Marcos Martin était également le candidat idéal pour illustrer ce récit hanté par le mythique Steve Ditko : l'espagnol est en effet un des meilleurs disciples du maître et son trait souple, expressif, élégant fait merveille avec ce personnage.

Le découpage a l'intelligence de ne pas abuser d'effets spectaculaires pour épater la galerie. Les seules folies que s'autorise Martin sont des splash-pages et quelques cadres en diagonales, comme des ponctuations pour souligner les états d'âme du Docteur ou les cliffhangers entre chaque chapitre (le suivant offrant un résumé de l'action du point de vue d'un protagoniste différent à chaque fois).

La colorisation à la fois sobre et délicatement nuancée de Javier Rodriguez ajoute à la finesse esthétique du projet. Notons aussi qu'Alvaro Lopez a participé à l'encrage du premier épisode pour être complet.

Familier ou pas avec le personnage et son univers, voici une mini-série exemplaire, parfaitement écrite et superbement illustrée. Vivement les retrouvailles de ce duo magique !

Critique 296 : NICK RAIDER - SECTION CRIMINELLE, de Claudio Nizzi et Corrado Manstantuono

2011-12-24T18:17:00.002+01:00

Nick Raider, Section Criminelle rassemble les épisodes 74, 121 et Spécial n°8 de la série, écrits par Claudio Nizzi (sauf pour le #121, écrit par Giancarlo Manfredi) et dessinés par Corrado Mastantuono, publiés en 1995 par Strip Art Features/Bonelli en Italie et en 2009 par Clair De Lune en France.

- #74 : Un Homme dans la ligne de mire. Eddie Caruso sort de prison et il est aussitôt traqué par d'anciens complices d'un hold-up, persuadés qu'il a caché les bijoux volés autrefois. Le problème est qu'il ne les a pas, que l'affaire implique les policiers qui l'avaient arrêté et que sa mère et l'assistante sociale avec laquelle il entame une liaison sont également en danger à présent. Eddie se confie à Nick Raider qui va s'employer à protéger les innocents, neutraliser les gangsters et confondre les coupables.

- Spécial #8 (1) : Eaux troubles. Le cadavre d'une prostituée est découvert dans un terrain vague, coupée en deux. Le cas rappelle immédiatement aux enquêteurs, dont Nick Raider, celui du célèbre "dahlia noir", la starlette Elizabeth Short, morte dans les années 50. Bientôt sont suspectés les membres de la famille Van Horn, dont Linda, la fille qui devient la maîtresse de Nick, et qui s'avèrent mêlés aux deux homicides.

- #121 : La Rose jaune du Texas. Rose Baker s'illustre dans des foires foraines avec un numéro de tir au pistolet qui lui vaut aussi bien l'admiration que la jalousie des spectateurs. En s'installant quelques années plus tard en ville, elle est obligée de repartir de zéro et son agent tente de la violer. Elle le tue et, en essayant de se débarrasser du corps, se trouve au beau milieu d'une opération de la section criminelle pour appréhender des trafiquants au cours de laquelle Nick Raider manque d'être abattu. Condamnée et incarcérée, la jeune femme trouble Nick qui enquête pour connaître son passé et lui éviter une peine trop sévère.

- Spécial #8 (2). Alfie et l'affaire de la blonde platine. Alfie est un indicateur collaborant fréquemment avec la sectiobn criminelle. Mais avant d'embrasser cette carrière ingrate, il était l'assistant du détective privé Jeff Kane, spécialisé dans les affaires d'adultère. Lorsqu'un mari suspecte sa superbe épouse de le tromper, Alfie en apporte les preuves à Kane qui abuse alors de la situation et de l'infidèle. C'est l'occasion pour Alfie de se venger de son employeur qui s'est toujours moqué de lui.

La maison d'édition française Clair de Lune traduit plusieurs fumetti (les comics italiens) dans des albums softcovers petit format et d'autres, cartonnés : des titres très populaires comme Diabolik, Dampyr, Tex, Martin Mystère y côtoient d'autres séries comme Nick Raider, Heroes for Hire, Loomix. Avec cet ouvrage volumineux (de 360 pages), c'est l'occasion idéale de découvrir un immense artiste, Corrado Mastantuono, qui en dessine les 4 épisodes.

Mais d'abord, présentons le héros : Nick Raider est un personnage crée en 1988 par le scénariste Claudio Nizzi et le dessinateur Giampiero Casertano, dont les aventures ont été publiées jusqu'en 2000. Cet officier de police travaille à New York sous les ordres du lieutenant Ryan et a pour partenaires Marvin Brown et Jimmy Garrett. Le nain Alfie lui sert d'informateur.

Ce receuil propose 4 histoires, deux de 96 pages (les épisodes 74 et 121), une de 130 pages (la première partie du Spécial n°8) et la dernière de 32 pages (la seconde partie du Spécial n°8), toutes écrites (à l'exception du #121 par Giancarlo Manfredi) par Claudio Nizzi.

Le scénariste utilise tous les clichés de la série noire, revisitant même l'affaire du "dahlia noir" qui inspira un fameux roman à James Ellroy (et son adaptation cinématographique par Brian de Palma) : les grandes figures du genre sont convoquées comme le voyou en quête de rédemption poursuivi par d'anciens complices, les flics ripoux, une riche famille de notables meurtriers, une tireuse d'élite au mauvais endroit au mauvais moment et l'indic'. Mais si les situations et les personnages peuvent être conventionnels, les scripts sont d'une redoutable efficacité, alliant un propos dense, avec des enquêtes fournies en rebondissements, et un rythme soutenu, alternant habilement les séquences d'action et les investigations méticuleusement conduites. Ajoutez-y un zeste de mélodrame, des héroïnes fatales et superbes, des seconds rôles mémorables, et des dialogues toniques (mais hélas ! approximativement traduits) : Nizzi s'impose comme un "page-turner" imparable et on dévore ces histoires dès qu'on y plonge.

La rose jaune du Texas, sans doute le meilleur segment de l'ensemble, mixe même des éléments du western et de la pulp-fiction avec une totale réussite, tandis que le chapitre avec Alfie est d'une savoureuse ironie à la concision impeccable.

Il n'y a vraiment rien à jeter dans cette collection.

Mais, comme l'indique le sous-titre sur la couverture, la véritable attraction de ce pavé tient au dessin de Corrado Mastantuno, un immense artiste à la production abondante et variée (il a dessiné aussi bien du Disney que du polar ou du fantastique) qui signe les 360 planches de l'album.

Mastantuono est un virtuose du noir et blanc : ses pages sont d'une lisibilité irréprochable, avec un découpage de quatre à cinq cases maximum, ce qui confère aux récits une rapidité de lecture diabolique. Il maîtrise grâce à une technique époustouflante tous les registres : ses personnages sont variés, expressifs (avec une mention particulière à ces superbes héroïnes, des femmes fatales et pulpeuses dans la grande tradition), ses décors sont toujours évocateurs et soignés, ses jeux de lumières et en particulier ses à-plats noirs donnent des ambiances extraordinaires à la moindre scène, quel que soit l'angle de vue ou la valeur des plans.

On pense volontiers à un mélange de Jordi Bernet (le dessinateur mythique de Torpedo), John Buscema (la légende de Marvel et de Conan) et Alex Toth (le génie qui illustra les plus beaux épisodes de Zorro), ce qui constitue une somme impressionnante. Rien que pour cette rencontre, ne passez pas à côté de cet album : vous y découvrirez un artiste imposant !

Un album passionnant et somptueusement mis en images qui comblera les amateurs comme les connaisseurs de polar bien noir tout en invitant à découvrir les fumetti.

LUMIERE SUR... FIONA STAPLES

2011-12-16T18:57:00.002+01:00

Fiona Staples

Tales From The Harbor

(commission art)

Couverture pour le magazine Swerve

Space Teen Super Team

The Goon vs Criminal Macabre

(Commission art)

Design pour Zatanna

5 planches de Mystery Society #1

Poster promotionnel pour Saga

Couverture de Saga #1

Fiona Staples est une artiste canadienne : elle débute sa carrière en 2006 et accomplit depuis un parcours sans faute, passionnant et prometteur. En Mars 2012, on pourra découvrir le premier épisode de la nouvelle série Saga, co-créée et écrite par Brian K. Vaughan (le scénariste de Runaways, Pride of Baghdad, Y The Last Man...), d'ores et déjà un des comics les plus accrocheurs édités par Image Comics.

Fiona Staples maîtrise tous les domaines de l'image : elle est dessine, encre et colorise (elle a d'ailleurs rempli cette fonction pour Frazer Irving, un autre artiste complet). Son art du découpage, où elle expérimente à la fois la forme des vignettes et imprime un rythme toujours imparable au récit, son trait anguleux à la fois nerveux et élégant, racé, la distinguent déjà. Mais c'est aussi une cover-artist inspiré, dont le sens de la composition est aiguisé, capable de produire des images à la fois efficaces, mémorables et atypiques. Enfin, elle est remarquable dans son approche du design : Brian K. Vaughan a ainsi raconté que pour Saga elle avait finalement peu tenu compte de ses indications, mais pour fournir des visuels encore plus étonnants que ceux auxquels il avait pensé !

Ses deux oeuvres les plus abouties sont North 40, visite dans le genre des zombies, scénarisée par Aaron Williams, et surtout Mystery Society, co-créé par Steve Niles (qui a rédigé le script) et Ashley Wood, où elle a excellé dans le récit d'aventures.

Artiste à la fois mystérieuse et facétieuse, Fiona Staples est à n'en pas douter un des signatures les plus singulières de la bande dessinée américaine actuelle.

Le blog de l'artiste : http://www.fstaples.blogspot.com/

Critique 295 : DROPSIE AVENUE, de Will Eisner

2011-12-15T18:24:00.003+01:00

Dropsie Avenue est un roman graphique écrit et dessiné par Will Eisner, publié par l'auteur en 1995.

La chronique sur un siècle du quartier de Dropsie avenue : des quelques fermiers hollandais qui y vivaient en 1870 jusqu'à l'implantation des communautés hispanique et noire dans les années 60, et entretemps les périodes dominées par le voisinage des Anglais, des Irlandais et des Italiens durant la première moitié du XXème siècle et après la seconde guerre mondiale, sans oublier l'installation durable des Juifs.

Dans cette artère du Bronx, un des quartiers originels de la ville de New York,on assiste à la cohabitation des puissants et des misérables, les uns perdant leur empire, les autres devenant les maîtres de ce territoire.

Dans une succession effrenée de saynétes de la vie quotidienne, au fil des grands évènements durant une centaine d'années, nous faisons connaissance avec une multitude de personnages haut en couleurs, aux trajectoires à la fois comiques et tragiques.

Oeuvre tardive dans la carrière exceptionnelle de son auteur (mort en 2006), Dropsie Avenue est un de ses romans graphiques les plus accomplis, un livre de 170 pages, foisonnant, drôle, poignant, édifiant, virtuose, véritable concentré du l'art séquentiel théorisé magistralement par Will Eisner lui-même.

Les bandes dessinées de cet auteur essentiel, dont la modernité de l'expression en fait l'égal des grands maîtres des comics américains (comme Winsor McCay, Jack Kirby, Alex Toth, Alex Raymond, Charles M. Schulz..) mais surtout un artiste unique, atypique, sont pourtant de véritables pièges à critiquer. En effet, il est impossible d'y trouver matière à reproche mais il est aussi délicat de les comparer à quoi que ce soit dans le 9ème Art alors même que la production d'Eisner a inspiré quantité de ses pairs, que ce soit dans la forme (avec une inventivité incroyable dans le découpage par exemple) ou dans le fond (la diversité des sujets et de leur relation).

Histoire de compliquer la tâche de celui qui veut en parler, Will Eisner a longtemps été d'abord (re)connu comme un auteur iconoclaste d'une bande dessinée plus classique, le mythique Spirit, croisement entre le super-héros, la pulp-fiction et la métatextualité de ces deux genres. Puis, esprit à la fois insatiable et expérimentateur, il s'est réinventé en un chroniqueur social en composant des "graphic novels" aux sujets variés.

Cependant, le thème de prédilection d'Eisner reste le récit urbain et la description des quartiers de New York. Peut-être a-t-il inspiré un romancier comme Paul Auster, qui signa sa propre Trilogie new-yorkaise (Cité de verre - adapté en bande dessinée par Paul Karasik et David Mazzucchelli, le plus brillant héritier d'Eisner et Toth réunis - , La chambre dérobée, Revenants)...

Dans la bibliographie de son auteur, Dropsie Avenue appartient à un tryptique comprenant également Un pacte avec Dieu (A contract with God) et Jacob le cafard (Life Force). Dropsie avenue (Dropsie avenue : The Neightborood) constitue une impressionnante une étude sociologique d'un quartier en perpétuelle métamorphose s'appuyant sur une galerie de personnages mémorables, traversant parfois le récit de manière fulgurante, d'autres fois de façon plus durable.

La grande force d'Eisner est de ne jamais juger ses héros ou de prendre parti pour telle ou telle communauté : il dépeint chacune sans complaisance mais souvent avec chaleur, malice et toujours avec lucidité. Nul mieux que lui n'occupe ce poste d'observateur avisé et omniscient mais jamais condescendant ou partisan. Et à travers cette plongée dans un territoire qui nait, grandit, vieillit et meurt, avant de renaître, comme un organisme vivant, Will Eisner parle des Etats-Unis dans ses heures les plus sombres ou les plus joyeuses, en insistant pertinemment sur le fait qu'il s'agit d'un pays peuplée d'étrangers, cohabitant bon gré mal gré.

D'un point de vue graphique, Eisner est en 1995 depuis longtemps au sommet de son art, qu'il a su théoriser avec passion et pédagogie (inspirant d'autres "artistes-professeurs" comme Scott McCloud). Son travail respire la liberté et est d'une fabuleuse audace.

Tel un acrobate, il accomplit des figures sans filet et s'affranchit de toutes les limites : la planche devient un espace où tout est possible, où les vignettes explosent pour devenir des séquences d'une fluidité époustouflante.

Ci-dessus, il transforme ainsi la page en une façade d'immeuble où les cases sont remplacées par le cadre d'une fenêtre ou l'entrée du bâtiment, théâtre d'une véritable nouvelle dramatique (une femme battue finit par tuer son époux avant d'être embarquée par des policiers). Une leçon de mise en page !

Eisner passe ainsi de "splash-pages" à des gaufriers ou se livre à des illustrations débordantes les unes sur les autres. Il croque des trognes inoubliables et irrésistibles, donne à ses personnages une gestuelle outrageusement expressive, emballe sa narration ou prend son temps, avec une économie de traits redoutable, à la fois superbe et fruste.

Un grand album, d'une densité et d'une souplesse exemplaires. L'oeuvre d'un maître en même temps qu'une histoire épique et toujours divertissante.

Critique 294 : LA VIE EST BELLE MALGRE TOUT, de Seth

2011-12-14T18:51:00.002+01:00

La Vie est belle malgré tout rassemble les épisodes 4 à 9 de la série Palooka-Ville, écrits et dessinés par Seth, publiés en 1998 par les Humanoïdes Associés.

Seth raconte comment, en collectionnant des bandes dessinées publiées dans la presse quotidienne et les magazines spécialisés, il découvre l'existence et l'oeuvre d'un artiste surnommé Kalo. Son oeuvre est brêve et fulgurante, et il semble avoir disparu au sommet de sa gloire, du jour au lendemain.
En parallèle à l'enquête qu'il mène sur Kalo, le narrateur flâne, passant chez sa mère et son frère Stephen, discutant avec son ami Chet, et rencontrant Ruthie avec laquelle il a une brêve liaison.

J'avais lu La vie est belle malgré tout il y a déjà quelques années et j'en avais gardé un bon souvenir, celui d'une bande dessinée à la mélancolie élégante. Je l'ai relu pour, entre autres choses, vérifier ce sentiment et me remémorer des passages que j'avais oublié, comme je le constatai en feuilletant l'album.
Je dois dire que j'ai à présent un jugement plus nuancé sur cette oeuvre et son auteur, qui ont les défauts de leurs qualités.
Seth produit une petite musique qui ne manque pas de charme et de raffinement, mais qui s'avère horripilante. Sa manière de juger la production bédestique moderne est particulièrement antipathique, partiale et injuste - grosso modo, tout ce qui est fait depuis les années 60 ne vaut rien. Cette attitude est d'un snobisme exécrable, que ne pardonne pas la nostalgie d'un âge d'or. La bande dessinée, quand on l'aime vraiment, doit être abordée avec un esprit ouvert et non avec ce passéisme qui idéalise les auteurs et leurs oeuvres comme les pièces d'un musée. C'est d'autant plus dommage que cela contredit de façon flagrante le discours d'un artiste qui prétend adorer le média dont il collectionne les éléments et dans lequel il s'exprime.
La meilleure partie du livre réside dans l'enquête, à la fois passionnante et dérisoire, sur le mystérieux et météorique Kalo : à la fin de l'album, on peut d'ailleurs découvrir les onze dessins qu'a pu dénicher Seth. La qualité du travail de cet artiste n'a franchement rien d'exceptionnel, c'est même pour tout dire très anecdotique, suranné, mais il y a quelques pépites spirituelles. En même temps, cela témoigne parfaitement de l'attachement irrationnel que n'importe quel fan de comics peut éprouver pour un auteur, de l'aspect obsessionnel des complétistes, et de la tradition bien particulière des dessinateurs collaborant pour la presse quotidienne et les magazines (dont Sempé pourrait être l'archétype absolu).
Dans cette quête, on peut deviner aussi que Seth cherche un double fantasmé, dont la rareté nimbe d'un halo irrésistible la production. L'époque où Kalo s'est fait connaître agit comme une plus-value puisque les années 50 représente encore aujourd'hui une période propice à un sommet du raffinement. Cela répond au manièrisme affiché par Seth, qui est toujours vêtu comme un dandy de l'après-guerre, écoute du vieux jazz et rejette absolument la modernité, qu'il considère comme une déchéance. Ce côté désabusé est à la fois amusant et agaçant, mais tant qu'il parle de bande dessinée, cela reste sympathique.

Là où ça devient fatiguant et énervant, c'est quand, sous le couvert de la nostalgie, Seth se répand complaisamment sur ses échecs amoureux pathétiques, son point de vue condescendant à l'extrème sur sa famille et les gens en général (son frère est décrit comme un abruti, les personnes qu'il observe comme des créatures dégénèrées, la femme avec qui il entame une relation indigne d'intérêt - d'ailleurs, l'évocation de leur rupture souligne le mépris avec lequel il la considère).
Se dépeindre comme un dépressif chronique, au comportement minable, se vautrant dans l'auto-dénigrement permanent, ne fait pas de soi un individu plus honnête ou lucide, cela a plutôt l'effet pour le lecteur de suivre les pérégrinations d'un geignard qui cherche à se rendre sympathique en se présentant sous un mauvais jour et qu'on devrait plaindre en lui souhaitant de tirer les leçons de ses coupables négligences (à titre de comparaison, Mazzuchelli ne faisait pas d'Asterios Polyp un homme plus avenant mais il finissait par en payer le prix et surtout par changer vraiment, là où Seth reconnaît ses défauts tout en en trouvant encore plus chez les autres).

Le dessin est à l'image du propos : les influences de l'artiste sont manifestes, et il se représente d'ailleurs à plusieurs reprises en train (d'essayer) de recopier des illustrations d'autres graphistes. C'est un adepte de la ligne claire, et ses images dégagent une poésie certaine parfois (des planches muettes avec des décors urbains ou hors de la ville, souvent sans personnages).
Mais Seth n'a pas la sensibilité de Dupuy et Berberian, son trait manque de texture, ses personnages ont une expressivité très limitée. Son récit dont le fond comme la forme ressemble à celui d'un journal manque cruellement de vie, et la simplicité de son style joue contre le sentiment d'intimité que devrait produire son propos.
Là où Kalo réussissait en une image à traduire une idée pleine de malice de manière économique, Seth souffre d'un côté élève appliqué dont le dessin manque d'âme : c'est clairement la limite de cette "école" d'auteurs modernes nourris au lait d'Hergé mais dont très peu ont su tirer autre chose qu'une copie froide.

La vie est belle malgré tout est au diapason de son glossaire final : une plongée atypique dans une certaine forme de bande dessinée par un auteur curieux, mais aussi horripilant par son côté pontifiant et sectaire.

Critique 293 : CAPTAIN AMERICA, BOOK 10 - THE TRIAL OF CAPTAIN AMERICA, d'Ed Brubaker, Daniel Acuña et Butch Guice

2011-12-10T18:13:00.003+01:00

Captain America, book 11 : The Trial of Captain America rassemble les épisodes 611 à 615 de la série, écrits par Ed Brubaker et dessinés par Daniel Acuña (#611) et Butch Guice (#612-615), publiés en 2010-2011 par Marvel Comics.

Depuis que Bucky Barnes a endossé le costume et le nom de Captain America, il a pu mesurer la difficulté d'une telle responsabilité en devant gagner le respect de l'opinion publique, des Vengeurs, et en affrontant les ennemis de Steve Rogers. Sa dernière bataille en date l'a opposé au fils du Baron Zémo, qui l'a habilement piégé en dévoilant publiquement son passé de tueur à la solde de services secrets russes sous le pseudonyme du Soldat de l'Hiver.

Cette révèlation séme rapidement le trouble au sein des Vengeurs (seuls Rogers, Tony Stark, le Faucon et la Veuve Noire étaient au courant), dans les médias et la population. Le président des Etats-Unis est obligé de plier et exige de Rogers que Barnes comparaisse devant un tribunal pour décider s'il a agi pour le KGB en étant conscient de ses actes ou en étant manipulé mentalement. Bucky accepte d'être jugé par souci d'apaisement et pour faire face à son passé.

Mais l'affaire se corse lorsque le nouveau Master Man aide Sin, la fille de Crâne Rouge, à s'évader de l'asile psychiatrique où elle est internée, pour attirer Bucky dans un traquenard qui achèvera de brouiller sa réputation...

Cette histoire se déroule avant la saga Fear Itself, durant laquelle le sort de Bucky Barnes connaît un tournant encore plus décisif. Mais ces épisodes, parmi les derniers avant le relaunch de la série (il reste encore un arc), indiquent déjà la direction qu'Ed Brubaker souhaitait imprimer à son héros et ses aventures.

On peut même affirmer que ce qui se joue dans Fear Itself pour Bucky a été inéluctable car Brubaker n'a jamais ménagé son personnage depuis qu'il l'a ressucité au tout début de son run sur la série.

Le tour de force du scénariste aura certes été d'oser ramener, avec succès (aussi bien critique que commercial et en gagnant les fans à son idée), le sidekick de Steve Rogers, mais si l'on y réfléchit bien, ce retour a été jalonné d'obstacles : d'abord amnésique, Bucky a dû ensuite naviguer en eaux troubles (avec la complicité de Nick Fury, lui-même dans le maquis) pour se venger de ceux qui l'avaient manipulé, puis il a perdu son mentor (après Civil War) et s'est employé à récupérer son symbole. Cela l'a conduit à négocier avec Tony Stark, à l'époque devenu le super-flic des Etats-Unis, et a hériter du rôle de Captain America. Puis, comme tous les héros, il a agi dans la clandestinité durant le "Dark Reign" avant de retrouver Rogers durant le Siege d'Asgard. Confirmé à son poste, il a alors dû empêcher un fou furieux surgi du passé de salir le symbole de Captain America, et finalement c'est le fils du Baron Zémo (façon cruelle de boucler la boucle dans un parcours d'héritier) qui a précipité sa chute.

Ed Brubaker a donc insisté, particulièrement depuis que Bucky est devenu Captain America, sur le doute : doute du personnage à être digne de ce rôle, doute de ses partenaires et de son mentor à remplir sa tâche, doute de l'opinion devant ce remplaçant, et maintenant doute concernant son passé. Bucky n'est en quelque sorte revenu que pour mieux tomber et le fait qu'il soit jugé, en bonne et dûe forme, était donc inévitable (même si son calvaire n'est pas terminé).

Bien sûr, on peut juger que cette déchéance était programmée pour préparer le retour de Rogers au premier plan et que le plan de Brubaker a suivi celui d'une logique plus commerciale que purement artistique. Mais Brubaker a été le premier surpris, comme il l'a avoué en interview, du succès du retour de Bucky et de sa promotion, Rogers ne devant pas être "mort" si longtemps. Il est, de fait, parvenu avec Bucky à (re)créer un personnage de premier plan, apprécié du public et de la critique, alors que Marvel (comme DC) n'a guère créé de nouvelles icones depuis longtemps (chez Marvel, il faut remonter à Deadpool, et avant Elektra, le Punisher ou Wolverine).

Dans cet arc, Bucky est donc traduit en justice et son cas divise : qu'il ait été manipulé dans le passé ne fait pas de doute, mais il a commis des actes répréhensibles indéniables, qui le rendent indigne de porter le nom et l'emblême du pays qu'il représente désormais. Au procés proprement dit, Brubaker accorde une place honorable, sans plus, en insistant surtout sur les témoignages à charge - c'est un peu dommage et étrange, car on pouvait attendre un défilé d'amis de l'accusé. En parallèle, les manigances de Sin et de Master Man sont presque plus conséquentes, mais, curieusement, le dénouement manque d'intensité. Le vrai final a lieu à la toute dernière page avec un rebondissement à la fois sombre et accrocheur.

Il est évident que Brubaker a déjà son plan pour après Fear Itself (et l'annonce d'une série Winter Soldier en 2012 l'a depuis confirmée), mais il a eu à coeur de boucler proprement le dossier avant le relaunch (avec le retour de Rogers au premier plan et renumérotation à la clé - dans le droit fil de l'adaptation cinéma de 2011). Du coup, tout ça manque un peu de nerf et de surprise, sans être désagrèable à lire, mais confirme quand même que la période Bucky/Cap n'aura pas été si forte que prévue.

La partie graphique de la série semble également témoigner du flottement ambiant. En gros, depuis l'époque Epting-Perkins (le début du run de Brubaker donc), tout en conservant une qualité enviable, le titre manque de stabilité esthétique.

Récemment, l'arrivée de Butch Guice lui a redonné du souffle et de l'allure : l'artiste signe ici quatre des cinq épisodes de cet arc et son style enlevé, dynamique et racé, fait merveille. Dommage cependant qu'il n'ait pas à sa disposition un encreur régulier : si Stefano Gaudiano l'épaule efficacement, Mark Moralés (un "ligneur" plus classique et rigide) lui convient moins, et les concours parsemés d'autres partenaires (comme Tom Palmer, Rick Magyar) produisent des effets parfois maladroits.

L'espagnol Daniel Acuña réalise le premier épisode, dans son registre habituel, très coloré, et surprenant pour une série qui a toujours cultivé les ambiances sombres, entre série noire et spy-stories. Appliqué à une histoire particulière, cela n'aurait pas été si troublant, mais là, c'est un peu déplacé.

Un arc irrégulier, à l'image de la série, en quête d'un deuxième souffle.

Critique 292 : LES SENTIERS DE LA PERDITION, de Max Allan Collins et Richard Piers Rayner

2011-12-08T18:35:00.002+01:00

Les Sentiers de la Perdition (Road to Perdition en vo) est un récit complet écrit par Max Allan Collins et dessiné par Richard Piers Rayner, publié en 1998 par Paradox Press, un label de DC Comics, et traduit en 2002 par Delcourt.

Dans les années 30, Michael O'Sullivan est le plus efficace et fidèle tueur du caïd John Looney. Marié et père de deux fils, celui que l'on surnomme "l'ange de la mort" fait le plus souvent équipe avec Connor, le fils unique de Looney, un désaxé, maniaque de la gachette.

Une nuit, ils vont "raisonner" un des associés de Looney père mais la situation dégénère et s'achève dans un bain de sang dont est témoin un des fils de O'Sullivan, Michael Jr. "L'ange" obtient de Connor qu'il lui laisse la vie sauve, se portant garant qu'il ne parlera à personne de ce qui s'est passé.

Pourtant, John Looney trahit son tueur en l'envoyant régler une affaire, profitant de son éloignement pour faire tuer par Connor la femme et l'autre fils de "l'ange". Seul Michael Jr survit et va dès lors accompagner son père dans une terrible vendetta. Dans un premier temps, la mafia, Al Capone le premier, décide de protéger les Looney pour préserver leur business, mais O'Sullivan est déterminé et implacable. Il négocie même avec le FBI et Elliott Ness pour faire tomber son ancien patron, concentrant ensuite ses efforts pour localiser Connor et le supprimer...

J'avais lu une première fois ce roman graphique il y a quelques années et le résultat m'avait impressionné. Puis j'ai ensuite découvert l'adaptation cinématrographique dont il a fait l'objet en 2002, réalisée par Sam Mendes (American Beauty), avec Tom Hanks, Paul Newman et Jude Law (transposition décevante, disons-le).

La relecture de cet ouvrage volumineux (plus de 280 pages) était l'occasion de vérifier mon sentiment initial, et je n'ai pas été déçu, appréciant sans doute mieux certains éléments, après avoir "digéré" de nombreux romans policiers et beaucoup d'autres bandes dessinées depuis.

Le scénariste Max Allan Collins est un auteur aguerri à la série noire : né en 1948, il a signé quantité de romans, "novellisations" et scripts pour le 9ème art, mais Road to Perdition (titre plus pertinent et riche que sa traduction française puisque Perdition évoque aussi bien le destin du héros que le village où habitent ses beaux-parents, lieu qui verra la conclusion du récit) reste sans doute son ouvrage le plus connu. Il a d'ailleurs ajouté deux spin-off à ce tome, avec la collaboration au dessin de José Garcia-Lopez et Steve Lieber.

La narration est un modèle de nervosité et d'âpreté : découpé en trois chapitres (de presque cent pages chacun), le récit est d'abord un long réglement de comptes, abondant en gunfights spectaculaires. La trame est donc simple et ne se perd pas dans une intrigue complexe, son laconisme la rapproche en fait d'une autre adaptation récente de romans noirs, celle de Parker de Richard Stark par Darwyn Cooke (où l'on retrouve la même structure d'un loner contre une organisation entière).

Néanmoins, cette épure ne fait pas l'économie d'une ambiance très soignée et intense, souvent nocturne, sous la pluie ou dans des paysages enneigés, se partageant entre des séquences urbaines ou dans la campagne proche du western de l'Amérique des années 30. D'ailleurs, Road to Perdition pourrait très bien être un western ou récit médiéval à cause de son aspect brut de décoffrage, quasiment intemporel.

L'atmosphère se fait presque fantastique quand on songe à la manière dont O'Sullivan réussit à se sortir de toutes les fusillades qu'il provoque : il n'est pas tant invulnérable (comme le dit son fils, le narrateur, ce n'est ni un saint ni un boucher, mais un homme rongé par le doute, profondèment religieux) que transcendé par sa mission. Ce type de personnage ne peut qu'évoquer les silhouettes spectrales et impitoyables campées au cinéma par Clint Eastwood, dans des classiques comme L'Homme des Hautes Plaines ou Pale Rider.

Par ailleurs, enfin, Collins s'est sérieusement documenté sur l'époque : il décrit parfaitement la Prohibition comme une période de corruption absolue, avec des caïds plus proches de bureaucrates solidaires que de criminels primaires, et la présence de figures historiques authentiques comme Al Capone et Elliott Ness contribue encore à donner du relief à cette tragédie pétaradante et aux dialogues claquant comme des détonations.

Une grande bande dessinée est remarquable par son écriture acérée mais aussi par un graphisme réellement exceptionnel, et Richard Piers Rayner est un artiste peu commun.

Le noir et blanc n'exige pas seulement d'un dessinateur une technique sans faille, où l'image doit exister sans des couleurs bien appliquées, elle nécessite des parti-pris souvent radicaux qui viendront à la fois souligner les points forts de la narration tout en portant l'oeuvre entière vers des cîmes visuelles.

Rayner emploie des contrastes intenses, avec des noirs profonds, mai surtout en jouant sur le blanc de la page pour créer des éclairages violents. Son trait est fondé sur un usage de croisements de lignes, de hâchures à la fois strictes pour les décors et plus nerveuses pour les personnages. Le résultat est franchement saisissant.

On notera au passage que, pour des plans rapprochés, Rayner donne à O'Sullivan le visage de Montgomery Clift, un choix à la fois troublant et judicieux puisque le comédien était spécialisé dans les compositions de personnages tourmentés.

Le découpage est élémentaire : une majorité de planches en trois ou plus souvent quatre cases d'égale valeur et des splash-pages surgissant comme de spectaculaires ponctuations. Cette économie de plans confère à l'histoire un rythme soutenu, haletant, et on dévore les 280 pages du livre.

Un comic-book percutant, à ne pas manquer !

Critique 291 : MOUSE GUARD - FALL 1152, de David Petersen

2011-12-06T17:55:00.001+01:00

Mouse Guard : Fall 1152 est un récit complet en six épisodes écrit et dessiné par David Petersen, publié par Archaia Studio Press en 2007.

Les Légendes de la Garde (en vf) se déroulent au Moyen-Âge et une cartographie détaillée de la région imaginaire où se passe l'histoire de cet Automne 1152 nous montre les villes fortifiées et ses différents corps de métier. La Garde elle-même forme l'élite des chevaliers du peuple de souris, et nous suivons la mission de trois des ses meilleurs membres : Saxon, Kenzie et Lieam.

Les souris vivent en autarcie et dans le secret pour se protéger des nombreux prédateurs de la nature environnante. Le récit débute après la victoire des souris en hiver contre le tyran Furet, il y a trois ans. Les trois héros sont lancés à la recherche d'un marchand disparu dont ils vont découvrir qu'il a trahi leur peuple en transmettant des informations stratégiques sur leur organisation : c'est ainsi que va être mise à jour une conspiration visant à détrôner Gwendolyn, le chef de la Garde...

Mouse Guard est une oeuvre atypique comme la bande dessinée américaine en regorge quand on s'aventure hors des sentiers battus des comics super-héroïques. A première vue, mais les apparences sont trompeuses, il s'agit d'un livre pour enfants, avec ces charmantes petites souris. En vérité, c'est une transposition dans le monde animal des récits chevaleresques, avec une intrigue politique, non dénuée de cruauté.

En France, l'oeuvre de David Petersen a eu les honneurs d'une traduction publiée par la vénérable maison Gallimard et l'album a un format à l'italienne qui confirme sa singularité. Ce format indique un découpage particulier avec des planches qui ne comportent guèrent plus de 3 ou 4 cases et régulièrement des splash-pages, donnant un rythme soutenu à la lecture. L'alternance de vignettes horizontales et verticales, de plans généraux et des gros plans impactent aussi le tempo du récit de manière à la fois radicale et efficace : les 160 pages de l'album passent comme une lettre à la poste.

Le scénario est au diapason de la mise en images : la douceur supposée du projet cache une trame dont ne sont pas exemptes des scènes violentes et mémorables (comme des combats contre un serpent ou des crabes), et les personnages n'en sortent pas tous indemnes.

L'ambiance est aussi soigneusement traduite et la cruauté se teinte d'une mélancolie tenace, confirmée par l'épilogue qui résume les conséquences des évènements sur ses protagonistes.

Petersen a eu visiblement à coeur de bien planter son univers en agrémentant son histoire d'appendices comme une carte des territoires habités par les souris, des documents sur la ville de Blarkstone, de ses artisans (maçon, charpentier, potier, meunier, boulanger..., ou encore un petit cahier digne des eluminures d'époque résumant le destin de la Hâche Noire, le plus valeureux des membres de la Garde.

Chaque chapitre s'ouvre par texte recontextualisant les évènements et quelques vers bien tournés ("La mort est une arme puissante / Comme elle est une fuite facile / Les héros deviennent des légendes / Les légendes deviennent les mythes / Les mythes créent de nouveaux héros" - Dernières paroles connues de la Hache Noire, héros légendaire de la Garde).

Un album étonnant, très efficace et original, une expérience singulière.

Critique 290 : JSA BOOK 7 - PRINCES OF DARKNESS, de Geoff Johns, Leonard Kirk, Sal Velluto et Don Kramer

2011-12-02T17:29:00.004+01:00

JSA Booke 7 : Princes of Darkness rassemble les épisodes 46 à 55 de la série, écrits par Geoff Johns et David Goyer (jusqu'au #51) et dessinés par Sal Velluto (#46), Leonard Kirk (#47-51, 55) et Don Kramer (#52-54), publiés en 2003 et 2004 par DC Comics.

- Princes of Darkness (JSA #46-51) : l'histoire démarre sur les chapeaux de roue avec l'attaque de Mordru, qui a pris possession de l'enveloppe physique du Dr Fate, contre la JSA. Il neutralise facilement les plus puissants membres de l'équipe (Sentinel, Thunderbolt, Shazam) en étant aidé par Eclipso et Obsidian, le fils d'Alan Scott/Sentinel, à nouveau en proie à une crise de démence.

La JSA bat le rappel des troupes : avec le concours d'autres héros (comme les Freedom Fighters), elle tente de contenir des émeutes provoquées par l'organisation terroriste Kobra tandis que, dans les ténèbres et la dimension magique de l'amulette du Dr Fate, Hector Hall, guidé par son mentor Nabu, prépare la contre-attaque.

Le conflit prend une tournure dramatique lorsqu'Alan Scott, réchappant in extremis à la mort, doit maîtriser Obsidian...

- Brand New Day - Blinded (JSA # 52-53) : ce dyptique dénoue le subplot (datant de JSA Book 5 : Stealing Thunder) impliquant la nouvelle incarnation du Crimson Avenger. Cette jeune femme, en possession de deux pistolets magiques avec lesquels elle abat les coupables de crime toujours en liberté, en a après Wildcat. Mais qu'arrivera-t-il si, pour une fois, la culpabilité de sa cible n'est pas évidente ? Ted Grant va devoir compter sur les neuf vies d'un chat dont il a héritées - et beaucoup de persuasion - pour se se sortir de ce mauvais pas...

- Virtue, Vice and Pumpkin Pie (JSA #54) est un épisode spécial pour célèbrer Thanksgiving, l'occasion pour la JLA et la JSA de se réunir. Hawkman et Green Arrow se châmaillent pour une cuisse de dinde, et Batman se méfie de la tranquillité de cette soirée...

- Be Good for Goodness Sake (JSA #55) est un autre numéro spécial, cette fois-ci pour fêter Noël. Les vétérans de la JSA (Sentinel, Flash, Wildcat et Hawkman) vont solliciter les services d'une vieille amie, Ma Huncle...

Il y a vraiment quelque chose d'unique dans ces épisodes de JSA (comme plus tard, lors du relaunch de la série, retitrée Justice Society of America) dans la mesure où son scénariste principal, Geoff Johns, s'y montrait sous son meilleur jour, pas encore dévoré par toutes les facilités dont son écriture souffre depuis. Son partenariat avec David Goyer (qui faisait, lors de cet arc, ses adieux à la série, après avoir co-rédigé plus de 50 "issues") devait y être pour quelque chose, ce dernier jugulant sans doute la fougue de Johns (chez qui on voit poindre quelques défauts devenus récurrents, comme une violence gratuite et inutile ou la platitude des dialogues).

Par ailleurs, dans la série JSA, Geoff Johns semblait s'exercer à la discipline du crossover, tout en faisant preuve de plus de maîtrise que sur les sagas évènementielles qu'il a depuis pilotées (comme Infinite Crisis ou Blackest Night). En effet, il y a là un foisonnement de péripéties, de rebondissements, de séquences spectaculaires, dignes d'un event mais beaucoup mieux répartis.

En vérité, ce qui distingue le Johns de JSA de celui de Green Lantern et des crossovers récents, c'est l'affection qu'il porte pour les personnages et la force du thème fondateur de la série (l'héritage et ses affres). A bien des égards, cette équipe géante de super-héros ressemble à une armée mexicaine, un mélange improbable d'éléments très anciens et plus récents de la continuité DC, mais le script exploite avec habileté la dynamique du groupe, en rapprochant certains membres (comme Stargirl et Billy Batson/Shazam) ou en opposant d'autres (comme Alan Scott et Obsidian - même si la récurrence de la menace représenté par ce dernier était un peu abusive).

Paradoxalement, alors qu'il est devenu un auteur renommé, jusqu'à être un des (sinon LE) pilotes de l'écurie DC, en présidant à la destinée de titres avec un seul héros (comme Green Lantern et Flash), Johns me paraît meilleur quand il est à la manoeuvre avec une série d'équipe, sans lésiner sur un casting pléthorique, avec une formule d'event permanent en quelque sorte (et la JSA sauvant quasiment le monde à chaque aventure se prêtait parfaitement à cela).

Après l'arc Princes of Darkness, épique à souhait (à la limite de la rupture), la suite du programme de ce recueil est plus ordinaire mais sans être dénué d'intérêt : un subplot lancé de longue date (avec Crimson Avenger) y trouve son dénouement avec une histoire très efficace ; la fête de Thanksgiving offre un clin d'oeil malicieux au grand classique JLA-JSA : Vice and Vertue (par Goyer-Johns-Pacheco), et le numéro de Noël est assez touchant.

Graphiquement, la série bénéficiait alors de son meilleur artiste avec Leonard Kirk, qui signe cinq des six épisodes de l'histoire principale plus le n° spécial Noël. Encré par Wade Von Grawbadger (le partenaire d'Immonen) et Keith Champagne, son trait vif et élégant donne une belle allure à cette collection, après l'arc Stealing Thunder.

Il est bien dommage que Kirk n'ait pas été le dessinateur régulier de la série.

Don Kramer s'occupe des trois épisodes avec Crimson Avenger et Thanksgiving. Le résulat est assez plat et souffre de la comparaison avec Kirk.

Sal Velluto, encré par Bob Almond, ouvre le bal, dans un style chargé, assez pénible (d'autant que la colorisation n'est pas réussie -mais c'est le point noir de tout l'album, tout comme la pauvre qualité du papier de ces recueils softcovers...).

Un des meilleurs volumes de la série, qui a aussi valeur de document pour ceux qui regrettent que Geoff Johns ait à la fois abandonné ce titre et ait sombré dans des productions moins attachantes.

Critiques 289 : REVUES VF DECEMBRE 2011

2011-12-02T17:23:00.010+01:00

Marvel Heroes 11 :

- Les Vengeurs 12.1 : Le Chevalier de l'Espace. Spider-Woman, en mission secrète pour le S.W.O.R.D. (l'équivalent du S.H.I.E.L.D. pour les menaces aliens), découvre une armure au fond d'une grotte. Mais celle-ci est également convoîtée par l'Intelligentsia, ce groupuscule de vilains mené par le Penseur Fou et le Sorcier (avec M.O.D.O.K., le Fantôme Rouge, Klaw...) qui kidnappe la super-héroïne. L'Agent Brand, sa supérieure, demande alors l'aide des diverses équipes de Vengeurs pour retrouver son employée et leur amie. Ils retrouvent facilement sa piste mais vont se retrouver face-à-face avec une vieille (et désagrèable) connaissance...

Cet épisode spécial, plus long que d'habitude (une trentaine de pages), était originellement conçu dans le cadre de l'opération ".1" par laquelle Marvel voulait offrir à de potentiels nouveaux lecteurs une entrée facile pour leurs séries-phares. Brian Bendis s'acquitte de la tâche avec une malice certaine puisqu'il en profite aussi pour poser la base d'une future saga (dans le cadre d'une future opération baptisée... "Point One"), à paraître dans quelques mois.

Pour la peine, le scénariste convoque un impressionnant aéropage de héros, mais sans s'en servir complètement (en prévision pour la suite ?). Néanmoins, l'histoire est efficacement menée et sa conclusion promet un second acte spectaculaire, avec le retour d'un vieil ennemi des Vengeurs.

L'autre "attraction" de cet épisode est la présence au dessin de Bryan Hitch, qui fait à nouveau équipe avec Bendis (après le "Finale" de New Avengers, volume 1, et avant le futur "Point One"). Encré par Paul Neary (comme à l'époque glorieuse des Ultimates), l'artiste livre des planches puissantes, sans toutefois retrouver toute son explosivité d'antan (mais Hitch l'a retrouvera-t-il jamais ?).

- Les Vengeurs 13 : Fear itself (1). A travers une succession rapide de témoignages de divers Vengeurs, et à plusieurs époques différentes, les héros font le point sur leur rôle social, leur valeur symbolique, mais aussi sur l'impact des évènements de la saga Fear Itself. Et entre quelques moments légers, la gravité finit par l'emporter, suggérant que le conflit a laissé des traces profondes et durables...

Dans cet épisode annexe à la saga Fear Itself - un des rares events qu'il n'a pas écrit -, Bendis doit tenir compte d'une histoire impliquant ses personnages sans trop en dire mais en faisant comprendre que la situation (individuelle ou plus générale) de ses héros est impactée.

Le moyen auquel a recours Bendis est particulièrement habile et nécessite une certaine attention car il rappelle des scènes du passé (visibles au costume porté par l'un ou l'autre - comme Captain America/Steve Rogers), du présent et du futur, via une série de témoignages. Il ponctue ces vignettes par une séquence dans les ruines d'Asgard, juste avant qu'Odin n'ordonne à ses sujets de quitter la Terre : c'est l'occasion de mettre en scène le rapprochement entre deux membres de l'équipe, amené à se développer.

Le dialogue est brillant et le rythme imparable tout en conservant à l'épisode une étonnante densité.

Au dessin, Chris Bachalo, dont je suis pourtant loin d'être un fan, livre une copie inspirée, visiblement bien guidé par un script détaillé. Lorsque ses délires visuels sont contenus, cet artiste peut encore produire des planches intéressantes et lisibles (même s'il lui manque un grand encreur, comme à l'époque où Mark Buckingham l'assistait sur Death ou Génération X).

- Loki (Journey into Mystery 622) : Voyage vers l'inconnu (1). Réincarné dans le corps d'un jeune voyou adolescent, Loki a donc recouvré la vie et une partie de sa mémoire grâce à Thor, après avoir été exécuté par Sentry (lors de la saga Siege). Il va découvrir de nouveaux secrets et une nouvelle voie à suivre grâce à une série d'énigmes, tout en s'efforçant de regagner le confiance des asgardiens - et alors qu'Odin ordonne le retrait de ses sujets de la Terre...

La série Thor s'apprêtant à un nouveau relaunch (sous le titre Mighty Thor, par Matt Fraction et Olivier Coipel) et déménageant dans une nouvelle revue ("Avengers", à partir de Janvier 2012), "Marvel Heroes" accueille donc le titre "historique" Journey Into Mystery où apparut le dieu du tonnerre... Mais dont Loki est devenu la vedette.

Le dieu du mensonge a à présent l'apparence d'un adolescent et son statut reste mystérieux : va-t-il continuer à comploter contre Asgard, dont il a provoqué la chute dans la saga Siege ? Ou profiter de cette nouvelle incarnation, particulièrement inattendue, pour vraiment changer (et si oui, dans quelle mesure, à quelle fin) ?

Cet épisode écrit par Kieron Gillen (qui avait brièvement succédé à J. Michael Straczynski sur Thor) est une divine surprise et donne vraiment envie de suivre cette série. L'écriture est étonnamment fluide et sophistiquée, le héros immédiatement accrocheur, et bien que le titre redémarre en étant attaché au crossover Fear Itself, l'intrigue est prenante car le point de vue est original.

Doug Braithwaite illustre, assisté par Ulises Arreola qui utilise une colorisation directe, dans une palette pastellisée de toute beauté. Le traitement graphique singulier participe pleinement au charme de l'entreprise sans être lourdement esthétisant.

Voilà une pépite à la traduction bienvenue !

- Captain America 616 : Ombres opaques. La pagination de la revue étant déformée par la taille de l'épisode spécial des Vengeurs, Panini a cru bon de boucler le sommaire par cette back-up de Captain America (dont la parution se déroule actuellement dans des hors-séries avant que la série ne s'installe, comme Thor, dans la nouvelle revue "Avengers").

Ce complèment de programme est totalement dispensable, surtout quand on découvre la nullité de son propos et la mocheté de ses dessins, toutes deux infligées par Howard Chaykin, dont on se demande pourquoi Marvel continue à l'employer.

Bilan : très positif - j'avais précipitamment abandonné cette revue (lui préférant, à tort, "Marvel Stars"), mais j'y reviens avec plaisir, et sinon pour de bon, en tout cas certainement pour un bon moment.

Marvel Icons 11 :

- Les Nouveaux Vengeurs 12 : Infinité (4). De nos jours, les Nouveaux Vengeurs s'apprêtent à interroger un membre du HAMMER qu'ils ont capturé tandis que Mockingbird est à l'hôpital dans un état grave...

En 1959, les Vengeurs de Nick Fury affronte Crâne Rouge et le Captain America qu'il a créé...

Ce nouvel épisode confirme que cet arc est décevant et décousu : Brian Bendis échoue à donner de la tension à son double récit, entre passé et présent, et le lien entre les deux époques n'est toujours pas révèlé - sans qu'on n'attende quoi que ce soit. On peut raisonnablement penser qu'il s'agit de l'histoire la plus faible depuis le tout début de la série, et même les dialogues manquent d'inspiration.

Graphiquement, c'est d'autant plus pénible que, ce mois-ci, il y a plus de planches réalisées par Howard Chaykin que par Mike Deodato. Que dire de plus ? Rien sinon que j'ai hâte que cette saga se termine.

- Iron Man 502-503 : Régénération (2-3) + Comment j'ai rencontré ta mère + Prologue. En découvrant qu'Iron Man affrontait le Dr Octopus (ennemi peu usité dans cette série, il s'agit davantage d'un adversaire historique de Spider-Man), je me suis penché sur ces deux épisodes.

Surprise : ce n'est pas désagrèable, avant tout parce que Matt Fraction boucle rapidement son affaire, ce qui rompt avantageusement avec ses arcs interminables.

Doc Ock menace de faire sauter une bombe nuclèaire si Stark ne le guérit pas de ses lésions cérébrales, prétexte en vérité pour l'humilier en l'obligeant à admettre son infériorité intellectuelle.

Néanmoins, rien d'exceptionnel non plus : le dénouement manque cruellement d'intensité, les dialogues de punch. Mais Fraction serait bien inspiré de continuer à concevoir des intrigues aussi courtes.

Marvel, lui, serait bien inspiré de dégager Salvador Larroca, dont les dessins sont toujours aussi accablants.

Deux appendices agrèmentent le programme : 9 pages dessinées par Chaykin (encore !... Hélas !) et 7 par Barry Kitson, qui annocent la publication du spin-off Iron Man 2.0 (avec War Machine en vedette), et qui sera publié dans un hors série. Tout cela est complètement dispensable et seulement édité pour assurer la pagination habituelle de la revue, dont le sommaire est toujours altéré.

- Les Quatre Fantastiques : Oncles. Cette back-up à l'épisode 588 (le dernier de la série régulière) met en scène Spider-Man et Franklin Richards, qui ont désormais en commun d'avoir tous deux perdu leur oncle (Ben pour le premier, Johnny Storm pour le second).

Jonathan Hickman réussit à écrire une annexe simple et touchante, sobrement dialoguée, qui tranche avec bonheur avec ses scripts ampoulés et mous. Comme Fraction, il gagnerait fortement à miser sur des histoires centrés sur les personnages et moins sur des intrigues au long cours.

Mark Brooks illustre ceci très joliment, avec une belle colorisation de Paul Mounts.

Bilan : la revue traverse un creux, entre sommaire anarchique et séries peu inspirées. Espérons que le prochain arc de New Avengers (en Fèvrier) et l'arrivée de la nouvelle série FF (le mois prochain) vont remonter le niveau.

Spider-Man Hors-Série 36 :

- La Chatte Noire : Chasseurs de trophées (1-4/4). La Chatte Noire croise lors d'un cambriolage dans un musée un autre voleur qui va bientôt la faire chanter en l'obligeant à commettre des vols sinon il exécutera sa mère. Felicia Hardy découvre progressivement que les commanditaires du maître-chanteur sont la famille Kraven en train de comploter contre Spider-Man...

Cette mini-série a été publiée d'Août à Décembre 2010 (le dernier épisode paraissant deux mois après le troisième) en parallèle à la saga Grim Hunt (Chasse à mort en vf, écrite par Joe Kelly et dessinée par Michael Lark et Marco Checchetto) de la série Amazing Spider-Man. On y trouve en effet une partie de la toile de fond, avec les Kravinoff préparant le sacrifice du Tisseur pour ressuciter Kraven le chasseur. Pourtant, ces éléments ne gênent en rien la compréhension de cette histoire.

Jen Van Meter anime avec habileté la créature créée par Marv Wolfman et Keith Pollard en 1979 : Black Cat était à l'origine un vague décalque de la Catwoman de DC, mais le personnage a traversé régulièrement les aventures de Spider-Man avec qui elle entretient une relation à la "je t'aime, moi non plus" piquante et parfois dramatique (comme dans des épisodes des années 80 écrits par Roger Stern ou plus par Kevin Smith).

La dualité de l'héroïne est bien exploitée dans ce récit où ses talents de voleuse qui porte la poisse à ses adversaire lui permettent de sortir sa mère d'un mauvais pas. Le scénario est rythmé, avec de l'humour, une voix-off sobre et des dialogues bien troussés.

Les dessins sont le fait de Javier Pulido, talentueux espagnol, trop discret (il a signé de superbes épisodes de Human Target chez Vertigo et assisté Marcos Martin sur Spider-Man). Son style épuré et élégant convient parfaitement à cette histoire, et même quand il est épaulé par Javier Rodriguez (sur les dernières pages des épisodes 2 et 3), la différence est quasi-imperceptible. La colorisation de Matt Holligsworth (et Javier Rodriguez sur l'épisode 3) est au diapason, simple et sobre.

Bilan : très positif - on peut remercier Panini d'avoir, malgré le décalage avec la revue "Spider-Man", édité cette mini-série rafraîchissante.

Ultimate Spider-Man 11 :

- Ultimate Spider-Man 155-157 : La mort de Spider-Man (Prélude 3 + Pt 1-2). J. Jonah Jameson, qui connaît désormais la double identité de Peter Parker, accepte de le réintégrer au Daily Bugle en échange de l'exclusivité sur ses photos quand il agira sous le masque de Spider-Man. Après avoir retrouvé, lors d'une bagarre contre des malfrats, Kitty Pryde, Peter l'invite chez sa tante May où celle-ci et ses locataires (Bobby Drake/Iceberg, Johnny Storm/la Torche, Mary-Jane Watson...) ont préparé une fête pour son 16ème anniversaire.

Peu après, Norman Osborn/le Super-Bouffon réussit à s'évader du Triskelion et entraîne avec lui Electro, l'Homme-Sable, Kraven le chasseur, le Vautour et le Dr Octopus. Spider-Man part à leur recherche sans les trouver alors que les deux équipes des Ultimates s'affrontent. Nick Fury a chargé le Punisher d'abattre Captain America durant le combat et le Tisseur décide de s'interposer...

La série entame sa dernière ligne droite avant son relaunch, et après un troisième prologue, Brian Bendis met en place les éléments qui vont décider du destin de son héros - destin qui s'annonce sombre, comme l'indique le titre de l'histoire et que vient confirmer la dernière page (saisissante) de l'épisode 657. Lorsqu'on sait que dans l'univers Ultimate, les personnages condamnés ne ressucitent pas, l'issue (annoncée clairement ici) compte finalement moins que les moyens d'y arriver.

Bendis affiche une forme dont la constance sur ce titre a de quoi épater même ses plus hargneux détracteurs. Le 3ème prologue en témoigne, merveille d'écriture intimiste où chaque dialogue sonne vrai, chaque situation est d'une justesse imparable. Pour ce chapitre, il est accompagné au dessin par Chris Samnee : le talent de l'artiste est connu (en tout cas pour ceux qui n'ont pas raté Thor the mighty avenger, par exemple) mais il n'empêche qu'il signe peut-être le plus bel épisode de toute la série (oui, même au-dessus d'Immonen et Pichelli). La subtilité de ses expressions, la fluidité de son découpage, l'élégance de son trait, tout enchante !

Puis, donc, l'intrigue de La mort de Spider-Man est engagée : Bendis mène son affaire tambour battant en convoquant les ennemis les plus emblématiques du héros mais aussi les Ultimates (officiels de Carol Danvers et clandestins de Nick Fury), dont la confrontation va impacter brutalement la trajectoire du Tisseur. La convergence attendue des deux récits (le sort des fugitifs et l'issue de la lutte entre les super-soldats) promet énormèment.

Mark Bagley, qui avait quitté USM (et peu après Marvel pour une aventure peu concluante chez DC) il y a quatre ans, renoue avec la série comme s'il ne l'avait jamais quitté. Encré par Andy Lanning, le dessinateur n'a rien perdu de sa vivacité et, même si, comme moi, on n'est pas toujours client de ce qu'il fait, il faut avouer qu'il est là comme un poisson dans l'eau.

Bilan : LA revue du mois - le récit est emballant et mis en image de manière imparable, avec mention pour la contribution (formidable et superbe) de Chris Samnee.

Critique 288 : AVENGERS-DEFENDERS WAR, de Steve Englehart, Bob Brown et Sal Buscema

2011-12-01T17:20:00.002+01:00

Avengers-Defenders War est un crossover entre les séries Avengers (#115-118) et Defenders (#8-11), écrit par Steve Englehart et dessiné par Bob Brown (pour les épisodes d'Avengers) et Sal Buscema (pour les épisodes des Defenders), publié en 1973 par Marvel Comics.

L'intrigue se joue autour du plan du démoniaque Dormammu pour conquérir l'univers. Sachant qu'il ne pourra manoeuvrer sans être repéré par le Dr Strange, il requiert l'aide de Loki, devenu aveugle après un énième combat contre Thor.

Pour réaliser son projet, Dormammu, profitant de l'infortune du Chevalier Noir, pétrifié par l'Enchanteresse et dont l'esprit erre dans l'au-delà, fait croire au Dr Strange, qui a localisé l'âme du héros, que pour le sauver, il doit rassembler les six pièces d'un instrument magique, l'Oeil du Mal.

Les Défenseurs se dispersent pour récupérer les artefacts mais doivent affronter les Vengeurs qui croient que le Chevalier Noir est prisonnier de Strange et que l'équipe de ce dernier entreprend de dominer le monde grâce à l'Oeil du Mal...

En 1973, Steve Englehart est aux commandes des séries consacrées aux Vengeurs et aux Défenseurs, et c'est durant un voyage en moto avec sa fille qu'il a l'idée de ce crossover. Roy Thomas, le mythique scénariste des Vengeurs dans les années 60, devenu editor, va superviser cet ambitieux projet, sorte de matrice pour toutes les grandes sagas comme Marvel en produit désormais annuellement (Fear Itself étant la dernière en date).

La différence majeure entre hier et aujourd'hui est que ces six épisodes sont "self-contained", et qu'il suffit de deux courts prologues de quatre pages, issus des deux séries, pour savoir où on est et où on va. A la fin de l'aventure, pas de grande révolution (si ce n'est quelques Défenseurs qui quittent l'équipe, mais leur départ était déjà dans l'air avant). On peut justement déplorer que les crossovers actuels n'aient pas conservé cette suffisance...

L'argument du récit n'est qu'un vague prétexte pour opposer quatorze personnages, mais la qualité et la diversité des combats constituent un régal. Nous avons ainsi droit à Dr Strange contre la Panthère Noire et Mantis dans un champ de maïs dans l'Iowa ; la Vision et la Sorcière Ecarlate contre le Surfeur d'Argent au coeur d'un volcan ; Iron Man contre Oeil-de-Faucon à Monterrey au Mexique.

Mais les deux meilleurs face-à-face sont entre Swordsman et Valkyrie dans un hommage évident au film de cape et d'épée, et Hulk contre Thor dans un clash dévastateur en centre ville.

Bien entendu, à la fin, les héros comprennent qu'on s'est joué d'eux et s'allient contre Dormammu, après que Loki, lui-même abusé, s'est retourné contre son partenaire (le dieu asgardien du mensonge n'a finalement pas mauvais fond : dans Siege, il permettra aussi aux gentils de tenir tête à Sentry...).

Cependant, l'ultime chapitre (l'épilogue) est bizarrement plus faible et gâche un peu le climax de l'histoire, même si Englehart a tenu (et c'est tout à son honneur) à "régler" le problème du Chevalier Noir.

Cela étant dit, cette saga fait quand même son âge et trahit l'époque à laquelle elle a été conçue : les dialogues sont souvent grâtinés, émaillés de ces exclamations impossibles que tous les scénaristes donnaient aux héros (la palme revenant à "par les hordes hirsutes d'Hoggoth" prononcée par le Dr Strange). Le rythme est infernal, sans aucun temps mort, ce qui est à la fois un avantage (car on ne s'ennuie pas et que certains raccourcis risibles passent mieux - comme lorsque le Surfeur d'Argent est incommodé par l'irruption d'un volcan, alors qu'il a dû subir bien pire quand il était le héraut de Galactus...) et une faiblesse (car cette succession de scènes intenses tourne à la surenchère absurde - ainsi voit-on Thor et Hulk, s'empoignant et suant à grosses gouttes avant que Vengeurs et Défenseurs surgissent pour leur faire comprendre que leur combat n'a pas lieu d'être. Cet enragé de Hulk n'y trouve pas à redire !).

La décompression narrative moderne a au moins eu le mérite de donner à ce genre de récits un découpage un peu plus nuancé.

La partie graphique est assurée par deux dessinateurs, qui, sans être de grands artistes, ont été des artisans efficaces et aux styles similaires, ce qui donne à la saga une certaine unité esthétique.

D'un côté, nous avons donc Bob Brown, moins inspiré que sur ses épisodes (plus tardifs) de Daredevil, mais qui a le privilège de s'occuper de deux des segments les plus intenses (le duel Swordsman-Valkyrie et la bataille des deux formations contre Dormammu).

De l'autre, il y a Sal Buscema, le légendaire dessinateur de Hulk et Rom le chevalier de l'espace, qui rend une copie pleine de vivacité, conforme à ce qu'on connaît de lui.

C'est également visuellement un peu daté, mais en même temps le graphisme (et ce qu'on en attend) a considérablement évolué.

Une saga historique, dont certains aspects kitsch ne doivent pas occulter l'énergie et le sens du spectacle.

LUMIERE SUR... BRIAN HURTT

2011-11-30T18:43:00.002+01:00

Brian Hurtt.

The Sixth Gun Promo art : Drake Sinclair et The Reverend.

The Sixth Gun Promo Art : Becky Montcrief et Missy Hume.

Trois séquences en 9 planches,

extraites de The Sixth Gun #7.

Death (commissionn art).

Jenny Sparks (commission art).

En quelques années, Brian Hurtt s'est fait remarquer par sa productivité et une progression artistique constante qui l'a conduit à devenir le dessinateur d'une des séries les plus épatantes de ces dernières années, le western fantastique The Sixth Gun, écrit par son complice Cullen Bunn.

Avec le même scénariste, Hurtt s'était déjà fait remarquer grâce à The Damned, où le surnaturel côtoyait le polar dans une histoire de voyou revenant employé par des mafieux démoniaques. Sa technique affirmée du noir et blanc, qui le situe dans une veine voisine de Chris Samnee, montrait un dessinateur à l'aise dans des ambiances expressionnistes que son trait souple nuançait agrèablement.

Avec Gary Phillips, spécialiste de la série (très) noire, Hurtt signa également Cowboys, un graphic novel bichromatique où son sens du storytelling, toujours au service du script sans chercher à en rajouter, faisait merveille.

Mais le plus surprenant reste que Brian Hurtt semble finalement plus influencé par la bande dessinée frano-belge car son dessin ne ressemble pas à ce qu'on a l'habitude de voir dans les comics mainstream américains. Il échappe au tout-venant du réalisme sans verser dans le cartoony, et comme Mike Wieringo ou Cameron Stewart, il est d'abord et avant tout un as du découpage, dont les vignettes sont admirablement composées, avec une science des enchaînements digne d'un storyboarder (comme Gabriel Hardman).

Assurant sur The Sixth Gun les postes de dessinateur, lettreur et de coloriste, il a ensuite délégué cette dernière tâche à Bill Crabtree avec lequel il forme un duo parfait.

Un artiste à suivre de près, et dont il faut soutenir la production qu'il signe avec Cullen Bunn !

Le blog de l'artiste : www.thehurttlocker.blogspot.com

Critique 287 : THE SIXTH GUN, BOOK 2 - CROSSROADS, de Cullen Bunn et Brian Hurtt

2011-11-30T16:10:00.002+01:00

The Sixth Gun, Book 2 : Crossroads rassemble les épisodes 7 à 11 de la série écrite par Cullen Bunn et dessinée par Brian Hurtt, publiée par Oni Press en 2011.

Après la bataille du fort Maw, au cours de laquelle Becky Montcrief et Drake Sinclair ont reçu l'aide de Gord Cantrell pour enfermer à nouveau le général mort-vivant Hume dans son cercueil, sans pouvoir empêcher la fuite de sa veuve Missy, les trois héros se sont installés dans un hôtel de la Nouvelle-Orléans pour faire le point.

Drake cherche un moyen de se libérer de l'emprise maléfique des quatre revolvers en sa possession (le cinquième est dans les mains de Missy Hume et le sixième ne quitte pas Becky), après avoir déposé le cercueil du général Hume dans une crypte (gardée par Billjohn O'Henry, devenu un golem).

Gord étudie des livres pour apprendre l'origine des revolvers et met Drake sur la piste d'Henri Fournier, qui vit dans le bayou. C'est ainsi que le pistolero va en apprendre un peu plus sur la mythologie de ces armes, mais aussi éveiller la convoîtise de Marinette Of The Dry Arms, une créature des marais à laquelle obéit le serviteur de Fournier, Woodmael.

Becky, elle, fait la connaissance de Kirby Hale, un redoutable tireur, qui la séduit et va la manipuler...

Ce nouveau tome est étonnamment accessible même si pour en apprécier tous les enjeux, il est préférable d'avoir lu le précédent. Dead Cold Fingers possédait une structure auto-contenue presque parfaite, une précaution habile dans un contexte de crise où peu de séries sont assurées de survivre (The Sixth Gun se vend à environ 5 000 exemplaires, trois fois moins qu'une série annulée par Marvel). Mais Oni Press soutient son titre et Cullen Bunn, le scénariste, a pu développer ce qu'il avait commencé à bâtir. Toute son histoire en profite : les personnages sont plus affirmés, l'intrigue est plus dense, et graphiquement c'est encore plus efficace.

Le meilleur exemple est la place prise par le personnage de Gord Cantrell, colosse noir apparu à la fin du tome 1, qui devient désormais un des protagonistes de la série : il garde une part de mystère (comme le remarque Drake quand il se demande comment il peut traverser avec autant de flegme les évènements surnaturels) mais son influence sur les situations et sa position à la fin de cet arc narratif prouve qu'il a acquis de l'épaisseur et possède un avenir.

Contrairement aux premiers épisodes, en constant mouvement, l'action se centralise ici dans un décor propice aux fantasmes puisqu'on évolue dans les quartiers de la Nouvelle-Orléans et le bayou. Le folklore de la région est subtilement mais puissamment exploité, avec des références au vaudou, à la magie noire.

On se rend compte qu'en vérité The Sixth Gun est moins un western avec des éléments fantastiques qu'une série fantastique utilisant les codes du western. Les duels, par exemple, sont abondants dans ces nouveaux chapitres et réservent de vrais morceaux de bravoure (Drake affronte un alligator blanc géant - Cullen Bunn a-t-il lu Jim Cutlass où le héros avait affaire à pareille bestiole ? - puis une panthère noire, Kirby Hale abat plusieurs fier-à-bras dans une séquence jubilatoire digne de Lucky Luke, Becky et Gord se démènent contre une horde de hibous et de serpents). Quant à la bataille finale dans le cimetière, elle n'a rien à envier à l'assaut contre le fort du Maw dans le premier livre.

Bunn continue de nous régaler avec des dialogues à la fois sobres et percutants, des personnages ciselés, et un soin particulier accordé aux ambiances.

(Promo art by Brian Hurtt)

Graphiquement aussi, la série mûrit sensiblement. Brian Hurtt confirme qu'il est un storyteller remarquable, produisant des vignettes parfaitement composées, s'enchaînant avec une fluidité imparable. Il n'abuse pas de plans larges mais quand il en produit, ils sont superbement ouvragés, sans être écrasés par des détails inutiles.

Il fait aussi la différence dans le traitement des décors, qu'il sait planter en leur consacrant toute la minutie requise : il faut saluer cet effort car tous les "monthly artists" américains ne sont pas aussi scrupuleux et sacrifie parfois les arrière-plans rapidement, comptant sur le fait que les lecteurs n'y accorderont pas autant d'importance qu'aux personnages. Or, quand on opère dans un genre aussi exigeant que le western où le cadre est à la fois connu de tous et donc implique d'être parfaitement représenté, cela commande à l'artiste de ne pas tricher.

Dans le même esprit, la colorisation, désormais réalisée par Bill Crabtree, souligne la qualité visuelle atteinte par la série. Ces quelques planches dans le bayou en témoignent :

La maîtrise grandissante de Hurtt fait écho à celle de Bunn qui sait nous rendre plus familier avec ses héros et leur histoire. The Sixth Gun est clairement un comic-book addictif, d'une efficacité exemplaire, aussi bien écrit que dessiné. Son scénariste lui-même promet, à la fin de ce 2ème tome, que l'aventure ne fait que commencer (le plan du scénariste courrait sur au moins 50 épisodes !) : il a su en tout cas poser les fondements d'une production avec un étonnant potentiel, qui peut durer longtemps tout en ménageant de nombreuses surprises.

Le vrai coeur de The Sixth Gun réside dans sa capacité à créer un monde à la croisée de deux genres (le western et le fantastique) sans être trop au sérieux ni trop ironiquement distant. Le terreau de cette production est fertile : vivement la suite, donc !

(Becky Montcrief par Brian Hurtt)